La tienda insignia de Moschino hace referencia a la “historia de la antigua Italia”
El estudio italiano Andrea Tognon Architecture ha colaborado con el ex director creativo de Moschino, Jeremy Scott , para renovar la tienda insignia de la marca en Milán .
Ubicada en Via della Spiga, una de las famosas calles comerciales de Milán, la tienda se encuentra dentro del Palazzo Perusati del siglo XVIII, que recientemente fue transformado por la empresa inmobiliaria Hines en un desarrollo comercial de lujo.
La tienda fue diseñada por Andrea Tognon Architecture en colaboración con Scott, cuyo objetivo era recrear y aludir a la historia de la antigua Italia a través de un esquema interior minimalista pero ornamental.
“Me inspiré en la rica historia de la antigua Italia y la belleza y la opulencia decadente de su diseño”, dijo Scott.
“A veces empezamos a diseñar a partir de recuerdos, a veces a partir de formas, materiales y colores”, añadió Andrea Tognon, fundadora de Andrea Tognon Architecture.
“Para este proyecto, partí sólo de palabras”.
El buque insignia de Milán tiene dos plantas y una superficie de 380 metros cuadrados.
Su planta baja está dedicada a las colecciones y complementos de prêt-à-porter femenino de la marca, mientras que la primera planta está dedicada a las colecciones masculinas y infantiles.
En todo el interior, Andrea Tognon Architecture utilizó materiales ricos que hablan del estilo barroco de Moschino, que también se destacó a través de elementos arquitectónicos decorativos y de gran tamaño.
Un piso a cuadros construido con mármol Botticino y piedra verde, procedente de Brasil, cubre el área comercial de la planta baja, mientras que los pisos superiores estaban revestidos con mármol amarillo de Siena.
Una gran escalera de caracol de piedra conecta los dos pisos del espacio comercial y forma una continuación del piso a cuadros de gran tamaño, con la huella y la subida de cada escalón revestidas de manera similar en piedra verde y mármol.
La iluminación de latón patinado se extiende rítmicamente en filas horizontales a lo largo del techo de la tienda. Los rieles de exhibición tubulares curvos bordean los límites del interior y fueron construidos con el mismo acabado de latón.
Se introdujeron toques de color en el interior a través de estanterías de madera lacadas en amarillo brillante que flanquean las paredes de la tienda y siguen su perfil curvo.
Se colocaron columnas y capiteles de gran tamaño en todo el interior y funcionan como muebles y áreas de exhibición para los productos y accesorios de la marca.
También esparcidos por toda la tienda hay muebles personalizados adicionales que fueron creados por Scott en homenaje al fundador de Moschino, Franco Moschino.
Estas mesas combinan dos mesas que fueron empalmadas en el medio, unidas y decoradas con tapas de mármol y ornamentación en pan de oro.
La semana pasada se supo que Jeremy Scott dejaba Moschino después de una década en la casa de moda milanesa. En 2020, Scott reemplazó a las modelos en su desfile Primavera Verano 2021 con marionetas que vestían la colección de ropa femenina de la marca.
En otra parte de Milán, los estudios de diseño londinenses Brinkworth y The Wilson Brothers crearon un estudio de artista en forma de caravana para la tienda insignia de Marni en la ciudad italiana.
Un icónico bloque de oficinas de los años 60 en Bruselas se ha convertido en un hotel , con un interior diseñado por el arquitecto Lionel Jadot utilizando únicamente muebles y objetos hechos a medida.
Mix Bruselas, que abrirá sus puertas hoy, se hará cargo de la antigua sede de La Royale Belge, la compañía de seguros ahora conocida como AXA.
La conversión del edificio de 25.000 metros cuadrados fue supervisada por un equipo de arquitectos formado por Caruso St John , con sede en Londres, Bovenbouw Architectuur, con sede en Amberes, y los estudios DDS+ y MA2 de Bruselas .
Jadot , con sede en Bruselas, reunió a un equipo de 52 diseñadores y creadores (incluido él mismo) para equipar el interior con muebles, instalaciones y esculturas diseñadas específicamente.
Casi todo, desde las sillas hasta los pomos de las puertas, es obra de un artista o diseñador independiente.
“Queríamos crear algo diferente para que cuando entres, nada sea normal”, dijo Jadot a Dezeen.
“Nada es de catálogo, no se ve nada en Instagram”, afirmó. “Todo está hecho a medida en Bélgica específicamente para este proyecto, por una gran familia de diseñadores que trabajan juntos”.
El hotel de cuatro estrellas incluye 180 habitaciones y suites, tres restaurantes, un mercado de alimentos, un espacio de coworking, un auditorio y un gimnasio.
Para ganar un encargo tan grande, Jadot reclutó a todos los diseñadores de Zaventem Ateliers , un centro creativo que fundó en 2018 en una antigua fábrica de papel en las afueras de la ciudad.
Zaventem Ateliers reúne a 25 creativos en un entorno colaborativo que apoya la creación de arte y diseño coleccionables y de edición limitada.
Cuando se anunció un concurso de diseño para el proyecto, Jadot los convenció de que el hotel podría convertirse en una celebración de la cultura artesanal de la ciudad.
“Este edificio es realmente icónico para Bruselas y estoy enamorado de él desde que tenía 10 años”, dijo.
“Todos los viernes, mi madre nos pasaba por allí de camino a la casa de mi abuela. Pensé que había algo realmente especial en ello”, recordó.
“Le dije al equipo que teníamos que ser nosotros quienes hiciéramos este proyecto”, añadió Jadot.
Además de los miembros existentes de Zaventem Ateliers, también reclutó a otros 27 creativos para colaborar con ellos en el equipamiento.
El concepto primordial, explicó Jadot, era crear interiores que complementaran las cualidades escultóricas del distintivo interior con estructura de hormigón del edificio.
“La idea siempre fue tener una horizontalidad en la creación”, dijo. “No me correspondía a mí decirles cómo trabajar; el punto era que se sintieran libres de proponer algo”.
Los diseñadores contribuyentes de Zaventem Ateliers incluyen a Maison Armand Jonckers , que produjo el mostrador de recepción de latón grabado, y Arno Declercq , que construyó una escultura monumental de madera ennegrecida.
El artista Thomas Serruys creó taburetes de madera que se pueden encontrar en todas partes, mientras que la diseñadora Adeline Halot produjo pantallas de lámparas para el vestíbulo del hotel y espejos esculturales para los dormitorios.
Entre los diseños de iluminación, la especialista en materiales ecológicos Roxane Lahidji produjo lámparas colgantes de sal, mientras que Studio Elementaires creó elegantes luces nocturnas.
Las obras textiles incluyen cortinas y tejidos estampados de KRJST Studio , que se asoció con la diseñadora Emma Cognée, y tapices de La Gadoue Atelier .
Las propias contribuciones de Jadot incluyen una instalación de chimenea y varias sillas, mientras que otras adiciones notables incluyen una obra de arte de papel maché de Papier Boulette , mesas del diseñador Pierre Coddens y asientos de espuma del dúo de artistas Touche-Touche .
La apertura de MIX Bruselas tiene como objetivo ayudar a consolidar la reputación de la ciudad como un punto de acceso para el arte y el diseño coleccionables.
Además de albergar la feria anual Coleccionable , la ciudad recientemente vio cómo la galería de diseño Maniera y la galería de arte contemporáneo Xavier Hufkens ampliaron sus presencias .
Jadot espera que el proyecto desafíe las expectativas del diseño hotelero y demuestre que es posible que esta industria apoye el talento creativo local a gran escala.
“Muchos de los hoteles que abren hoy simplemente encargan muebles de mala calidad a otros países y, al cabo de unos años, todo está destruido”, afirmó. “No es una buena manera de hacerlo”.
La clave del enfoque alternativo, dijo Jadot, fue que los inversores confiaron en él para gestionar el proyecto y el proceso.
Está orgulloso de que, a diferencia de la mayoría de los hoteles nuevos, es difícil poner una fecha al interior terminado. Él ve esto como una señal de que durará mucho tiempo.
“No se sabe realmente si este proyecto nació hoy o ayer”, dijo.
“Hemos creado esta combinación, aunque evitamos totalmente lo vintage. Sólo tenemos diseños contemporáneos coleccionables, pero es una mezcla realmente especial”.
La diseñadora danesa Helle Mardahl ha presentado The Sensory Society, una exposición de 3 días de diseño que se inspira en la película de Wes Anderson The Grand Budapest Hotel.
Mardahl llenó todo un apartamento de Copenhague con sus coloridos objetos de vidrio, creando instalaciones que incluyen una divertida barra y un gran tocador.
La exposición muestra nuevas incorporaciones a la gama de cristalería del diseñador, llamada Candy Collection, que incluye lámparas colgantes sopladas a mano, copas de vino con carácter y la versión de Mardahl del “cuenco perfecto”.
El objetivo era crear una exposición que atrajera todos los sentidos.
“Hemos transformado este antiguo e increíble apartamento en un mundo de imaginación, mística y humor”, dijo Mardahl.
“Inspirándome en el increíble The Grand Budapest Hotel de Wes Anderson, implementé colores de nuestra última incorporación a la colección Candy, como pomelo, gelatina azul, champán y menta verde. ¡Absolutamente delicioso!
Mardahl inauguró por primera vez su estudio con sede en Copenhague en 2017, después de “enamorarse” del vidrio. Sus piezas suelen tener una estética de caramelo, con colores intensos y formas redondas.
Todos los diseños están hechos a mano por artesanos que residen principalmente en Dinamarca.
“El proceso de creación del vidrio es mágico”, dijo Mardahl.
“Hace calor, suda, es absolutamente perfecto. Es verdaderamente una historia de amor entre el vidrio y el artesano”.
Cuando llegas a The Sensory Society, la primera sala que encuentras es un vestíbulo donde casi todas las superficies son rojas, creando un atrevido telón de fondo para los colgantes de vidrio que cuelgan del techo.
En la zona del bar, los objetos de vajilla de vidrio, incluido el popular soporte para pasteles Bon Bon, se exhiben a diferentes alturas, mientras que las copas de vino cuelgan alrededor de una columna cilíndrica.
Un gran tocador tiene acabados en tonos pálidos de lila, rosa y azul. Incorpora estanterías escalonadas que soportan cientos de recipientes de vidrio.
También hay una sala de color turquesa donde las nuevas copas de vino cobran protagonismo.
Pequeños detalles en todo el apartamento también están hechos de vidrio, incluidos los tiradores de los cajones y los orbes fijados a los lados de las sillas.
“Es un mundo dulce de sabores y colores, un universo que simula tus sentidos y sensaciones”, añadió Mardahl.
Sensory Society se exhibirá del 7 al 10 de junio de 2023 como parte de 3 Days of Design . Siga la cobertura en vivo en Dezeen en vivo: 3 Days of Design en Copenhague , o consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener información sobre el evento, además de una lista de otros. eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
La artista de visualización Charlotte Taylor habla por primera vez en esta entrevista de cómo está traduciendo su trabajo de diseño digital en proyectos de arquitectura construida .
Taylor es la fundadora del estudio de diseño 3D Maison de Sable , donde colabora con otros diseñadores 3D en representaciones de interiores y edificios imaginarios y fantásticos.
Recientemente, los diseños de Taylor se han vuelto menos impulsados por la fantasía y más cercanos a espacios reales, y algunos de ellos se construirán como proyectos de arquitectura física.
“A largo plazo, me gustaría dedicarme más a la arquitectura”, dijo Taylor a Dezeen.
Al no haber seguido una formación formal en arquitectura, el diseñador cree que debería haber caminos más no tradicionales para diseñar edificios.
“No me formé en arquitectura en absoluto”, dijo. “Creo que sería fantástico si hubiera más entradas en arquitectura porque es una carrera muy difícil de abordar”.
“Me gustaría pensar que hay esperanza de que se pueda construir espacios físicos a través de medios no convencionales”.
Uno de los diseños de Taylor que se construirá es la Casa Atibaia , una casa que fue concebida originalmente como un proyecto imaginario en colaboración con el diseñador Nicholas Préaud .
El dúo imaginó la casa situada junto al río Atibaia en São Paulo , creando un modelo digital de parte de la orilla del río basado en información de Google Maps.
A partir de esto, Taylor y Préaud diseñaron una casa de fantasía de concreto y vidrio levantada sobre enormes rocas, cuyo interior aparece en la portada del primer libro de Taylor, Design Dreams , publicado el mes pasado.
Aunque originalmente no estaba previsto construir el proyecto, Taylor ahora está en el proceso de encontrar un terreno adecuado para actualizar el diseño.
Taylor también ha colaborado con el diseñador arquitectónico Andrew Trotter en una casa en Utah, que forma parte del diseño más amplio de Trotter para un hotel y centro de retiro llamado Paréa .
La casa, que actualmente está en construcción, fue diseñada para integrarse en el paisaje desértico con grandes tramos de acristalamiento y paredes acabadas en yeso de cal.
Según Taylor, sus diseños ficticios han recibido una respuesta mixta por parte de los arquitectos, y algunos dicen que “en el mundo real, no funciona así”.
Pero para Taylor, no tener un título en arquitectura y explorar el diseño espacial digitalmente sin estar limitado por los requisitos de iluminación, ruido, seguridad y presupuesto le permite tener más creatividad.
“Para mí actúa como una especie de campo de juego creativo en el que puedo probar todos estos conceptos y ver cómo funcionan visualmente”, dijo Taylor.
“Luego, al llevar eso al mundo físico y trabajar con ingenieros y arquitectos, se reduce”.
“Creo que no tener educación en arquitectura te hace encontrar diferentes soluciones o ideas para llevar al mundo real que no habrían surgido simplemente diseñando un espacio real”, agregó.
La diseñadora mencionó que su ícono del diseño, Carlo Scarpa, tampoco llegó a ser arquitecto autorizado.
“Mi ícono, Carlo Scarpa, nunca obtuvo su calificación completa, por lo que hay pequeñas historias que me inspiran, pero el pensamiento general es bastante rígido: esta entrada en particular está un poco mal vista por lo que he experimentado”, dijo Taylor.
Después de haber aprendido la mayor parte de sus habilidades de diseño experimentando con el diseño digital y colaborando con otros diseñadores, Taylor se describe a sí misma como “autoestudiante” y anima a otros diseñadores a crear trabajos que consideren que mejor los represente.
“Esfuércese por crear una cartera que le entusiasme y le represente al máximo”, afirmó Taylor.
“Aprendí creando un portafolio y trabajando con diseñadores y arquitectos 3D; es una tarea que requiere mucha investigación”.
El libro Design Dreams de Taylor presenta diseños en 3D de edificios e interiores creados por ella y otros artistas.
La selección incluye entornos de fantasía, así como representaciones de interiores que parecen espacios reales y tangibles.
“[El libro] se convirtió en un espacio en el que compartir mis proyectos personales, los artistas con los que trabajo y los trabajos que admiro en el campo de los interiores y la arquitectura”, dijo Taylor.
Aunque la mayoría de las imágenes ya se comparten ampliamente en línea, al recopilarlas todas en un solo volumen, Taylor espera que los lectores disfruten perderse en el formato impreso.
“De la misma manera que la página de Instagram actúa donde la gente va a perderse en las imágenes, tenerla en un formato físico significa que puedes dedicar más tiempo a los detalles que en la pantalla de un teléfono”, dijo.
“Tomar algo digital que no existe en el mundo físico y imprimirlo fue muy importante para mí, verlo de esa manera”, añadió el diseñador.
Aunque trabajan en el ámbito digital, Taylor sostiene que los creadores visuales en 3D desempeñan un papel en las tendencias del diseño de interiores.
“Las tendencias artísticas que ocurren en 3D se abren paso gradualmente en los espacios interiores, y es realmente interesante ver el efecto Pinterest”, dijo.
“A la gente le encanta coleccionar imágenes y crear su moodboard ideal con ellas, y estos espacios realmente contribuyen a eso. La gente está construyendo sus propias ideas y haciendo que la arquitectura y los interiores sean más accesibles en lugar de algo muy profesional”.
En sus propios diseños visuales de interiores, Taylor incluye elementos de su hogar real para hacer que los espacios parezcan más identificables que las representaciones arquitectónicas tradicionales.
“Todo depende de la construcción de las imágenes, tienen ese tipo de iluminación y familiaridad, y siempre ponemos pequeños accesorios que a menudo serán cosas de mi casa”, dijo.
“Estos pequeños detalles lo hacen habitado y más identificable frente a la visualización arquitectónica tradicional, que puede ser muy estéril y no estéticamente identificable”.
Taylor también trabajó anteriormente en varios proyectos de NFT , incluida una obra de arte en video basada en una escultura de diseño OMA y cápsulas de NFT que contienen imágenes digitales de proyectos de arquitectura de fantasía .
Las imágenes son de Charlotte Taylor a menos que se indique lo contrario.
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