La exposición de muebles SFMOMA presenta “iniciadores de conversación”
Diseñadores como Bethan Laura Wood y Maarten Baas han contribuido con una gama de sillas e iluminación “a veces discordantes” para una exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco .
Llamada Piezas de conversación: muebles contemporáneos en diálogo, la exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) presenta 45 piezas de mobiliario y decoración “que priorizan el significado y la elección de materiales sobre la función y la practicidad”.
“Las obras expuestas son a veces discordantes, a menudo audaces y siempre inician conversación”, dijo el museo.
Extraídas íntegramente de la colección SFMOMA, algunas de las piezas fueron elegidas únicamente por su apariencia alternativa, como un sillón de cuero y plástico de otro mundo del diseñador surcoreano Jay Sae Jung Oh .
Se seleccionaron otros muebles por sus comentarios sobre cuestiones sociales. Por ejemplo, una pieza del arquitecto estadounidense Germane Barnes es una silla de porche rematada con un respaldo de gran tamaño con forma de peine de madera fresada.
Llamada Uneasy Lies the Head that Wears the Crown, la pieza fue descrita por Barnes como una representación del cabello negro, destinada a resaltar cómo el cabello negro “a menudo es vigilado y mal visto en lugar de celebrado como debería [ser]”.
También participaron en la exposición el diseñador holandés Baas y el arquitecto italiano Gaetano Pesce.
Baas creó una silla azul brillante cubierta con arcilla, mientras que Pesce aportó una silla de tela y resina de aspecto orgánico llamada Seaweed, que se asemeja a grupos de algas enredadas.
Una serie de diseños de iluminación acompañaron el mobiliario. La diseñadora británica Bethan Laura Wood creó una lámpara de araña delgada de vidrio y metal llamada Criss Cross Kite.
“Una lámpara de araña suele ser una luz central muy elegante”, dijo Wood, reflexionando sobre su trabajo.
“Definitivamente quiero jugar con esta idea de fantasía dentro del objeto”.
También se exhibió la lámpara de cerámica Unique Girl de la diseñadora estadounidense Katie Stout . La pieza de iluminación se caracteriza por una figura abstracta que, según el diseñador, pretende ser un comentario sobre la domesticidad y la feminidad.
Todos los muebles de la exposición estaban dispuestos sobre una alfombra de color rojo intenso intercalada con espacios de forma amorfa para formar un camino serpenteante.
Los libros de los diseñadores expuestos, así como los textos que informan su trabajo, se amontonaron en el suelo junto a sus respectivos muebles.
“Para los diseñadores que aún no tenían un libro sobre su práctica, envolvimos un libro grande en papel negro para señalar [la idea de] ‘un libro o una beca faltante'”, dijo la curadora del SFMOMA, Jennifer Dunlop Fletcher.
“Descubrimos que la mayoría de los libros que faltaban eran para diseñadoras”, añadió.
“Conversation Pieces, que genera diálogo en toda la galería, presenta sillas y lámparas que sorprenden y atraen la atención sin pedir disculpas”, dijo SFMOMA.
El año pasado, el museo de San Francisco presentó una exposición del trabajo del arquitecto Neri Oxman , mientras que recientemente se convirtió en el primer museo en adquirir un módulo de la torre cápsula japonesa Nakagin.
Piezas de conversación: muebles contemporáneos en diálogo se exhibió en el SFMOMA del 20 de agosto de 2022 al 25 de junio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
El estudio de arquitectura Snøhetta ha completado una tienda para la marca de moda y estilo de vida Holzweiler en Chengdu , China, inspirada en su herencia noruega.
Ubicada en el centro comercial Taikoo Li en el centro de Chengdu, la tienda de 130 metros cuadrados es el primer puesto de avanzada de la marca noruega Holzweiler fuera de Escandinavia.
“La tienda presenta temas recurrentes de corrientes, reflejos y contrastes inspirados en paisajes y movimientos costeros, un concepto personalizado de las fuerzas de la naturaleza noruega que juegan con nuestro patrimonio compartido”, explicó Snøhetta .
“Con el objetivo de transmitir el amor y el profundo respeto de Holzweiler por sus orígenes, existe una referencia inmediata y constante al mundo natural que recuerda al país de origen de la marca”.
El exterior de la tienda cuenta con una pantalla LED de tamaño completo, que se utilizará para mostrar campañas que muestren la conexión de esa marca con la naturaleza.
Una pared de vidrio enmarcada con líneas onduladas divide la pantalla LED en dos partes, revelando a los visitantes los cálidos interiores en tonos arcilla de la tienda.
La entrada de la tienda se diseñó con piedra arenada desde el piso hasta el techo y se extiende hasta el área de exhibición de productos donde los brazos mecánicos presentan los diseños de bufandas de seda, lana de cordero y cachemira característicos de Holzweiler.
Las líneas onduladas fueron ampliamente adoptadas dentro de la tienda, como un guiño a las costas a lo largo de la extensa costa de Noruega. Una serie de luces colgantes estaban suspendidas de la superficie reflectante del techo, que estaba revestido de acero con un acabado arenado.
Los percheros hechos con el mismo material de acero corren a lo largo de la pared curva, mientras que las formas de las mesas de exhibición colocadas en el centro del espacio fueron diseñadas para evocar formaciones rocosas costeras.
Se utilizaron materiales naturales en toda la tienda, procedentes localmente de China. Mientras tanto, todos los accesorios dentro de la tienda fueron diseñados para ser desmontados y reutilizados de manera flexible en el futuro.
El área del punto de venta está escondida en la parte trasera de la tienda, separada del área comercial principal para brindar privacidad a los clientes.
Snøhetta es colaborador de Holzweiler desde hace mucho tiempo y ha diseñado la tienda insignia y la sala de exposición de la empresa en Oslo , así como su primer puesto internacional en Copenhague .
El estudio ha completado recientemente un planetario en Francia, con dos cúpulas rodeadas por amplias paredes de madera y una torre de observación revestida de tejas en Austria .
Sapid Studio tuvo como objetivo mantener la mayor cantidad posible del equipamiento original durante este proyecto de renovación , en el que la firma de diseño suiza se convirtió en una hamburguesería en Ginebra , Suiza, en el hogar de otra.
La nueva hamburguesería, llamada Sando por la palabra japonesa para sándwich, está ubicada cerca del paseo marítimo en Rive Gauche y sirve hamburguesas con sabores japoneses como teriyaki tamago y tocino miso.
Dado que el espacio fue diseñado originalmente para un establecimiento similar, Sapid Studio no realizó cambios en el diseño.
En cambio, los fundadores Cecile-Diama Samb y Michael Piderit adoptan un enfoque de modernización inspirado en el arte japonés del boro , que implica remendar y coser repetidamente textiles para crear un mosaico de varias capas.
Con este espíritu, el estudio conservó la barra original del interior (simplemente le dio un nuevo acabado en acero inoxidable cepillado y corrugado) y reparó el suelo de baldosas existentes.
La carpintería del restaurante anterior fue desmantelada y reutilizada para formar un revestimiento de madera y un mostrador a la altura de una mesa a lo largo del frente de la ventana, diseñado para parecerse a los que se encuentran en las tiendas de ramen japoneses.
“Se hicieron todos los esfuerzos para realizar el cambio más impactante en el espacio y al mismo tiempo minimizar la cantidad de material desperdiciado”, dijeron a Dezeen los cofundadores de Sapid Studio, Cecile-Diama Samb y Michael Piderit.
“Es la reelaboración de un elemento existente, cosido con demolición quirúrgica, alteraciones y adiciones, lo que crea el mosaico único que es Sando”.
De manera más literal, la técnica boro se refleja en los tapices que cuelgan en hileras de las paredes y los techos, hechos con textiles recuperados por el taller local de reciclaje Lundi Piscine .
Cosidos sobre un respaldo de tarlatán de tejido abierto translúcido, estos presentan fragmentos de letras de color amarillo brillante que borran Sando tanto en inglés como en japonés.
La madera de abedul se presenta abundantemente en todo el interior y se terminó en tres tintes diferentes para contrastar, como se ve en los taburetes de la barra que se alinean a lo largo del mostrador revestido de acero para formar un gradiente sutil.
Los dos tintes más claros también se utilizaron para crear un efecto de bloque de color en los paneles de la pared y el mostrador de la ventana. Aquí, los comensales pueden sentarse en taburetes de aluminio de la marca danesa Frama , elegidos a juego con el mostrador de metal cepillado.
Otra zona para sentarse en la parte trasera del espacio tiene sencillas mesas de metal de color blanquecino combinadas con taburetes moteados hechos de plástico reciclado por Normann Copenhagen .
Además de los tapices, la única otra decoración de pared la proporciona varios grabados personalizados del ilustrador suizo Kristell Silva Tancun , que representan motivos del arte clásico japonés remezclados con hamburguesas, papas fritas y artículos de comida rápida.
Otras hamburgueserías bien diseñadas incluyen PNY Citadium en París , que tiene un interior en tonos de puesta de sol inspirado en los restaurantes de la costa oeste de Estados Unidos, y la hamburguesa derivada de Noma, POPL, en Copenhague .
La startup estadounidense Recompose ha abierto una funeraria en Seattle diseñada por el estudio de arquitectura Olson Kundig , donde los restos humanos se convierten en abono y se convierten en un suelo rico en nutrientes que puede nutrir nueva vida vegetal.
Ubicada en un almacén reformado en el distrito SoDo de la ciudad, la instalación es una de las primeras en hacer uso de una práctica floreciente conocida como reducción orgánica natural, o compostaje humano, que fue legalizada en el estado de Washington en 2019.
En este caso, el cuerpo del difunto se coloca sobre un lecho de materiales vegetales dentro de un recipiente de acero inoxidable , construido específicamente para acelerar el proceso natural de separación.
En el transcurso de 60 días, sus restos se convierten en un metro cúbico de tierra fértil, suficiente para llenar la caja de una camioneta. Luego, los seres queridos pueden llevarse este abono a casa y utilizarlo para nutrir su jardín, plantar árboles en memoria del difunto o donarlo a un área de conservación local.
El objetivo es ofrecer una alternativa menos contaminante a la cremación o el entierro, que genera enormes emisiones y consume muchos recursos, y en su lugar crear una práctica funeraria significativa que permita a las personas retribuir a la naturaleza.
“Los clientes nos han compartido que la idea de que su persona se convierta en tierra es reconfortante”, dijo a Dezeen la fundadora de Recompose, Katrina Spade.
“Hacer crecer nueva vida a partir de esa tierra es algo profundo y el pequeño ritual de plantar, utilizando tierra creada a partir del cuerpo de un ser querido, es muy tangible”.
Las instalaciones insignia de Recompose de 19,500 pies cuadrados en Seattle tienen capacidad para una serie de 31 recipientes de compostaje cilíndricos, apilados dentro de una estructura de acero hexagonal.
Esta construcción vertical ayuda a conservar el espacio en un intento por superar el problema del uso de la tierra asociado con el entierro tradicional y hacer factible el compostaje humano incluso en áreas urbanas densas.
“Se puede pensar en Recompose como el equivalente urbano al entierro natural: devolvernos a la tierra sin requerir mucho terreno”, dijo Spade, un arquitecto capacitado que desarrolló las vasijas como parte de una residencia en el estudio de Olson Kundig en Seattle .
El edificio en sí fue diseñado en colaboración con el estudio de arquitectura para reimaginar la experiencia de estar en una funeraria, haciendo el proceso más transparente e incorporando elementos de la naturaleza en lugar de iconografía religiosa abierta.
En un espíritu de regeneración, se conservó gran parte de la estructura original del almacén. Los cálidos pisos de madera y una pared con plantas dan vida al vestíbulo central, mientras que se insertan tiras de vidrio verde en las paredes para brindar vislumbres del espacio íntimo de la ceremonia más allá.
Aquí, los seres queridos pueden participar en una “ceremonia de inhumación”, similar a un funeral tradicional.
“El Gathering Space tiene ventanas de vidrio de colores desde el piso hasta el techo que dejan entrar la luz, de manera similar a la forma en que la luz se filtra entre los árboles en un bosque”, dijo el director de diseño de Olson Kundig , Alan Maskin.
“De cierto modo, Recompose es una funeraria al revés. Hay una sugerencia de transparencia y apertura sobre la muerte, incluida la capacidad de ver y comprender todo el proceso, que es muy diferente de la experiencia de una funeraria tradicional”.
Durante la ceremonia, un sencillo atril de madera permite a los dos compartir palabras sobre sus seres queridos mientras el cuerpo del difunto se envuelve en una mortaja de algodón y se presenta sobre una cama de color verde oscuro llamada cuna.
Imitando el ritual de arrojar tierra sobre un ataque, los invitados pueden colocar sobre su persona flores y materiales vegetales, que ayudarán a su transformación en tierra.
La funeraria también cuenta con salas dedicadas para aquellos que desean brindar un cuidado más práctico a sus difuntos antes de la ceremonia, bañando el cuerpo o recitando oraciones y canciones.
Al final del servicio, la cuna se mueve a través de un llamado recipiente umbral incrustado en la pared y hacia el invernadero, donde se unirá a los otros recipientes del conjunto.
“Se puso mucho cuidado al considerar la experiencia del cuerpo”, dijo Maskin. “Incluso hay un poco de poesía inscrita en el interior del recipiente de transición utilizado durante las ceremonias”.
“Ese poema no es para los vivos; sólo es visible dentro del recipiente”.
Cada recipiente del conjunto contiene una mezcla de materiales vegetales desarrollados por Recompose que incluye astillas de madera, paja y una planta parecida al trébol llamada alfalfa, con proporciones adaptadas según el cuerpo y el peso de la persona.
En el transcurso de 30 días, los microbios naturales que se encuentran en las plantas y el cuerpo descompondrán los restos, filtrando los olores desagradables y bombeando aire fresco (ya veces humedad) al recipiente, que gira intermitentemente para acelerar el tratamiento. .
Al final de este proceso, los fragmentos de hueso restantes se trituran con un cremador y los implantes médicos se retiran para reciclarlos.
La tierra restante se coloca en un recipiente de curado para que se seque durante otras dos a seis semanas antes de que amigos o familiares puedan recogerla.
A diferencia de la cremación, este proceso no requiere grandes cantidades de energía ni combustibles fósiles, dice Recomponer, mientras que el contenido de carbono en el cuerpo humano se secuestra en el suelo en lugar de liberarse a la atmósfera.
El proceso también prescinde de las grandes cantidades de productos químicos de embalsamamiento y de materiales con elevadas emisiones, como el acero y el hormigón, que se necesitan para los entierros.
En total, el proceso de “transformar el cuerpo de su ser querido en tierra” ahorra alrededor de una tonelada métrica de emisiones de CO2 por persona en comparación con el entierro o la cremación, afirma Recompose.
Desde 2019, varios estados de EE.UU. UU. han seguido los pasos de Washington y han legalizado la reducción orgánica natural; Nueva York se unió a Colorado, Oregón, Vermont y California el mes pasado.
Esto ocurre a medida que la gente es cada vez más consciente del impacto ambiental oculto de la industria del cuidado de la muerte y avanza hacia prácticas funerarias alternativas, desde la cremación líquida hasta las cápsulas funerarias que crecen hasta convertirse en árboles .
“Los miembros de la generación del baby boom han comenzado a experimentar la muerte de sus padres y creo que muchos se preguntan: ¿eso es lo mejor que podemos hacer?”, dijo Spade.
“Pero lo interesante es que no se trata sólo de personas mayores”, añadió.
“Más del 25 por ciento de nuestros miembros de Precompose [plan de pago anticipado] tienen menos de 49 años. Creo que esto se debe a que la crisis climática también ha influido. La gente se pregunta por qué nuestras prácticas funerarias no se han tenido en cuenta en lo que respeta a nuestras emisiones de carbono. huella”.
Recompose planea expandirse a Colorado en 2023 y California en 2027, mientras que la empresa rival Earth Funeral ha puesto su mirada en Oregón .
La fotografía es de Mat Hayward/Getty Images para Recompose a menos que se indique lo contrario.
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