El buque insignia de Boyy en Milán revela capas de la historia de la tienda
El artista danés Thomas Poulsen, también conocido como FOS, ha renovado la tienda insignia de la marca de accesorios Boyy en Milán , manteniendo las superficies desgastadas por el tiempo que quedaron del antiguo equipamiento del sitio.
Esta es la tercera vez que FOS renueva el espacio en Via Bagutta desde 2021, como parte del plan del artista para crear una tienda dinámica y “en evolución”.
En su primera encarnación, el buque insignia de Boyy tenía espejos estilo funhouse, paredes cubiertas con tela rosa descolorida y alfombras azul cobalto adornadas con objetos cotidianos.
Este esquema de color se invirtió para la segunda versión de la tienda con paredes azules y alfombra rosa chicle. Los elementos de ambos esquemas permanecen ahora en la tercera y última forma de la tienda, que se dejó deliberadamente sin terminar .
“Este espacio fue un experimento para formular un lenguaje compartido sobre cómo Boyy podría desarrollarse como marca”, explicó FOS.
“Comenzamos creando una instalación, la primera interpretación, luego usamos esa experiencia para crear una segunda instalación y finalmente aprovechamos la experiencia combinada para crear este espacio permanente final al que ahora hemos llegado”.
“Siempre imaginamos la tercera interpretación como el acto final”, añadió el cofundador de Boyy, Jesse Dorsey.
El buque insignia de Boyy ahora tiene paredes revestidas con la misma piedra ceppo gris que reviste la fachada de la tienda.
Algunas áreas quedaron sin paneles, lo que dejó al descubierto las paredes envejecidas y forradas de tela que dejó un ocupante anterior: una tienda de antigüedades de 50 años que vendía pintorescos objetos de estilo americano para la casa.
También se puede ver tela azul colgada en la esquina trasera, salvada de la segunda revisión del espacio por parte de FOS.
Estas franjas de tela desgastada por el tiempo estaban encerradas dentro de marcos de ventanas de aluminio, al igual que algunas de las unidades de exhibición de la tienda.
En otros lugares, la selección de zapatos y bolsos de Boyy se puede exhibir en varias vitrinas de vidrio iluminadas o en la repisa que rodea la periferia de la tienda.
FOS también creó un estante de exhibición alrededor de una columna estructural en ruinas que se encuentra en el medio del plano de planta.
Un par de bancos escalonados de color verde mar estaban repartidos por toda la tienda como decoración, complementando las motas de piedra verde que se encuentran en el piso de terrazo.
Milán alberga una gran cantidad de espacios comerciales visualmente impactantes.
Otros incluyen el buque insignia de Moschino, que fue diseñado para hacer referencia a la historia de la antigua Italia , y la tienda Off-White, que está decorada con materiales naturales como el granito de la Patagonia.
Designmuseum Denmark ha analizado cómo el diseño puede dar forma al futuro a través de su exposición The Future is Present , que presenta proyectos que incluyen una lámpara de araña tubular hecha de intestinos de vaca.
Presentada en el recientemente renovado Designmuseum de Copenhague , la exposición muestra una variedad de obras “especulativas y sugerentes” que examinan cuatro temas titulados Humano, Sociedad, Planeta+ e Imaginar el futuro.
“El diseño es en gran medida una profesión con visión de futuro”, afirmó la curadora de la exposición Pernille Stockmarr . “Se trata de transformar lo existente en algo mejor, y lo que hacemos en el presente crea el futuro”.
“Al vivir en una época con grandes desafíos globales, esta exposición quiere invitar a la gente a ver y reflexionar sobre los diferentes potenciales del diseño en esta transformación y animarlos a pensar en qué tipo de futuro queremos”, dijo a Dezeen.
Entre las piezas expuestas se encuentra Inside Out, una lámpara estilo candelabro hecha con 100 metros de intestinos de vaca anudados extraídos de ocho vacas. La diseñadora Kathrine Barbro Bendixen tenía como objetivo explorar cómo se pueden utilizar los subproductos para repensar los patrones de consumo de materiales.
La marca de moda con sede en las Islas Feroe Guðrun Guðrun creó Vindur, un vestido con volantes y mangas acampanadas exageradas hecho de seda tejida e hilo de leche tejido a máquina procedente de residuos de producción láctea.
La marca trabajó con las diseñadoras textiles Amalie Ege y Charlotte Christensen y Lifestyle Design Clusters para crear la prenda, que se confeccionó utilizando una “técnica tradicional utilizada durante el período de entreguerras, cuando los recursos escaseaban y los residuos se transformaban en valor”, según al Museo del Diseño.
Más obras conceptuales incluyen Beyond Life, una colección de urnas de espuma de papel biodegradable de la diseñadora Pia Galschiødt Bentzen con colgantes desmontables que contienen semillas que se pueden cultivar.
“Beyond Life une la muerte, la pérdida y el recuerdo con la conciencia de que los humanos somos parte del interminable círculo de la vida de la naturaleza”, dijo Stockmarr.
También se exhibe Library of Change, un “mapa” de tarjetas colgantes de lámina acrílica que muestran las tendencias y tecnologías actuales, con preguntas para los visitantes como “¿dejarías la ciudad para tener una mejor conexión?”
Stockmarr explicó que la exposición tiene como objetivo comunicar “la amplitud del diseño” al incluir obras que varían en escala, propósito y medio.
“Su capacidad para inspirar, iniciar conversaciones y hacer reflexionar a los visitantes era una prioridad”, afirmó.
“No quería que las obras fueran soluciones demasiado definidas para el futuro, visiones extremas de ciencia ficción, utopías o distopías, sino obras exploratorias. Algunos son proyectos de investigación colaborativos y otros brindan previsión sobre métodos de diseño, artesanías y experimentos creativos”.
Además de los diversos proyectos de la exposición, también se exhiben objetos del propio archivo del Designmuseum que resaltan ideas pasadas para el futuro.
Uno de estos diseños es el vehículo de tres ruedas Ellert, el primer coche eléctrico de Dinamarca desarrollado en los años 80 por el ingeniero Steen Volmer Jensen.
El estudio local Spacon X creó el diseño de la exposición de The Future is Present con el objetivo de reflejar sus temas.
El estudio delineó las distintas zonas de la exposición utilizando divisores modulares de bioplástico que serpentean por el espacio de exposición y trabajó con materiales naturales, incluida la hierba marina, que se utilizó para crear alfombras acústicas para controlar el ruido en el museo.
Los objetos están dispuestos sobre mesas y pedestales personalizados hechos en colaboración con el fabricante de materiales sostenibles Søuld , mientras que Natural Material Studio creó un diván de micelio para el espectáculo.
Stockmarr explicó que la exposición pretende ser un llamado a la acción y capacitar a las personas para que reflexionen sobre sus roles individuales a la hora de determinar el futuro del diseño.
“Al hacer más preguntas que dar respuestas, la exposición quiere inspirar a los visitantes”, reflexionó el comisario.
“La exposición reconoce que no somos sólo los diseñadores, arquitectos, artesanos y expertos, sino todos nosotros quienes participamos en la configuración y el diseño del futuro mediante las preguntas que hacemos y las elecciones y acciones que tomamos hoy”.
Exposiciones recientes similares que exploraron el impacto climático de los materiales incluyen una exposición en la Feria del Mueble de Estocolmo que visualizó las emisiones de carbono de materiales comunes como el hormigón y The Waste Age , una exposición de Londres que abordó cómo el diseño ha contribuido al surgimiento de la cultura del descarte.
The Future is Present se exhibe en Designmuseum Denmark del 19 de junio de 2022 al 1 de junio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
Se inauguró en Newcastle, Inglaterra, un centro de arquitectura fundado por el arquitecto británico Terry Farrell , con una exposición que explora los materiales de construcción del futuro y las “habitaciones urbanas” para los residentes locales.
El Centro Farrell es una galería de exposiciones, un centro de investigación y un espacio comunitario que tiene como objetivo provocar una conversación sobre arquitectura y planificación, tanto en la ciudad como a escala global.
El proyecto fue instigado por Farrell, quien donó su archivo arquitectónico y aportó £1 millón para la construcción.
La exposición inaugural, Más con menos: reinventar la arquitectura para un mundo cambiante , analiza cómo los edificios podrían adaptarse a la crisis climática.
Piel sintética, micelio y aislamiento de lana aparecen en una serie de instalaciones diseñadas para desafiar los métodos tradicionales de producción de arquitectura.
En otros lugares, tres salas urbanas albergan talleres y otros eventos donde los lugareños pueden aprender sobre el pasado y el futuro de Newcastle y expresar sus opiniones sobre los planes de desarrollo.
“El centro está aquí para lograr un entorno construido mejor, más inclusivo y más sostenible”, dijo el director del Centro Farrell y columnista de Dezeen, Owen Hopkins , durante un recorrido por el edificio.
“La creencia que sustenta todo lo que hacemos es que necesitamos involucrar a las personas en la arquitectura y la planificación, y en los roles transformadores que pueden desempeñar”, dijo a Dezeen.
“La arquitectura y la planificación a menudo se consideran algo impuesto desde arriba. Necesitamos cambiar esa percepción”.
El Farrell Centre, que forma parte de la Universidad de Newcastle, ocupa un antiguo edificio de grandes almacenes de cuatro plantas en el corazón de la ciudad.
Los estudios locales Space Architects y Elliott Architects supervisaron una renovación que tiene como objetivo hacer que el edificio se sienta lo más abierto y acogedor posible.
La planta baja tiene la sensación de una vía pública, gracias a las fachadas acristaladas en dos lados, mientras que los escalones estilo gradas crean un área de asientos hundida para charlas y presentaciones.
Una nueva y colorida escalera conduce a las galerías de exposición en el primer piso y a las salas urbanas en el segundo piso, mientras que el nivel superior alberga las oficinas del personal.
Según Hopkins, la exposición de lanzamiento marca la pauta para el tipo de contenido que los visitantes pueden esperar del Centro Farrell.
La muestra presenta instalaciones de cuatro estudios de arquitectura del Reino Unido, cada uno de los cuales explora una propuesta diferente para futuros edificios.
“Queríamos crear algo que ampliara la comprensión de la gente sobre lo que es la arquitectura, más allá de construir una casa costosa en Grand Designs”, dijo Hopkins, refiriéndose al popular programa de televisión.
El Centro de Biotecnología en el Entorno Construido ( HBBE ) de la Universidad de Newcastle ha creado Living Room, una estructura similar a una cueva hecha cultivando una mezcla de micelio y aserrín sobre una manta de lana gigante.
A continuación, un mini laberinto creado por el estudio Dress for the Weather de Glasgow tiene como objetivo mostrar las cualidades térmicas y experienciales del aislamiento de edificios, con variedades hechas de lana de baja calidad y botellas de plástico.
Office SM , con sede en Londres, propone soluciones divertidas pero de baja tecnología para hacer que los edificios sean más cómodos.
Estos están representados por una silueta de la cabeza del David de Miguel Ángel hecha de piel rosa, una manta espacial metálica, una chaise longue cubierta con espuma expansiva y una cubierta de ventana de película dicroica que proyecta reflejos coloridos en el suelo.
“Toda esta sala trata de hacer cosas mundanas realmente simples, pero de una manera que sea alegre y cuente una historia”, dijo Hopkins.
En la última sala, una instalación de McCloy + Muchemwa , con sede en Londres , lleva la naturaleza al interior con una mesa de sala de juntas cubierta de plantas.
En el piso de arriba, las tres salas urbanas han sido equipadas por Mat Barnes del estudio de arquitectura CAN con elementos personalizados que hacen referencias divertidas a las obras de construcción.
Están llenos de mapas históricos, modelos interactivos, muebles informales, expositores hechos con postes de andamios y juguetes arquitectónicos que incluyen juegos blandos con formas de edificios y Lego .
La idea de montar una sala urbana en Newcastle fue el punto de partida para la creación del Centro Farrell.
Hace una década, el gobierno del Reino Unido encargó a Farrell la elaboración de un informe sobre el estado de la arquitectura y el sistema de planificación del Reino Unido.
Una de las recomendaciones clave de Farrell Review , publicada en 2014, fue crear una sala urbana en cada ciudad importante, brindando a la población local de todas las edades y orígenes un lugar para participar en la forma en que se planifica y desarrolla la ciudad.
Como Farrell creció en el área de Newcastle y estudió arquitectura en la universidad, quiso hacer realidad este concepto en esta ciudad.
Aunque el Centro Farrell lleva su nombre en su honor, Hopkins dijo que Farrell está feliz de que la instalación forje su propio camino en términos de programa y enfoque.
“Él estableció la idea y la visión del centro, pero está contento de que podamos desarrollar esa visión de la manera que creemos que es mejor”, añadió Hopkins.
El director es optimista sobre el potencial del centro para involucrarse con la comunidad.
“Newcastle es una ciudad como ninguna otra”, dijo. “El orgullo cívico aquí está fuera de escala. La gente tiene un amor muy arraigado por el lugar donde vive”.
“Es sorprendente poder aprovechar eso como una forma de crear un entorno mejor construido”.
Más con menos: reinventar la arquitectura para un mundo cambiante se exhibirá en el Centro Farrell del 22 de abril al 10 de septiembre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para conocer más eventos de arquitectura y diseño en todo el mundo.
El estudio de arquitectura MEE Studio ha diseñado los interiores y los muebles de madera a medida para una cafetería y boutique en la galería de arte Nikolaj Kunsthal dentro de una antigua iglesia .
La galería administrada por el municipio, ubicada en una iglesia desconsagrada en el centro de Copenhague, pidió a MEE Studio que diseñara un espacio “animado y funcional”.
Antes de diseñar los espacios interiores, que cuentan con materiales cálidos y táctiles como el cobre y la madera, primero hubo que restaurar las habitaciones de Nikolaj Kunsthal .
“Los espacios se han utilizado para diversos fines desde la década de 1980, incluidas instalaciones artísticas y otros usos cambiantes”, dijo a Dezeen el fundador de MEE Studio, Morten Emil Engel.
“Esto ha dejado los espacios con restos de cableado eléctrico ad hoc, arcos tapiados, ventanas bloqueadas e iluminación arbitraria. Además, no había suministro de agua ni plomería en los espacios que ahora tiene el café”.
El estudio restableció las grandes aberturas de puertas y ventanas del espacio y reemplazó la antigua pintura acrílica por pintura transpirable a base de cal, al tiempo que añadió yeso acústico para mejorar la acústica de los espacios.
En el centro de la cafetería, Engel creó una barra larga que también funciona como taquilla y está hecha de madera maciza de roble.
También se utilizó madera para todos los demás muebles, incluidos bancos, mesas y estanterías escultóricas, que Engel diseñó específicamente para el proyecto utilizando roble europeo procedente de silvicultura sostenible.
“Quería que los bancos hicieran referencia a los bancos de la iglesia, un poco gruesos y pesados”, dijo. “La arquitectura de la iglesia es muy robusta y la torre de la iglesia tiene paredes de dos metros de espesor. Así que los muebles tenían que tener algo de sustancia”.
Engel también intentó dar a las piezas una sensación contemporánea fusionando su “aspecto pesado” con elementos más contemporáneos.
“Todos los muebles tienen carpintería vista y tectónica en roble ahumado, lo que permite al usuario ver cómo están fabricados y ensamblados”, dijo.
“Agregué algunas incrustaciones decorativas en la barra del bar y en los estantes de la boutique. Las incrustaciones se utilizaban tradicionalmente como forma de reparar la madera y quería simbolizar que la reparación puede ser hermosa y sostenible”, añadió.
“De esta manera, se envía el mensaje de que los muebles deben tener una larga vida y ser reparados si envejecen”.
Las paredes blancas de la cafetería y la tienda contrastaban no sólo con el cobre y la madera, sino también con una tela roja burdeos diseñada por el diseñador de moda Raf Simons para Kvadrat , que se utilizó para los cojines y respaldos de los sofás y sillas.
El color fue un guiño a algunos de los colores originales del espacio, pero también podría ayudar a disimular los derrames de vino tinto en la cafetería.
“La madera de roble ya se utilizaba en toda la iglesia, por lo que parecía natural utilizar roble como material”, explicó Engel.
“También estaba la pintura roja burdeos que se usó originalmente para algunas carpinterías, por ejemplo, las escaleras de la torre y el techo de lo que ahora es el café”, añadió.
“Por eso parece natural trabajar con una interpretación del rojo burdeos para el color de los cojines. Combiné el rojo burdeos con un fantástico textil de Kvadrat diseñado por Raf Simons y funcionó para aportar vitalidad, pero también como color práctico en una cafetería donde se sirve vino tinto”.
Además de los muebles hechos a medida, el espacio también se decoró con obras de arte cuidadosamente seleccionadas que tienen vínculos con la ciudad de Copenhague.
“Mercury (calcetines) es una fotografía del famoso dúo de artistas danés-noruego Elmgreen Dragset de una serie de esculturas clásicas del mundialmente famoso escultor danés Bertel Thorvaldsen”, explicó Engel.
“El Museo Thorvaldsen se encuentra a sólo unos minutos de Nikolaj Kunsthal, por lo que la obra se relaciona tanto con el arte del siglo XIX como con el arte contemporáneo del siglo XXI, que es lo que se encuentra en Nikolaj Kunsthal”.
Otros proyectos de interiores recientes en Copenhague incluyen la sede de Space10, que cuenta con una biblioteca de diseño tipo quiosco , y el diseño de cafetería y tienda para Designmuseum Denmark de OEO Studio .
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