La exposición de muebles SFMOMA presenta “iniciadores de conversación”
Diseñadores como Bethan Laura Wood y Maarten Baas han contribuido con una gama de sillas e iluminación “a veces discordantes” para una exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco .
Llamada Piezas de conversación: muebles contemporáneos en diálogo, la exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) presenta 45 piezas de mobiliario y decoración “que priorizan el significado y la elección de materiales sobre la función y la practicidad”.
“Las obras expuestas son a veces discordantes, a menudo audaces y siempre inician conversación”, dijo el museo.
Extraídas íntegramente de la colección SFMOMA, algunas de las piezas fueron elegidas únicamente por su apariencia alternativa, como un sillón de cuero y plástico de otro mundo del diseñador surcoreano Jay Sae Jung Oh .
Se seleccionaron otros muebles por sus comentarios sobre cuestiones sociales. Por ejemplo, una pieza del arquitecto estadounidense Germane Barnes es una silla de porche rematada con un respaldo de gran tamaño con forma de peine de madera fresada.
Llamada Uneasy Lies the Head that Wears the Crown, la pieza fue descrita por Barnes como una representación del cabello negro, destinada a resaltar cómo el cabello negro “a menudo es vigilado y mal visto en lugar de celebrado como debería [ser]”.
También participaron en la exposición el diseñador holandés Baas y el arquitecto italiano Gaetano Pesce.
Baas creó una silla azul brillante cubierta con arcilla, mientras que Pesce aportó una silla de tela y resina de aspecto orgánico llamada Seaweed, que se asemeja a grupos de algas enredadas.
Una serie de diseños de iluminación acompañaron el mobiliario. La diseñadora británica Bethan Laura Wood creó una lámpara de araña delgada de vidrio y metal llamada Criss Cross Kite.
“Una lámpara de araña suele ser una luz central muy elegante”, dijo Wood, reflexionando sobre su trabajo.
“Definitivamente quiero jugar con esta idea de fantasía dentro del objeto”.
También se exhibió la lámpara de cerámica Unique Girl de la diseñadora estadounidense Katie Stout . La pieza de iluminación se caracteriza por una figura abstracta que, según el diseñador, pretende ser un comentario sobre la domesticidad y la feminidad.
Todos los muebles de la exposición estaban dispuestos sobre una alfombra de color rojo intenso intercalada con espacios de forma amorfa para formar un camino serpenteante.
Los libros de los diseñadores expuestos, así como los textos que informan su trabajo, se amontonaron en el suelo junto a sus respectivos muebles.
“Para los diseñadores que aún no tenían un libro sobre su práctica, envolvimos un libro grande en papel negro para señalar [la idea de] ‘un libro o una beca faltante'”, dijo la curadora del SFMOMA, Jennifer Dunlop Fletcher.
“Descubrimos que la mayoría de los libros que faltaban eran para diseñadoras”, añadió.
“Conversation Pieces, que genera diálogo en toda la galería, presenta sillas y lámparas que sorprenden y atraen la atención sin pedir disculpas”, dijo SFMOMA.
El año pasado, el museo de San Francisco presentó una exposición del trabajo del arquitecto Neri Oxman , mientras que recientemente se convirtió en el primer museo en adquirir un módulo de la torre cápsula japonesa Nakagin.
Piezas de conversación: muebles contemporáneos en diálogo se exhibió en el SFMOMA del 20 de agosto de 2022 al 25 de junio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
La startup estadounidense Recompose ha abierto una funeraria en Seattle diseñada por el estudio de arquitectura Olson Kundig , donde los restos humanos se convierten en abono y se convierten en un suelo rico en nutrientes que puede nutrir nueva vida vegetal.
Ubicada en un almacén reformado en el distrito SoDo de la ciudad, la instalación es una de las primeras en hacer uso de una práctica floreciente conocida como reducción orgánica natural, o compostaje humano, que fue legalizada en el estado de Washington en 2019.
En este caso, el cuerpo del difunto se coloca sobre un lecho de materiales vegetales dentro de un recipiente de acero inoxidable , construido específicamente para acelerar el proceso natural de separación.
En el transcurso de 60 días, sus restos se convierten en un metro cúbico de tierra fértil, suficiente para llenar la caja de una camioneta. Luego, los seres queridos pueden llevarse este abono a casa y utilizarlo para nutrir su jardín, plantar árboles en memoria del difunto o donarlo a un área de conservación local.
El objetivo es ofrecer una alternativa menos contaminante a la cremación o el entierro, que genera enormes emisiones y consume muchos recursos, y en su lugar crear una práctica funeraria significativa que permita a las personas retribuir a la naturaleza.
“Los clientes nos han compartido que la idea de que su persona se convierta en tierra es reconfortante”, dijo a Dezeen la fundadora de Recompose, Katrina Spade.
“Hacer crecer nueva vida a partir de esa tierra es algo profundo y el pequeño ritual de plantar, utilizando tierra creada a partir del cuerpo de un ser querido, es muy tangible”.
Las instalaciones insignia de Recompose de 19,500 pies cuadrados en Seattle tienen capacidad para una serie de 31 recipientes de compostaje cilíndricos, apilados dentro de una estructura de acero hexagonal.
Esta construcción vertical ayuda a conservar el espacio en un intento por superar el problema del uso de la tierra asociado con el entierro tradicional y hacer factible el compostaje humano incluso en áreas urbanas densas.
“Se puede pensar en Recompose como el equivalente urbano al entierro natural: devolvernos a la tierra sin requerir mucho terreno”, dijo Spade, un arquitecto capacitado que desarrolló las vasijas como parte de una residencia en el estudio de Olson Kundig en Seattle .
El edificio en sí fue diseñado en colaboración con el estudio de arquitectura para reimaginar la experiencia de estar en una funeraria, haciendo el proceso más transparente e incorporando elementos de la naturaleza en lugar de iconografía religiosa abierta.
En un espíritu de regeneración, se conservó gran parte de la estructura original del almacén. Los cálidos pisos de madera y una pared con plantas dan vida al vestíbulo central, mientras que se insertan tiras de vidrio verde en las paredes para brindar vislumbres del espacio íntimo de la ceremonia más allá.
Aquí, los seres queridos pueden participar en una “ceremonia de inhumación”, similar a un funeral tradicional.
“El Gathering Space tiene ventanas de vidrio de colores desde el piso hasta el techo que dejan entrar la luz, de manera similar a la forma en que la luz se filtra entre los árboles en un bosque”, dijo el director de diseño de Olson Kundig , Alan Maskin.
“De cierto modo, Recompose es una funeraria al revés. Hay una sugerencia de transparencia y apertura sobre la muerte, incluida la capacidad de ver y comprender todo el proceso, que es muy diferente de la experiencia de una funeraria tradicional”.
Durante la ceremonia, un sencillo atril de madera permite a los dos compartir palabras sobre sus seres queridos mientras el cuerpo del difunto se envuelve en una mortaja de algodón y se presenta sobre una cama de color verde oscuro llamada cuna.
Imitando el ritual de arrojar tierra sobre un ataque, los invitados pueden colocar sobre su persona flores y materiales vegetales, que ayudarán a su transformación en tierra.
La funeraria también cuenta con salas dedicadas para aquellos que desean brindar un cuidado más práctico a sus difuntos antes de la ceremonia, bañando el cuerpo o recitando oraciones y canciones.
Al final del servicio, la cuna se mueve a través de un llamado recipiente umbral incrustado en la pared y hacia el invernadero, donde se unirá a los otros recipientes del conjunto.
“Se puso mucho cuidado al considerar la experiencia del cuerpo”, dijo Maskin. “Incluso hay un poco de poesía inscrita en el interior del recipiente de transición utilizado durante las ceremonias”.
“Ese poema no es para los vivos; sólo es visible dentro del recipiente”.
Cada recipiente del conjunto contiene una mezcla de materiales vegetales desarrollados por Recompose que incluye astillas de madera, paja y una planta parecida al trébol llamada alfalfa, con proporciones adaptadas según el cuerpo y el peso de la persona.
En el transcurso de 30 días, los microbios naturales que se encuentran en las plantas y el cuerpo descompondrán los restos, filtrando los olores desagradables y bombeando aire fresco (ya veces humedad) al recipiente, que gira intermitentemente para acelerar el tratamiento. .
Al final de este proceso, los fragmentos de hueso restantes se trituran con un cremador y los implantes médicos se retiran para reciclarlos.
La tierra restante se coloca en un recipiente de curado para que se seque durante otras dos a seis semanas antes de que amigos o familiares puedan recogerla.
A diferencia de la cremación, este proceso no requiere grandes cantidades de energía ni combustibles fósiles, dice Recomponer, mientras que el contenido de carbono en el cuerpo humano se secuestra en el suelo en lugar de liberarse a la atmósfera.
El proceso también prescinde de las grandes cantidades de productos químicos de embalsamamiento y de materiales con elevadas emisiones, como el acero y el hormigón, que se necesitan para los entierros.
En total, el proceso de “transformar el cuerpo de su ser querido en tierra” ahorra alrededor de una tonelada métrica de emisiones de CO2 por persona en comparación con el entierro o la cremación, afirma Recompose.
Desde 2019, varios estados de EE.UU. UU. han seguido los pasos de Washington y han legalizado la reducción orgánica natural; Nueva York se unió a Colorado, Oregón, Vermont y California el mes pasado.
Esto ocurre a medida que la gente es cada vez más consciente del impacto ambiental oculto de la industria del cuidado de la muerte y avanza hacia prácticas funerarias alternativas, desde la cremación líquida hasta las cápsulas funerarias que crecen hasta convertirse en árboles .
“Los miembros de la generación del baby boom han comenzado a experimentar la muerte de sus padres y creo que muchos se preguntan: ¿eso es lo mejor que podemos hacer?”, dijo Spade.
“Pero lo interesante es que no se trata sólo de personas mayores”, añadió.
“Más del 25 por ciento de nuestros miembros de Precompose [plan de pago anticipado] tienen menos de 49 años. Creo que esto se debe a que la crisis climática también ha influido. La gente se pregunta por qué nuestras prácticas funerarias no se han tenido en cuenta en lo que respeta a nuestras emisiones de carbono. huella”.
Recompose planea expandirse a Colorado en 2023 y California en 2027, mientras que la empresa rival Earth Funeral ha puesto su mirada en Oregón .
La fotografía es de Mat Hayward/Getty Images para Recompose a menos que se indique lo contrario.
El dúo de diseñadores Formafantasma ha presentado una exposición en el Museo Nacional de Noruega en Oslo sobre la historia y el futuro de la producción de lana , que presenta una túnica de 1.700 años y una alfombra hecha de fibras de desecho.
Andrea Trimarchi y Simone Farresin de Formafantasma crearon la exposición Oltre Terra , comisariada por Hannah Eide, para desentrañar la relación pasada y presente de la humanidad con las ovejas y, por extensión, la producción de lana.
La exposición presenta objetos de archivo y contemporáneos, incluidas réplicas a tamaño natural de siete razas diferentes de ovejas y herramientas para esquilar, dispuestos en un estilo diorama dentro de una sola galería en el museo nacional de Noruega.
Entre los primeros animales domesticados por los humanos, las ovejas fueron sacrificadas por primera vez por cazadores-recolectores hace unos 11.000 años.
Esto marcó el comienzo de una relación compleja, según Formafantasma.
“El Museo Nacional de Noruega [que encargó a Oltre Terra] estaba interesado en que hiciéramos un trabajo relacionado con la comunidad local de Oslo , porque la lana era un material extremadamente importante en la cultura noruega antes del desarrollo de la industria relacionada con el petróleo y agricultura”, dijeron Trimarchi y Farresin a Dezeen.
Oltre Terra tenía como objetivo combinar artefactos que normalmente se ven en museos de historia natural con otros que se exhiben más comúnmente en galerías de arte y diseño, con el fin de resaltar la interdependencia entre la evolución biológica y los procesos de producción.
Entre las piezas expuestas se encuentra una alfombra color crema de CC-Tapis hecha de cuatro fibras de lana diferentes extraídas de 12 razas de ovejas italianas.
Esta lana era un sobrante de la producción y normalmente se desechaba por su tosquedad, pero la alfombra pretende ilustrar cómo estas fibras más ásperas todavía se pueden utilizar para fabricar productos que no están en contacto directo con la piel.
También se exhibe una túnica de lana de 1.700 años de antigüedad, que se encontró conservada bajo una zona de hielo de una montaña a 200 millas al noroeste de Oslo en 2011, y velas de lana que se usaban en los barcos de la época vikinga.
En el centro de la instalación se encuentra un vídeo que Formafantasma creó con la artista Joanna Piotrowska . Llamada Tactile Afferents, la película se centra en el sentido del tacto y explora las formas en que los humanos han interactuado con las ovejas a lo largo del tiempo.
La exposición también presenta réplicas de ejemplos notables de la especie, como Shrek, la oveja merina de Nueva Zelanda que, como muchas otras, fue descubierta en la naturaleza con un pelaje demasiado grande en 2004 después de escapar de su rebaño doméstico seis años antes.
Este es un ejemplo de cuando las ovejas necesitan a los humanos, según Formafantasma.
“Muchas personas están en contra de la cría de animales, lo cual, cuando se trata de una cría intensiva, también nos parece extremadamente problemático”, afirman los diseñadores.
“Pero las ovejas en este momento no son como sus ancestros salvajes, los muflones: no pierden pelo de forma natural. Necesitan que los humanos los esquilen”.
El diseño de la exposición hace un guiño al concepto de diorama: modelos en miniatura o a gran escala que se encuentran en los museos, encerrados en vidrio y que normalmente muestran figuras tridimensionales.
Para Oltre Terra, el diorama se “explotó” en secciones y se dejó abierto, en lugar de cubierto con vidrio, para permitir a los visitantes sentirse más conectados con las piezas y cuestionar el límite entre el arte y la ciencia.
“Para nosotros, se trata de unificar narrativas y mostrar cómo se trata de ecologías complejas que deben mostrarse juntas”, dijeron Trimarchi y Farresin sobre la instalación.
“El objetivo de la exposición es explorar esta relación tan íntima pero intrincada entre humanos y animales, en la que los límites entre lo domador y lo domesticado se desvanecen”, continuaron los diseñadores.
Trimarchi y Farresin explicaron que uno de los objetivos generales de la exposición era promover la dependencia mutua y el respeto entre humanos y ovejas, especialmente en lo que respecta a las prácticas agrícolas.
“La relación entre humanos y ovejas es mucho más complicada y compleja”, agregaron.
“Al igual que con las relaciones humanas, hay relaciones abusivas y sólo hay relaciones y relaciones constructivas. Lo que estamos haciendo ahora [con el ganado] es, en algunos casos, extremadamente abusivo, pero eso no significa que las ovejas, los animales y los humanos no puedan vivir en un proceso de simbiosis”.
El espectáculo toma su nombre de la etimología de la palabra “trashumancia”, que está formada por la combinación de las palabras latinas trans (a través, ‘oltre’ en italiano) y humus (tierra, ‘terra’) y hace referencia a la práctica de migración del ganado de una zona de pastoreo a otra.
Fundada por Trimarchi y Farresin en 2009, Formafantasma ha presentado anteriormente otras muestras que investigan materiales, incluida una exposición sobre madera con la marca de muebles Artek que se celebró en el Museo del Diseño de Helsinki el año pasado. El estudio también rediseñó su sitio web para reducir las emisiones de dióxido de carbono.
La fotografía es de Ina Wesenberg .
Créditos del proyecto:
Equipo de Formafantasma: Sara Barilli, Alessandro Celli y Gregorio Gonella Comisaria: Hannah Eide
Oltre Terra se exhibirá en el Museo Nacional de Noruega del 26 de mayo al 1 de octubre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
No hay símbolo de lujo más universal que la cama con dosel . En este lookbook , seleccionamos ocho dormitorios elevados por su presencia.
Las camas con columnas verticales en cada esquina que sostienen un panel superior se remontan a la época medieval.
Originalmente construidas con cortinas envolventes para protegerse del frío y brindar privacidad, históricamente se han asociado con diseños muy ornamentados para la nobleza.
Hoy en día, la cama con dosel sigue siendo un mueble inconfundible, y la siguiente lista muestra el concepto aplicado a una variedad de ambientes de dormitorio, desde lo tradicional hasta lo contemporáneo.
Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Para obtener más inspiración, consulte los lookbooks anteriores que presentan dormitorios con paneles de madera , salones con chimeneas suspendidas y casas con techos abovedados .
Casa en Schopfacker, Suiza, por Bernardo Bader Architects
El estudio austriaco Bernardo Bader Architects creó esta reinterpretación del tradicional chalet alpino en el pueblo suizo de Trogen para un coleccionista de arte y muebles antiguos.
En el dormitorio, una gran cama con dosel tallada contrasta con los muebles contemporáneos con bordes cromados, así como con el techo de hormigón y las paredes y el suelo de alerce pálido.
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The Ned, Reino Unido, por Soho House y Sydell Group
El Ned es un hotel de lujo formado a partir de un banco histórico de Londres diseñado originalmente por el arquitecto británico Edwin Lutyens.
Soho House trabajó con Sydell Group, con sede en Nueva York, para darle a las habitaciones una sensación de la década de 1920, con grandes camas con dosel de caoba, cortinas ricamente estampadas y detalles lujosos como paneles de nogal y candelabros restaurados.
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Hotel Peter and Paul, EE. UU., por StudioWTA y ASH NYC
Los crucifijos cubren las camas negras con dosel dentro de las habitaciones de este hotel de Nueva Orleans como un guiño al pasado del edificio como iglesia, rectoría y convento.
La firma de diseño neoyorquina ASH NYC continuó la iconografía religiosa con pinturas de santos en las paredes, mientras que los muebles y muebles tradicionales le dan al espacio una sensación de atemporalidad.
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Villa Pelícanos, México, por oficina principal
Esta villa costera con techo de paja y vistas al océano Pacífico cuenta con una cama rústica con dosel y cortinas blancas de gasa.
Parte de un pueblo de vacaciones de la década de 1980 renovado por el estudio de arquitectura Main Office , el interior combina materiales mexicanos con elementos sudafricanos: muebles de madera de parota colocados entre un fondo brillante y en blanco que ofrecen las paredes blancas y el suave piso de concreto.
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The Tri-Pod, Reino Unido, por Scott Whitby Studio
Diseñado para una pareja poliamorosa, este tocador hecho a medida por Scott Whitby Studio, con sede en Londres , tiene espacio suficiente para que tres personas duerman juntas cómodamente.
Los arquitectos optaron por reinventar el tradicional dosel como divisor de espacio y como mueble. Sobre el espacio para dormir de nogal que se puede cerrar hay un altillo para leer y relajarse.
Obtenga más información sobre el Tri-Pod ›
Casa adosada de Sackett Street, EE. UU., por The Brooklyn Home Company
La cama con dosel de madera del dormitorio principal de esta casa de Brooklyn fue diseñada y hecha a mano por Fitzhugh Karol, escultor residente de The Brooklyn Home Company.
Se encuentra en medio de un dormitorio amplio y luminoso con pisos de roble blanco, paredes pintadas de blanco y una terraza privada adyacente.
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Hotel Henry Howard, EE.UU., por Hunter Mabry Design
Otra renovación del hotel de Nueva Orleans , esta vez con una elegante cama con dosel de metal negro que agrega un toque suavemente moderno a las habitaciones.
El estudio neoyorquino Hunter Mabry Design yuxtapuso la cama contemporánea con muebles antiguos e instrumentos de metal antiguos que hacen referencia a la herencia del jazz de la ciudad.
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Casa Xiang Jiang, China, por Claesson Koivisto Rune
El estudio sueco Claesson Koivisto Rune incluyó una versión moderna de la tradicional cama con dosel en esta casa de Beijing que fue diseñada para tener un aire escandinavo.
Un zócalo de gran tamaño ofrece espacio para una lámpara de mesilla de noche, realzando la sensación de tranquilidad y comodidad en el dormitorio entre las tablas del suelo extra anchas y los paneles de las paredes de madera clara.
Más información sobre la Casa Xiang Jiang ›
Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Para obtener más inspiración, consulte los lookbooks anteriores que presentan dormitorios con paneles de madera , salones con chimeneas suspendidas y casas con techos abovedados .
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