Última oportunidad de aparecer en la guía digital de Dezeen para el London Design Festival 2023
Esta es la última oportunidad de aparecer en la Guía de eventos Dezeen para el London Design Festival 2023 , que destaca los eventos clave que tendrán lugar en la capital del Reino Unido en septiembre.
La guía incluye una variedad de exposiciones, instalaciones, charlas, talleres, salas de exposición abiertas, lanzamientos de productos, tiendas temporales y ferias de diseño que tienen lugar en todo Londres.
La edición de este año del London Design Festival se llevará a cabo del 16 al 24 de septiembre de 2023, y la 21.ª edición abarcará 13 distritos de la ciudad.
La guía digital en vivo de Dezeen Events Guide muestra eventos que exploran una variedad de medios de diseño, incluida la arquitectura, el biodiseño, los muebles, la iluminación, los accesorios de interiores, la moda y el diseño de materiales y textiles.
Última oportunidad para aparecer en la guía digital de Dezeen para el London Design Festival
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Acerca de la guía de eventos de Dezeen
Dezeen Events Guide es nuestra guía de los mejores eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo cada año.La guía se actualiza semanalmente e incluye eventos virtuales, conferencias, ferias comerciales, exposiciones importantes y semanas del diseño.
La inclusión en la guía es gratuita para listados básicos, y los eventos se seleccionan a discreción de Dezeen. Los organizadores pueden obtener listados estándar, mejorados o destacados para sus eventos, incluidas imágenes, texto adicional y enlaces, pagando una tarifa módica.
Además, los eventos pueden garantizar la inclusión asociándose con Dezeen. Para obtener más detalles sobre la inclusión en Dezeen Events Guide y las asociaciones de medios con Dezeen, envíe un correo electrónico a eventsguide@dezeen.com .
Diseñadores como Bethan Laura Wood y Maarten Baas han contribuido con una gama de sillas e iluminación “a veces discordantes” para una exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco .
Llamada Piezas de conversación: muebles contemporáneos en diálogo, la exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) presenta 45 piezas de mobiliario y decoración “que priorizan el significado y la elección de materiales sobre la función y la practicidad”.
“Las obras expuestas son a veces discordantes, a menudo audaces y siempre inician conversación”, dijo el museo.
Extraídas íntegramente de la colección SFMOMA, algunas de las piezas fueron elegidas únicamente por su apariencia alternativa, como un sillón de cuero y plástico de otro mundo del diseñador surcoreano Jay Sae Jung Oh .
Se seleccionaron otros muebles por sus comentarios sobre cuestiones sociales. Por ejemplo, una pieza del arquitecto estadounidense Germane Barnes es una silla de porche rematada con un respaldo de gran tamaño con forma de peine de madera fresada.
Llamada Uneasy Lies the Head that Wears the Crown, la pieza fue descrita por Barnes como una representación del cabello negro, destinada a resaltar cómo el cabello negro “a menudo es vigilado y mal visto en lugar de celebrado como debería [ser]”.
También participaron en la exposición el diseñador holandés Baas y el arquitecto italiano Gaetano Pesce.
Baas creó una silla azul brillante cubierta con arcilla, mientras que Pesce aportó una silla de tela y resina de aspecto orgánico llamada Seaweed, que se asemeja a grupos de algas enredadas.
Una serie de diseños de iluminación acompañaron el mobiliario. La diseñadora británica Bethan Laura Wood creó una lámpara de araña delgada de vidrio y metal llamada Criss Cross Kite.
“Una lámpara de araña suele ser una luz central muy elegante”, dijo Wood, reflexionando sobre su trabajo.
“Definitivamente quiero jugar con esta idea de fantasía dentro del objeto”.
También se exhibió la lámpara de cerámica Unique Girl de la diseñadora estadounidense Katie Stout . La pieza de iluminación se caracteriza por una figura abstracta que, según el diseñador, pretende ser un comentario sobre la domesticidad y la feminidad.
Todos los muebles de la exposición estaban dispuestos sobre una alfombra de color rojo intenso intercalada con espacios de forma amorfa para formar un camino serpenteante.
Los libros de los diseñadores expuestos, así como los textos que informan su trabajo, se amontonaron en el suelo junto a sus respectivos muebles.
“Para los diseñadores que aún no tenían un libro sobre su práctica, envolvimos un libro grande en papel negro para señalar [la idea de] ‘un libro o una beca faltante'”, dijo la curadora del SFMOMA, Jennifer Dunlop Fletcher.
“Descubrimos que la mayoría de los libros que faltaban eran para diseñadoras”, añadió.
“Conversation Pieces, que genera diálogo en toda la galería, presenta sillas y lámparas que sorprenden y atraen la atención sin pedir disculpas”, dijo SFMOMA.
El año pasado, el museo de San Francisco presentó una exposición del trabajo del arquitecto Neri Oxman , mientras que recientemente se convirtió en el primer museo en adquirir un módulo de la torre cápsula japonesa Nakagin.
Piezas de conversación: muebles contemporáneos en diálogo se exhibió en el SFMOMA del 20 de agosto de 2022 al 25 de junio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
Los verdes y azules saturados contrastan con las sábanas de color rosa pálido y los divertidos detalles florales del Hôtel de la Boétie en París , que la diseñadora sueca Beata Heuman creó para que fuera “un poco como un escenario”.
Ubicado en un edificio del siglo XIX, el hotel de 40 habitaciones en el distrito 8 de París fue diseñado con el colorido estilo interior característico de Heuman .
Si bien se trataba de una renovación de un hotel existente, el diseñador pudo realizar grandes cambios en el interior, ya que el edificio había sido modificado numerosas veces desde que se completó.
“El edificio no conservaba ninguna característica original y ha sido reconfigurado a lo largo de los años”, dijo Heuman a Dezeen. “Derivamos de la simplicidad de los huesos que estaban allí, trabajando con ideas fuertes y simples”.
Los huéspedes son recibidos por una sala de recepción con un rincón de color rojo brillante y vibrante para el personal de recepción y dos lámparas diseñadas como flores sinuosas de color rojo y amarillo. Un asiento de cuero azul oscuro complementa la habitación.
Junto al área de recepción, Heuman creó un salón completamente plateado que fue diseñado para tener una sensación teatral y está iluminado por un sofá de terciopelo naranja y una mesa de centro verde bosque.
La paleta de colores fue elegida muy deliberadamente por Heuman, quien pensó en el impacto más amplio que tendría en el espacio.
“Se trata de contraste y equilibrio”, dijo el diseñador. “Cuando trabajas con colores intensos, mi instinto es compensarlos utilizando materiales más simples a su alrededor para complementar y mejorar”.
Las habitaciones tienen una combinación de colores saturados, con pisos de nivel inferior que presentan paredes de color azul oscuro, que cambian a tonos de marrón en los pisos ascendentes.
Los dos niveles superiores tienen tonos azules pálidos y aireados, con balcones clásicos franceses de hierro fundido que ofrecen vistas del centro de París desde el piso superior.
Se utilizó una alfombra verde hierba en todo el hotel para crear un contraste vibrante con los tonos azules y marrones.
Algunas habitaciones han sido decoradas con cabeceras de gran tamaño que se tejieron a modo de alfombras y luego se tapizaron, creando una pieza central inusual y llamativa.
Estos fueron inspirados por el piso de mármol con incrustaciones de la Capilla de los Medici en Florencia y se ubican sobre las camas de fresno macizo, que han sido hechas con sábanas de satén de color rosa pálido que contribuyen a la sensación vibrante de la habitación.
En los baños, Heuman utilizó tonos pastel azul pálido y verde yuxtapuestos con toallas rosas para dar a las habitaciones una sensación retro lujosa, mientras que los azulejos con estampado de tablero de ajedrez en amarillo y verde añaden un toque divertido.
La diseñadora también utilizó sus propios productos para decorar el hotel, incluida su Dodo Egg Light, una lámpara con forma de huevo con accesorios verdes diseñados para parecerse a las hojas de un planeta.
Esto decora una de las zonas de salón de la planta baja, que también cuenta con carteles de exposiciones de arte de los artistas Pablo Picasso y Paul Klee.
El diseñador utilizó principalmente materiales naturales para el hotel, como madera y latón.
“Los muebles de fresno macizo utilizados en todas las habitaciones tienen una calidad humilde que ancla los elementos más teatrales de los esquemas, como las cabeceras, asegurando que la expresión se mantenga fiel a la naturaleza del edificio”, dijo.
Heuman también creó la marca del hotel, que fue realizada para el grupo hotelero francés Touriste .
“Un hotel se trata de tener una experiencia durante uno o dos días, lo que significa que hemos podido explorar un concepto y un estado de ánimo en mayor medida”, dijo Heuman.
“Podemos tratarlo un poco como un escenario, que no es el enfoque que yo adoptaría cuando se trata de la casa de alguien”.
El proyecto cumplió un viejo sueño del diseñador, que hasta entonces nunca había diseñado un hotel y se dedica más bien a interiores de casas particulares.
“Hace mucho que quiero construir un hotel y ha sido una experiencia fantástica”, dijo Heuman. “Me atrae el teatro, aunque a menudo eso no es apropiado para un entorno residencial”.
“Un hotel es una experiencia de unas pocas noches, por eso se puede exagerar y hacer más un ‘look’”, añadió. “En un proyecto residencial, el diseño se centra en las preferencias personales de un cliente individual”.
Los hoteles anteriores de Touriste incluyen el Hotel Les Deux Gares en París, cuyo interior fue creado por el diseñador británico Luke Edward Hall . También en París, el estudio local Uchronia creó un colorido apartamento de la era Haussmann como un “joyero cromático” .
La artista de visualización Charlotte Taylor habla por primera vez en esta entrevista de cómo está traduciendo su trabajo de diseño digital en proyectos de arquitectura construida .
Taylor es la fundadora del estudio de diseño 3D Maison de Sable , donde colabora con otros diseñadores 3D en representaciones de interiores y edificios imaginarios y fantásticos.
Recientemente, los diseños de Taylor se han vuelto menos impulsados por la fantasía y más cercanos a espacios reales, y algunos de ellos se construirán como proyectos de arquitectura física.
“A largo plazo, me gustaría dedicarme más a la arquitectura”, dijo Taylor a Dezeen.
Al no haber seguido una formación formal en arquitectura, el diseñador cree que debería haber caminos más no tradicionales para diseñar edificios.
“No me formé en arquitectura en absoluto”, dijo. “Creo que sería fantástico si hubiera más entradas en arquitectura porque es una carrera muy difícil de abordar”.
“Me gustaría pensar que hay esperanza de que se pueda construir espacios físicos a través de medios no convencionales”.
Uno de los diseños de Taylor que se construirá es la Casa Atibaia , una casa que fue concebida originalmente como un proyecto imaginario en colaboración con el diseñador Nicholas Préaud .
El dúo imaginó la casa situada junto al río Atibaia en São Paulo , creando un modelo digital de parte de la orilla del río basado en información de Google Maps.
A partir de esto, Taylor y Préaud diseñaron una casa de fantasía de concreto y vidrio levantada sobre enormes rocas, cuyo interior aparece en la portada del primer libro de Taylor, Design Dreams , publicado el mes pasado.
Aunque originalmente no estaba previsto construir el proyecto, Taylor ahora está en el proceso de encontrar un terreno adecuado para actualizar el diseño.
Taylor también ha colaborado con el diseñador arquitectónico Andrew Trotter en una casa en Utah, que forma parte del diseño más amplio de Trotter para un hotel y centro de retiro llamado Paréa .
La casa, que actualmente está en construcción, fue diseñada para integrarse en el paisaje desértico con grandes tramos de acristalamiento y paredes acabadas en yeso de cal.
Según Taylor, sus diseños ficticios han recibido una respuesta mixta por parte de los arquitectos, y algunos dicen que “en el mundo real, no funciona así”.
Pero para Taylor, no tener un título en arquitectura y explorar el diseño espacial digitalmente sin estar limitado por los requisitos de iluminación, ruido, seguridad y presupuesto le permite tener más creatividad.
“Para mí actúa como una especie de campo de juego creativo en el que puedo probar todos estos conceptos y ver cómo funcionan visualmente”, dijo Taylor.
“Luego, al llevar eso al mundo físico y trabajar con ingenieros y arquitectos, se reduce”.
“Creo que no tener educación en arquitectura te hace encontrar diferentes soluciones o ideas para llevar al mundo real que no habrían surgido simplemente diseñando un espacio real”, agregó.
La diseñadora mencionó que su ícono del diseño, Carlo Scarpa, tampoco llegó a ser arquitecto autorizado.
“Mi ícono, Carlo Scarpa, nunca obtuvo su calificación completa, por lo que hay pequeñas historias que me inspiran, pero el pensamiento general es bastante rígido: esta entrada en particular está un poco mal vista por lo que he experimentado”, dijo Taylor.
Después de haber aprendido la mayor parte de sus habilidades de diseño experimentando con el diseño digital y colaborando con otros diseñadores, Taylor se describe a sí misma como “autoestudiante” y anima a otros diseñadores a crear trabajos que consideren que mejor los represente.
“Esfuércese por crear una cartera que le entusiasme y le represente al máximo”, afirmó Taylor.
“Aprendí creando un portafolio y trabajando con diseñadores y arquitectos 3D; es una tarea que requiere mucha investigación”.
El libro Design Dreams de Taylor presenta diseños en 3D de edificios e interiores creados por ella y otros artistas.
La selección incluye entornos de fantasía, así como representaciones de interiores que parecen espacios reales y tangibles.
“[El libro] se convirtió en un espacio en el que compartir mis proyectos personales, los artistas con los que trabajo y los trabajos que admiro en el campo de los interiores y la arquitectura”, dijo Taylor.
Aunque la mayoría de las imágenes ya se comparten ampliamente en línea, al recopilarlas todas en un solo volumen, Taylor espera que los lectores disfruten perderse en el formato impreso.
“De la misma manera que la página de Instagram actúa donde la gente va a perderse en las imágenes, tenerla en un formato físico significa que puedes dedicar más tiempo a los detalles que en la pantalla de un teléfono”, dijo.
“Tomar algo digital que no existe en el mundo físico y imprimirlo fue muy importante para mí, verlo de esa manera”, añadió el diseñador.
Aunque trabajan en el ámbito digital, Taylor sostiene que los creadores visuales en 3D desempeñan un papel en las tendencias del diseño de interiores.
“Las tendencias artísticas que ocurren en 3D se abren paso gradualmente en los espacios interiores, y es realmente interesante ver el efecto Pinterest”, dijo.
“A la gente le encanta coleccionar imágenes y crear su moodboard ideal con ellas, y estos espacios realmente contribuyen a eso. La gente está construyendo sus propias ideas y haciendo que la arquitectura y los interiores sean más accesibles en lugar de algo muy profesional”.
En sus propios diseños visuales de interiores, Taylor incluye elementos de su hogar real para hacer que los espacios parezcan más identificables que las representaciones arquitectónicas tradicionales.
“Todo depende de la construcción de las imágenes, tienen ese tipo de iluminación y familiaridad, y siempre ponemos pequeños accesorios que a menudo serán cosas de mi casa”, dijo.
“Estos pequeños detalles lo hacen habitado y más identificable frente a la visualización arquitectónica tradicional, que puede ser muy estéril y no estéticamente identificable”.
Taylor también trabajó anteriormente en varios proyectos de NFT , incluida una obra de arte en video basada en una escultura de diseño OMA y cápsulas de NFT que contienen imágenes digitales de proyectos de arquitectura de fantasía .
Las imágenes son de Charlotte Taylor a menos que se indique lo contrario.
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