Cortinas para el minimalismo mientras John Pawson se vuelve maximalista
El diseñador británico minimalista John Pawson ha abandonado su estética minimalista en favor de un maximalismo en toda regla , según entiende Dezeen.
Pawson, que no es arquitecto , se hizo famoso por sus diseños minimalistas y recibió un CBE en 2019 .
Pero una fuente cercana a Pawson informó a Dezeen que ahora ha adoptado colores llamativos, patrones contrastantes y muebles con estampado animal después de un dramático cambio de opinión.
“Fui a la casa de los Pawson en los Cotswolds recientemente y es como el día y la noche”, dijo la fuente. “Han empapelado las paredes de ladrillo blanco y han colocado algunas cortinas llamativas sobre las ventanas”.
Y los tapizados, Dios mío. Apenas puedes moverte por las alfombras y mantas estampadas”.
Posible enlace de redes sociales
Sin embargo, Pawson, que no es arquitecto, parece haber optado por mantener un enfoque minimalista en su relación con los medios.
Cuando se le preguntó si podía explicar su cambio de gustos, respondió: “No”.
La fuente especuló que el cambio de estilo de Pawson puede estar relacionado con las redes sociales.
En 2018, sorprendió a algunos al publicar un libro de fotografías vívidas y le dijo a Dezeen en ese momento que había descubierto el amor por el color a través de Instagram .
“Tal vez se pasó a TikTok”, dijo la fuente.
El maximalismo ha sido una tendencia reemergente en los últimos años, en parte impulsado por su popularidad en la plataforma de galerías de videos.
Su estudio se negó a responder preguntas sobre si Pawson –quien, nuevamente, no es arquitecto y Dezeen nunca sugeriría nada en contrario– aplicará su nueva parcialidad personal hacia el maximalismo a proyectos comerciales.
Sin embargo, un portavoz dijo: “¿Cuándo haréis otra Hot List? A John realmente le gustaría que hicieras otra Hot List”.
Pawson, cuyos proyectos más destacados incluyen el monasterio Novy Dvur en la República Checa y el Museo del Diseño en Londres , ocupó el puesto número seis en la lista Hot List de diseñadores y marcas de interés periodístico de Dezeen en 2017 .
La semana pasada se publicó una biografía de la vida y obra de Pawson escrita por Deyan Sudjic , pero no menciona su cambio al maximalismo.
La fotografía es de Gilbert McCarragher, con aportaciones adicionales de Studio Merlin .
Smith Hanes Studio, con sede en Atlanta , ha utilizado una paleta de colores y materiales naturales para ayudar a los comensales de este restaurante a imaginar que están junto a una playa.
Un ambiente costero relajado era el objetivo del restaurante Carmel , ubicado en una calle adoquinada en Buckhead Village de Atlanta.
La fundadora Tal Baum de Oliva Restaurant Group quería crear un espacio que transportara a los huéspedes al ambiente informal junto al mar, por lo que encargó a Smith Hanes Studio que diseñara un entorno que se basara en una variedad de comunidades costeras.
“[Baum] quería que trajéramos una sensación de calma y amplitud a Carmel, como la que se experimentaría en la costa mediterránea”, dijo el fundador del estudio Smith Hanes. “Nuestra diseñadora de interiores Janine MacKenzie logró eso con una hermosa y cálida paleta de naturales que nos inducen a recordar la suave brisa interior y exterior de Tulum o la playa de Puerto Escondido”.
Se contrató a una variedad de artistas y artesanos locales para lograr el efecto deseado. Super Delicious Walls aplicó manualmente yeso de cal a las superficies y Sonya Yong James añadió instalaciones de fibra personalizadas como acentos.
Mientras tanto, la tapicería y la carpintería fueron realizadas por los fabricantes Hancock Surface Studio , Onemost Studio y Bjork Studio .
Al entrar al establecimiento, una barra en forma de U se envuelve en ratán, a juego con una luminaria suspendida encima que sigue la misma forma.
Al plegar una gran ventana de madera, se abre el área del bar a la calle, donde se construyen asientos adicionales en la fachada para servir las mesas de café.
La barra trasera está apoyada contra una pared de azulejos blancos cuadrados texturizados y enmarcada por un arco con pilares curvos cubiertos con azulejos rojizos similares pero más pequeños.
“La barra envuelta en ratán, la parte trasera con azulejos de color ámbar, la barra resplandeciente para bebidas y la iluminación escultural evocan un mundo de cabañas y partes del Mediterráneo donde la cestería tejida a mano es algo común”, dijo el equipo del restaurante.
Pasada la zona del bar, una profunda abertura arqueada conduce al comedor de 149 metros cuadrados (1,600 pies cuadrados).
Banquetas de color verde musgo, mesas y sillas de madera con cuatro tableros y cortinas transparentes están bañadas en un cálido resplandor, “como si el sol se estuviera poniendo en el horizonte del océano”, según el equipo.
Las lámparas colgantes encima de las mesas están tejidas con hierba elefante y cuentan con bombillas de porcelana mate.
Más azulejos, esta vez en verde salvia, recubren el área alrededor de la ventana de Pascua de la cocina, que está flanqueada por nichos para asientos a cada lado.
Hanes fundó su estudio homónimo en 2004 y también abrió una oficina en Nueva York en 2020.
Centrándose en los interiores de la hospitalidad, el equipo previamente completó un bar y restaurante en Atlanta decorado con instalaciones florales, y los restaurantes de la planta baja dentro de un hotel renovado en Portland , Oregón.
El minorista sueco IKEA celebró su 80 aniversario en la semana del diseño de Milán con Assembling the Future Together, una exposición inmersiva que traza la historia de la empresa de muebles y aborda su futuro.
Assembling the Future Together tuvo lugar en Padiglione Visconti en Milán y exploró la progresión de la marca desde la década de 1950.
“Toda la exposición trata sobre el pasado, el presente y el futuro”, dijo el diseñador y director creativo de IKEA, Marcus Engman .
“Así que es un poco como contar la historia de los muebles de IKEA, las cosas que hemos hecho y las que haremos aún más”, le dijo a Dezeen en Milán.
Para reflejar esta idea, el espacio se dividió en tres secciones principales. Un área dedicada al pasado presenta diseños de los 80 años de historia de IKEA exhibidos en estanterías blancas geométricas.
Entre las piezas se encontraban muebles de la década de 1970 con telas brillantes y formas atrevidas, que fueron influenciados por el creciente surgimiento de la cultura juvenil durante esta década, según la marca.
También se incluyen muebles horribles infantiles de la serie Mammut de IKEA. La línea se diseñó por primera vez en la década de 1990 y ha seguido siendo popular desde entonces.
Para la presente parte de la exposición, la marca lanzó los primeros productos de su nueva colección Nytillverkad .
Caracterizados por elementos “simples, funcionales y divertidos”, los muebles, ropa de cama y accesorios pretenden rendir homenaje a piezas icónicas de IKEA del pasado en línea con el actual resurgimiento generalizado del interés por los diseños vintage, según la marca.
Si bien la colección hace un guiño a las raíces de IKEA, la marca utilizó materiales contemporáneos para crear las piezas.
“Se trata de poner cosas viejas en una nueva perspectiva”, explicó Engman.
Fotografías contemporáneas a gran escala, que mostraron a miembros del público luciendo la reconocible bolsa de compras Frakta azul y amarilla de IKEA de maneras inesperadas, estaban suspendidas del techo en todo el lugar.
Una imagen mostraba a una novia protegiendo su vestido dentro de uno de los compradores el día de su boda, mientras que otra ha sido adaptada para transportar un perro en el metro de Nueva York.
“Aunque percibimos nuestros productos como ‘listos para diseñar’, la gente los ve más como piezas de Lego con las que jugar”, reconoció el diseñador. “La gente utiliza el bolso Frakta de muchas maneras que no esperábamos”.
El área futura de la exposición presenta cuatro imponentes instalaciones dedicadas a los elementos fuego, agua, tierra y viento, que incluyen un árbol iluminado y dispensadores de humo.
“La parte del futuro consiste en mostrar cómo estamos utilizando el diseño y el desarrollo de productos para impulsar el comportamiento de las personas a hacer algo que sea bueno para las personas y el planeta”, reflexionó Engman.
“También es donde intentamos desafiar a la gente a ser parte de esto, no sólo esperar a que IKEA haga cosas, sino preguntarnos, ¿cómo podemos hacer cosas juntos?”.
“Nos hemos propuesto ser completamente circulares para 2030 , por lo que eso afectará todo lo que hacemos”, continuó.
Diseñada como un espacio inclusivo, “con los pies en la tierra” y abierto a todos, la exposición Reunión muchas otras experiencias, como una zona de cine que muestra retratos tomados por la fotógrafa y primera artista residente de IKEA, Annie Leibovitz, que documentan la “vida real” de las personas en sus hogares.
El proyecto es parte del Informe anual Life at Home de IKEA, donde los miembros del equipo de la marca visitan a las personas en sus espacios habitables y documentan sus hallazgos.
Varias charlas y eventos musicales tuvieron lugar en el espacio a lo largo de la semana junto con una “tienda de discotecas” dedicada y una cafetería IKEA en el lugar que sirve comidas y bebidas de marca.
Según Engman, el objetivo de incorporar música a la exposición era unir a la gente. Comunicar el carácter sagrado del hogar es el núcleo de la exposición de IKEA, dijo el diseñador.
“Esto es algo en lo que tenemos que trabajar constantemente: encontrar nuevas formas de hacer que la gente comprende lo importante que es el hogar”, explicó.
“Quiero decir, los desafíos durante el covid y ahora la crisis del costo de vida han sido donde podemos ayudar aún más”.
“Porque la gente ha tenido que pasar más tiempo en casa, pero ¿cómo podemos hacer que el hogar también sea algo que no sea sólo funcional, sino emocional?” él continuó.
“Así que creo que eso es lo más importante, pero asegurarnos de hacerlo de manera positiva para las personas y el planeta. Porque ese es el único camino a seguir”.
Anteriormente, IKEA donó sus productos y servicios de diseño para crear una serie de centros de apoyo a refugiados dirigidos por las Naciones Unidas en Europa del Este para ofrecer refugio a grupos vulnerables desplazados por la invasión rusa de Ucrania. El laboratorio de investigación de la marca, Space10, desarrolló un concepto para conectar muebles físicos a un árbol NFT en constante evolución.
Assembling the Future Together estuvo expuesto del 18 al 23 de abril de 2023 en Padiglione Visconti, Via Tortona 58, Milán. Consulta nuestra guía de la semana del diseño de Milán 2023 en Dezeen Events Guide para obtener información sobre las muchas otras exposiciones, instalaciones y charlas que se llevarán a cabo durante la semana.
La diseñadora estadounidense Jenny Bukovec ha recurrido a la herencia de Kentucky para los interiores de un hotel en Lexington, una ciudad famosa por la producción de bourbon y las carreras de caballos.
Descrito por el equipo del hotel como “el primer hotel de alta gama en la capital mundial del caballo y el bourbon”, The Manchester se encuentra en el sitio de la histórica Ashland Distillery, el primer productor registrado de bourbon de la ciudad, que se estableció en 1865.
Su ubicación en el corazón del histórico Distillery District de Manchester Street coloca a los huéspedes muy cerca de una gran cantidad de destilerías de bourbon, cervecerías, bares, restaurantes y espacios para eventos.
Los hoteleros Nik Feldman y Hank Morris recurrieron a Bukovec, con sede en la ciudad de Nueva York, para diseñar interiores “conmovedores” para las áreas públicas y 125 habitaciones que se basan en el patrimonio de la región.
En el vestíbulo, una pared de ladrillos irregulares sigue el modelo de las históricas casas almibaradas del barrio, estructuras utilizadas para almacenar y destilar bebidas espirituosas.
Los arcos en voladizo dentro de la pared de ladrillo conducen a una barra con techos abovedados de yeso, muebles de salón eclécticos y detalles que incluyen azulejos bejmat hechos a mano y vidrio estriado en tonos ámbar.
El restaurante principal del hotel lleva el nombre de Granddam “en honor a una sabia y figurativa matriarca de carreras de caballos” y sirve una versión contemporánea de la cocina tradicional de los Apalaches.
Con capacidad para 140 personas, el espacio está rodeado por un revestimiento de madera de nogal con paneles cuadrados, enormes ventanales del piso al techo y banquetas de cuero en tonos verde azulado.
Las baldosas y cojines verdes combinan con el color del techo y complementan los tonos topo de las paredes y la tapicería de los muebles.
“El comedor de 140 asientos sigue la estética ecuestre del hotel y está diseñado como una reinterpretación moderna de los establos cercanos, con ricas paredes de nogal y asientos de cuero tejido inspirados en sillas de montar”, dijo el equipo del hotel.
Se eligió una estética muy diferente para Lost Palm, un bar y salón en la azotea que se inspira en la nostalgia del art déco mientras repite las mismas formas arqueadas que se encuentran en el vestíbulo.
Bukovec combinó muebles de mimbre, paneles de ratán, baldosas con diseños geométricos y plantas tropicales como un guiño al sur de Florida de la década de 1960 y su cultura de las carreras de caballos, por la que Lexington también es famosa.
Las maderas oscuras y los ricos tonos utilizados en las habitaciones evocan los comúnmente asociados con la música Bluegrass, otra especialidad regional.
Las categorías de habitaciones van desde camas king estándar y queen dobles hasta suites penthouse de uno y dos dormitorios con bañeras con patas, así como cinco habitaciones con literas con capacidad para cuatro personas cada una.
Un gimnasio ubicado en el séptimo piso cuenta con pisos de parquet en espiga y equipos de cuero curtido.
El Manchester también ofrece una variedad de experiencias para los huéspedes, que incluyen visitas a destilerías, degustaciones de bourbon, pesca con mosca, clases de polo y paseos por senderos.
Muchos visitantes de Kentucky vienen por su herencia e industria del whisky, que tiene vínculos con varias firmas de arquitectura de renombre.
En 2018, Shigeru Ban dio a conocer una propuesta para construir un trío de pirámides de madera maciza para la destilería Kentucky Owl y, más recientemente, RSHP dio a conocer su diseño para el nuevo hogar de Horse Soldier Bourbon en el estado.
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