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El estudio de arquitectura Holland Harvey ha renovado la cafetería de la planta baja de la Tate Modern de Londres para que funcione como el primer bar nocturno de la galería .

Escondido en la esquina noroeste del museo, el interior del café Corner fue diseñado originalmente en 2000, cuando Herzog de Meuron creó un hogar para la colección nacional de arte moderno del Reino Unido dentro de la central eléctrica en desuso en Southbank.

Desde entonces, la Tate no había realizado cambios en el espacio hasta que se incorporó a Holland Harvey para renovar el interior a principios de 2022.

“Era un espacio bastante frío”, dijo a Dezeen el cofundador del estudio, Richard Holland. “Todo muy Herzog de Meuron-y”.

“Son increíbles en lo que hacen en muchos sentidos”, continuó. “Pero este no era su mejor espacio de comida y bebida”.

Holland Harvey eliminó muchos de los acabados duros y reflectantes del café, lijó la pintura negra brillante de los pisos para revelar el parquet debajo y quitó el vidrio espejado que Herzog de Meuron había usado para encerrar las columnas remachadas originales del edificio.

Las luces fluorescentes fueron reemplazadas por puntos más apagados por el estudio londinense There’s Light , mientras que el falso techo sobre la barra se redondeó y se cubrió con aislamiento de espuma para suavizar el interior, tanto visual como acústicamente.

De lo contrario, muchos de los elementos centrales de la cafetería, incluidos los servicios, así como la cocina y los baños, permanecieron prácticamente intactos para evitar el desperdicio excesivo y mantener la integridad del edificio.

“Realmente no quieres perder el tiempo con el servicio porque a 12 pies por encima de tu cabeza hay un Picasso”, dijo Holland. “Así que fue un toque bastante ligero”.

La mayor intervención se produjo en forma de una entrada junto al río recientemente agregada, que permite a los transeúntes caminar directamente hacia Corner en lugar de tener que tomar el camino más largo a través de la galería.

En el otro extremo de la sala de planta abierta, una puerta conduce directamente al famoso Turbine Hall de la Tate, vinculándolo efectivamente con los espacios públicos del Southbank.

“El Turbine Hall es uno de los espacios públicos de mayor éxito en Londres”, dijo Holland. “Es uno de los pocos lugares interiores a los que se puede ir, donde la gente se sienta felizmente en el suelo a mitad del día”.

“Y, obviamente, el Southbank también es una oferta pública increíble”, continuó. “Así que esto pareció una oportunidad para conectar los dos, lo que llevó a pensar mucho en torno al diseño”.

Con la idea de ampliar el ámbito público, muchas de las piezas recién agregadas son robustas y fijas en su lugar, al igual que el mobiliario urbano. Entre ellos se encuentran los bancos Vicenza Stone de doble cara, que también pueden servir como estructuras de trepa improvisadas para los niños pequeños.

Holland Harvey creó otras áreas para sentarse en Corner para satisfacer diferentes necesidades de accesibilidad, enfocándose en apoyar a los fabricantes locales y las pequeñas empresas y, al mismo tiempo, reducir el desperdicio siempre que sea posible.

Las largas mesas y bancos para compartir de Corner fueron fabricados por el estudio de diseño de muebles Goldfinger en el oeste de Londres utilizando árboles talados por las autoridades locales para detener la propagación de la muerte regresiva de las cenizas.

“Cada mesa tiene las coordenadas del lugar donde cayó el árbol, por lo que los muebles tienen una procedencia”, dijo Holland.

Como empresa social, Goldfinger también devuelve los beneficios a su comunidad local a través de iniciativas como comidas mensuales gratuitas y cursos de carpintería para jóvenes marginados.

Mientras tanto, las sillas fueron rescatadas del propio almacenamiento de la galería antes de ser reacabadas y tapizadas, mientras que las mesas más pequeñas fueron fabricadas por la empresa Spared de Brighton utilizando posos de café de otros cafés de la Tate.

Estos se horneaban a baja temperatura para eliminar la humedad antes de mezclarlos con conchas de ostras y un aglutinante de yeso a base de agua.

Aunque las piezas resultantes no son completamente circulares ya que no se pueden reciclar, Holland espera que cuenten una historia sobre el valor que se puede encontrar en los residuos.

“De ningún modo decimos que sea un proyecto ejemplar en ese sentido”, explicó. “Simplemente estábamos tratando de encontrar oportunidades para contar historias a través de todos los diferentes elementos en lugar de recurrir simplemente a los grandes proveedores corporativos”.

“Y ese es realmente nuestro impacto más amplio: que la gente se dé cuenta de que hay una forma diferente de conseguir una mesa. Imagínese si todos los muebles de la Tate en el futuro fueran fabricados por Goldfinger”, continuó.

Por las noches, el espacio se puede convertir en un bar y espacio para eventos cambiando a una iluminación más cálida y de mayor contraste, mientras que una sección de la banqueta central se puede convertir en una cabina de DJ elevada presionando un botón oculto debajo de los cojines. .

“Este lugar puede volverse bastante salvaje por la noche”, dijo Holland.

La última modificación significativa del edificio Tate Modern fue la ampliación de la Switch House de Herzog de Meuron , que se abrió al público en 2016.

El edificio contiene una tienda de regalos diseñada por el estudio de Ámsterdam UXUS , junto con varias galerías y un mirador en el último piso, que actualmente está cerrado al público después de que Tate perdiera una demanda de privacidad de alto perfil presentada por los habitantes de una torre residencial vecina.

La fotografía es de Jack Hobhouse a menos que se indique lo contrario.

El estudio de arquitectura Worrell Yeung ha renovado un edificio histórico de hierro fundido en Soho para una organización artística llamada Canal Projects, que alberga exposiciones “en un espacio inconfundiblemente neoyorquino”.

Ubicado entre Soho y Tribeca, este hito de cinco pisos fue construido en 1900 como un centro de fabricación, presentando una fachada blanca decorativa, ventanas de guillotina y una escalera de incendios externa, todo típico del vecindario.

Worrell Yeung renovó los niveles de la calle y el sótano para crear un hogar para Canal Projects , una organización artística sin fines de lucro que alberga exposiciones, charlas, actuaciones, lecturas y proyecciones para la comunidad.

El estudio tuvo cuidado de conservar la mayor cantidad posible del carácter del edificio, resaltando las características existentes como la mampostería original y los radiadores de vapor, y restaurándolos cuando fuera necesario.

Los visitantes llegan a través de un nuevo umbral de entrada en Canal Street, donde paneles de bronce patinado se alinean en las altas paredes en un espacio destinado a ofrecer un momento de pausa.

Subiendo un corto tramo de escaleras se encuentra el espacio de la galería principal: una sala grande, abierta y flexible que se puede programar de acuerdo con las necesidades de la organización.

“Diseñamos los cimientos para que fueran una serie de espacios que se comprimirían y expandirían, colapsarían y desplegarían y se moverían entre la oscuridad y la luz”, dijo el cofundador de Worrell Yeung, Jejon Yeung.

Rodeada por 14 grandes ventanas en dos lados y con techos de más de 13 pies (cuatro metros) de altura, esta habitación es espaciosa y llena de luz.

Los nuevos pisos de roble blanco complementan los detalles industriales, incluidas cinco columnas de hierro fundido y cinco columnas de acero con alas anchas que fueron expuestas y restauradas.

“De manera similar a brindarles a los artistas una plataforma distintiva, queríamos que los espectadores experimentaran el arte en un espacio inconfundiblemente de la ciudad de Nueva York”, dijo Max Worrell, el otro cofundador de Worrell Yeung.

“Los transeúntes podrán vislumbrar exposiciones desde la calle a través de las ventanas a lo largo de las calles Canal y Wooster, y los visitantes del interior podrán ver obras de arte con el contexto de la ciudad visible en el fondo”, dijo Worrell.

También en la planta baja hay oficinas privadas para los curadores y un baño público de color naranja brillante.

Junto a un mostrador de recepción independiente del artista Zachary Tuabe, una escalera conduce al nivel del sótano, que tiene una superficie ocupable mucho más pequeña.

Más oscuro y cerrado, el espacio del sótano presenta ladrillos originales, mampostería y vigas de madera en el techo, y ofrece un espacio de exhibición muy diferente que es adecuado para proyecciones de películas.

La luz de las rejas de acero de la acero ilumina un extremo del espacio, donde se crea un área de biblioteca mediante estantes del piso al techo que giran según sea necesario.

Un área de despensa está escondida en un nicho detrás de un conjunto de puertas de establo y está completamente coloreada en naranja brillante para combinar con el baño de arriba.

“Queríamos que los artistas se enfrentaran a un lugar que proporcionara suficiente neutralidad para su trabajo, pero que también fuera claramente inseparable del Soho Cast Iron District”, dijo Yeung.

“Esta es una tipología de edificio único en la ciudad de Nueva York y un contexto rico en capas dentro del cual exhibir”.

Canal Projects se abrió al público en septiembre de 2022, con una exposición titulada Pray organizada por la directora artística y curadora principal Summer Guthery.

La muestra cuenta con obras del artista Korakrit Arunanondchai , radicado en Bangkok y Nueva York, y del artista y cineasta estadounidense Alex Gvojic .

Worrell Yeung se fundó en 2015 y ha trabajado en una variedad de proyectos en Nueva York y sus alrededores.

El estudio construyó recientemente una casa en el lago revestida de madera con techos voladizos en Connecticut, mientras que los esfuerzos anteriores han incluido una renovación en Hamptons , un apartamento tipo loft en Chelsea y el ático en el edificio Dumbo Clocktower .

La fotografía es de Naho Kubota .

Créditos del proyecto:

Arquitectura y diseño de interiores: Worrell Yeung
Equipo de proyecto de Worrell Yeung: Max Worrell, fundador y director; Jejon Yeung, fundador y director; Beatriz de Uña Bóveda, gerente de proyecto; Yunchao Le, diseñador del proyecto
Ingeniero estructural: Silman (Geoff Smith, Nick Lancellotti)
Diseñador de iluminación: Lighting Workshop (Doug Russell, Steven Espinoza)
Ingeniero eurodiputado: Jack Green Associates (Larry Green)
Expedidor/consultor de códigos: Anzalone Architecture (James Anzalone)
Contratista: Hugo Construcción (Hugo Cheng, Kong Leong)

Designmuseum Denmark ha analizado cómo el diseño puede dar forma al futuro a través de su exposición The Future is Present , que presenta proyectos que incluyen una lámpara de araña tubular hecha de intestinos de vaca.

Presentada en el recientemente renovado Designmuseum de Copenhague , la exposición muestra una variedad de obras “especulativas y sugerentes” que examinan cuatro temas titulados Humano, Sociedad, Planeta+ e Imaginar el futuro.

“El diseño es en gran medida una profesión con visión de futuro”, afirmó la curadora de la exposición Pernille Stockmarr . “Se trata de transformar lo existente en algo mejor, y lo que hacemos en el presente crea el futuro”.

“Al vivir en una época con grandes desafíos globales, esta exposición quiere invitar a la gente a ver y reflexionar sobre los diferentes potenciales del diseño en esta transformación y animarlos a pensar en qué tipo de futuro queremos”, dijo a Dezeen.

Entre las piezas expuestas se encuentra Inside Out, una lámpara estilo candelabro hecha con 100 metros de intestinos de vaca anudados extraídos de ocho vacas. La diseñadora Kathrine Barbro Bendixen tenía como objetivo explorar cómo se pueden utilizar los subproductos para repensar los patrones de consumo de materiales.

La marca de moda con sede en las Islas Feroe Guðrun Guðrun creó Vindur, un vestido con volantes y mangas acampanadas exageradas hecho de seda tejida e hilo de leche tejido a máquina procedente de residuos de producción láctea.

La marca trabajó con las diseñadoras textiles Amalie Ege y Charlotte Christensen y Lifestyle Design Clusters para crear la prenda, que se confeccionó utilizando una “técnica tradicional utilizada durante el período de entreguerras, cuando los recursos escaseaban y los residuos se transformaban en valor”, según al Museo del Diseño.

Más obras conceptuales incluyen Beyond Life, una colección de urnas de espuma de papel biodegradable de la diseñadora Pia Galschiødt Bentzen con colgantes desmontables que contienen semillas que se pueden cultivar.

“Beyond Life une la muerte, la pérdida y el recuerdo con la conciencia de que los humanos somos parte del interminable círculo de la vida de la naturaleza”, dijo Stockmarr.

También se exhibe Library of Change, un “mapa” de tarjetas colgantes de lámina acrílica que muestran las tendencias y tecnologías actuales, con preguntas para los visitantes como “¿dejarías la ciudad para tener una mejor conexión?”

Stockmarr explicó que la exposición tiene como objetivo comunicar “la amplitud del diseño” al incluir obras que varían en escala, propósito y medio.

“Su capacidad para inspirar, iniciar conversaciones y hacer reflexionar a los visitantes era una prioridad”, afirmó.

“No quería que las obras fueran soluciones demasiado definidas para el futuro, visiones extremas de ciencia ficción, utopías o distopías, sino obras exploratorias. Algunos son proyectos de investigación colaborativos y otros brindan previsión sobre métodos de diseño, artesanías y experimentos creativos”.

Además de los diversos proyectos de la exposición, también se exhiben objetos del propio archivo del Designmuseum que resaltan ideas pasadas para el futuro.

Uno de estos diseños es el vehículo de tres ruedas Ellert, el primer coche eléctrico de Dinamarca desarrollado en los años 80 por el ingeniero Steen Volmer Jensen.

El estudio local Spacon X creó el diseño de la exposición de The Future is Present con el objetivo de reflejar sus temas.

El estudio delineó las distintas zonas de la exposición utilizando divisores modulares de bioplástico que serpentean por el espacio de exposición y trabajó con materiales naturales, incluida la hierba marina, que se utilizó para crear alfombras acústicas para controlar el ruido en el museo.

Los objetos están dispuestos sobre mesas y pedestales personalizados hechos en colaboración con el fabricante de materiales sostenibles Søuld , mientras que Natural Material Studio creó un diván de micelio para el espectáculo.

Stockmarr explicó que la exposición pretende ser un llamado a la acción y capacitar a las personas para que reflexionen sobre sus roles individuales a la hora de determinar el futuro del diseño.

“Al hacer más preguntas que dar respuestas, la exposición quiere inspirar a los visitantes”, reflexionó el comisario.

“La exposición reconoce que no somos sólo los diseñadores, arquitectos, artesanos y expertos, sino todos nosotros quienes participamos en la configuración y el diseño del futuro mediante las preguntas que hacemos y las elecciones y acciones que tomamos hoy”.

Exposiciones recientes similares que exploraron el impacto climático de los materiales incluyen una exposición en la Feria del Mueble de Estocolmo que visualizó las emisiones de carbono de materiales comunes como el hormigón y The Waste Age , una exposición de Londres que abordó cómo el diseño ha contribuido al surgimiento de la cultura del descarte.

The Future is Present se exhibe en Designmuseum Denmark del 19 de junio de 2022 al 1 de junio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.