Coil + Drift abre estudio de iluminación y sala de exposición en Catskills
El estudio de iluminación Coil + Drift ha abierto una oficina, sala de exposición y centro de producción en las montañas Catskill del norte del estado de Nueva York que coloca elementos modernos en un edificio similar a un granero.
El fundador de Coil + Drift, John Sorensen-Jolink, quien se mudó al área en 2021, ha creado un nuevo hogar para su marca en una estructura similar a un granero rodeada de naturaleza.
“Al trasladar su negocio de diseño de propiedad queer al campo, Coil + Drift está provocando una conversación visceral entre personas de una próspera comunidad creativa rural sobre cómo lo que hacemos define quiénes somos”, dijo el estudio.
El edificio abarca 3000 pies cuadrados (280 metros cuadrados) y cuenta con techos altos, pintados de blanco junto con sus paredes revestidas de madera contrachapada.
El espacio se divide entre una oficina y una sala de exposición combinadas, y una instalación de producción donde un equipo interno crea ahora todos los diseños de iluminación de la empresa.
En un rincón de la sala de exposición hay una estufa de leña negra, con un conducto de humos que se extiende hasta el techo, junto a una pila de troncos cortados que se utilizan para alimentarla.
Las alfombras de color marrón chocolate contrastan con los pisos de concreto pálido, definiendo la entrada, el espacio de oficina y un lugar junto al fuego en lugar de paredes o tabiques.
Los zócalos se utilizan para elevar diseños de muebles, dispuestos en viñetas estilizadas junto con iluminación, plantas y pequeños accesorios.
Se exhiben más objetos en estantes de madera de diferentes longitudes, sostenidos a diferentes alturas sobre finas varillas doradas.
Puertas de metal y vidrio de aspecto industrial montadas sobre rieles separan la sala de exposición del taller, que se encuentra en una sala contigua.
Se exhiben varias incorporaciones nuevas a las populares colecciones Coil + Drift , como una versión de pie de la lámpara de mesa Yama y una lámpara de araña “móvil” que se une a la serie Atlas.
También coincidiendo con su movimiento y expansión, la compañía lanzó una plataforma en línea centrada en el comercio para sus productos.
Los proyectos anteriores de Coil + Drift incluyeron el diseño de una casa adosada en el vecindario Prospect Heights de Brooklyn para Hatchet Design.
Sorensen-Jolink, ex bailarina, es una de los muchos creativos que se mudaron de la ciudad de Nueva York a áreas rurales cercanas, ya sea durante o después de la pandemia de Covid-19.
El norte del estado de Nueva York, y en particular el área de Hudson Valley y Catskills, ya estaba ganando popularidad como destino para artistas y diseñadores antes de los cierres, gracias a su reputación de tiendas de muebles antiguos e instituciones de arte .
Luego, los bajos precios de las propiedades y la alta demanda de espacio y aire fresco provocaron un éxodo a la región, cuando muchos compraron segundas residencias o se mudaron permanentemente.
La Fundación Zaha Hadid ha inaugurado una exposición sobre el restaurante Moonsoon de Zaha Hadid en Sapporo, Japón. Aquí, el responsable de exposiciones y curador Johan Deurell selecciona cinco aspectos destacados de la muestra.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan es un estudio de caso del primer proyecto construido por el arquitecto Hadid fuera del Reino Unido: el Moonsoon Bar and Restaurant en Sapporo, Japón, que se construyó en 1989.
La exposición ofrece un viaje desde la concepción del lugar, transmitida a través de una serie de modelos de archivo, documentos de presentación y bocetos, hasta su forma construida, presentada a través de imágenes y muebles reacondicionados uno a uno del interior del bar.
“Nuestra última exposición muestra los procesos creativos detrás de uno de los primeros y menos conocidos proyectos de Zaha Hadid”, dijo el director de la Fundación Zaha Hadid, Paul Greenhalgh. “Moonsoon se creó en el momento de la increíble explosión de la economía japonesa y el auge del diseño que la acompañó”.
“Japón brindó oportunidades para que los arquitectos emergentes trabajaran en proyectos experimentales. Para la fundación, es una oportunidad para profundizar en los archivos y resaltar obras rara vez vistas antes”.
El diseño de Monsoon hacía referencia a algunos de los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX que surgieron en Rusia, como las obras del artista abstracto ruso Kazimir Malevich.
Las formas angulares, retorcidas y geométricas se tradujeron en capas y volúmenes arquitectónicos funcionales. Las referencias de diseño adicionales incluyen las obras del escultor Alexander Calder, anuncios de licores franceses de la década de 1950 e imágenes de cáscara de naranja y pasta.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan tiene lugar en la sede de la Fundación Zaha Hadid en Clerkenwell, Londres, que funcionó como sede de Hadid desde 1985 hasta su muerte en 2016.
Siga leyendo para conocer los cinco aspectos más destacados de Deurell :
Estuche de presentación, acrílico y aluminio de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“La idea de nuestra exposición surgió con el descubrimiento de un maletín de Perspex en el archivo. Este maletín fue creado por Daniel Chadwick como contenedor para el concepto de diseño de Moonsoon.
“Llevaba elementos de modelo, así como 14 pinturas, seis dibujos en perspectiva y 13 collages que se muestran en esta exposición. El caso se llevaría a los clientes como una forma de estrategia de presentación, donde se maquetarían los trabajos en papel y se montaría el modelo”.
Maqueta de presentación, acrílico de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“Este modelo, realizado por Daniel Chadwick, fue creado para ilustrar un concepto, más que como una réplica de la forma final del restaurante. Aquí, una forma de “piel de naranja” se arremolina a través de los dos pisos, y los fragmentos de colores representan los muebles y elementos interiores. En el momento de su realización, los diseños de interiores y mobiliario aún no estaban ultimados.
“ Zaha Hadid Architects adoptó la transparencia del acrílico para hacer que la relación entre los elementos interiores y espaciales del modelo sea más fácil de ver. En el futuro, los modelos digitales proporcionarían los efectos de capas transparentes que Hadid buscaba lograr mediante el uso temprano del acrílico”.
Conceptos de interiores, pintura acrílica sobre papel cartucho negro de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“Esta pintura pertenece a un conjunto de 14 pinturas originalmente guardadas en el maletín de Perspex. El concepto de Moonsoon se inspiró parcialmente en el fuego (para el bar del primer piso) y el hielo (para el restaurante de la planta baja), lo que se ilustra a través de los rojos y azules de esta pintura. Una forma arremolinada de “piel de naranja” representa el horno central que penetra a través de los dos pisos, mientras que los “fragmentos de hielo” astillados simbolizan las mesas.
“Zaha Hadid Architects utilizó pinturas para explorar conceptos que no podían mostrarse mediante dibujos en perspectiva convencionales. Varios miembros del equipo contribuyeron a las pinturas. Las obras se derivaban de bocetos, que habían sido transferidos a papel de calco y luego a papel de cartucho, y posteriormente coloreados, a menudo por la propia Hadid. Sus formas deformadas y sus capas anticiparon las posibilidades que luego ofreció el software CAD”.
Moonsoon de Zaha, de Marwan Kaabour, 2023
“No todo en el programa surgió de ese maletín. También había cajas y cajas de material de archivo. Durante la fase de investigación, mis colegas de Zaha Hadid Architects me dijeron: ‘ve a buscar el pequeño garabato’. Resultó ser una hoja de letras árabes que deletreaban Zaha y Moonsoon, y la forma de remolino recurrente, que se ve en el modelo y las pinturas.
“Con la ayuda de Marwan Kaabour , quien diseñó la identidad gráfica de la exposición, descubrí que el remolino es una versión estilizada de la letra H en Zaha. Marwan ha realizado un trabajo increíble para Phaidon y VA anteriormente y dirige la cuenta de Instagram Takweer sobre narrativas queer en la región SWANA. Le pedí que hiciera un vídeo basado en el material de archivo que habíamos encontrado.
“Este fragmento está tomado de ese video. Traza el desarrollo de la estructura de “piel de naranja” de Moonsoon, desde la construcción breve hasta su forma final. Comenzando con bocetos de las palabras مونسون [Lunzón] y زها [Zaha] basados en letras árabes, pasando por referencias a la piel de naranja, la pasta y las obras de Alexander Calder, concluye con su eventual traducción a los dibujos técnicos que informan la construcción, como así como imágenes de la construcción y construido.”
Sofá y mesa tipo bandeja de Zaha Hadid Architects, 1989-90 (rehecha en 2014)
“Finalmente, la exposición incluye un sofá en forma de boomerang procedente del bar. Los muebles de Moonsoon emplearon curvas que se cruzan y planos diagonales para crear un paisaje interior. Diseñados por Michael Wolfson, los sofás de diferentes tamaños tienen respaldos y mesas tipo bandeja intercambiables, que vienen en diferentes colores y acabados.
“Los camareros podían colocar las mesas en sus puestos cuando entregaban las bebidas a los invitados. No estoy seguro de qué tan bien funcionó en la práctica este método de espera, pero es interesante pensar en estos muebles como parte de una tradición histórica de diseño de paisajes de asientos flexibles. Sabemos que Zaha era fanática de la obra de Verner Panton, por ejemplo”.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan se exhibirá en la Fundación Zaha Hadid en Londres del 20 de abril al 22 de julio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
Los sonidos del bosque y los muebles hechos con árboles azotados por la tormenta traen elementos de la naturaleza a esta boutique de ropa masculina en King’s Cross de Londres , diseñada por el estudio local Fred Rigby Studio .
La tienda es el cuarto puesto de avanzada de la marca de moda masculina Lestrange y fue concebida a partir de planos del experto en diseño biofílico Oliver Heath , combinando vegetación con materiales naturales y recuperados para forjar una mayor conexión con el aire libre.
Según Fred Rigby Studio , se eligió este enfoque para reflejar la filosofía de la marca de utilizar fibras renovables y recicladas para producir ropa con longevidad.
“Queríamos crear una sensación de calma dentro del espacio, que no pareciera una tienda genérica sino un interior que contara una historia detrás de la ropa y el espíritu de la marca”, explicó el fundador epónimo del estudio.
La tienda Lestrange está ubicada dentro del centro comercial Coal Drops Yard, diseñado por Thomas Heatherwick , formado por dos almacenes reconvertidos que se construyeron originalmente en la época victoriana para almacenar las grandes cantidades de carbón que necesitaba la capital.
Rigby quería incorporar esta imponente estructura de ladrillos en su diseño final.
“No queríamos ocultar esta historia encubriéndola, lo que también habría implicado el uso de materiales de construcción”, dijo a Dezeen.
“Así que lo celebramos, dividiendo el espacio usando paredes y revestimientos de madera, y luego agregando luces de papel de arroz para darle al espacio una sensación más íntima”.
Utilizando el sitio existente como lienzo, Rigby se centró en conseguir una edición ajustada de materiales naturales y recuperados.
“Hay muchos materiales nuevos en el mercado, pero encontrar aquellos que se produzcan en cantidad y sean aplicables al uso comercial puede ser un desafío”, afirmó.
Se utilizó madera de plátano de Londres, recolectada de “árboles enfermos y afectados por tormentas” a unas pocas millas de King’s Cross, para formar las particiones que definen las áreas de exhibición y vestuario de la tienda, así como algunos muebles hechos a medida.
El fabricante británico Clayworks mezcló arcillas sin cocer con minerales y pigmentos naturales para crear acabados táctiles de las paredes, mientras que las encimeras de estilo terrazo fueron fabricadas por la empresa galesa Smile Plastics utilizando una mezcla de plásticos reciclados de carcasas de teléfonos móviles y tablas de cortar desechadas.
Como contrapunto definitivo a la masa y severidad del ladrillo, Rigby concibió la idea de un prado interior que serpentea a través de la tienda Lestrange.
La disposición de flores y pastos secos naturales fue realizada por la galardonada diseñadora de jardines Lottie Delamain , integrando una mezcla de especies cuidadosamente elegida para reflejar las fibras comúnmente utilizadas en la confección de prendas de vestir, como el algodón y el lino.
“Queríamos llevar la naturaleza al interior, utilizando plantas vinculadas a la ropa y al mismo tiempo creando un punto de contacto con la materialidad”, dijo Rigby.
La ropa se exhibe en simples rieles de metal blanco y los espaciosos vestidores abiertos cuentan con parlantes que reproducen sonidos del bosque, complementados con discretas luces de pared que proyectan un brillo sutil.
También hay guiños sutiles al diseño japonés en forma de pantallas de lámparas de papel de arroz que flotan a diferentes alturas en toda la tienda.
“Comenzamos con una mezcla de referencias iniciales, una de las cuales fue una casa de té diseñada por Charlotte Perriand”, dijo Rigby.
“Queríamos crear un espacio centrado en los materiales con guiños a materiales naturales, como las luces de papel de arroz, que sentimos que se sumarían al espacio y crearían una sensación de calma y quietud”.
Los proyectos anteriores de Rigby, quien fundó su estudio en 2008, incluyen muebles hechos a medida para un edificio de oficinas renovado de la década de 1920 en Londres, así como los interiores de la Galería Francis de Bath, que se encuentra dentro de una casa georgiana .
Las cocinas con superficies de concreto visto toman protagonismo en este lookbook , que incluye hogares en México, Japón e Irlanda.
El hormigón es un material omnipresente en la arquitectura, pero se utiliza menos en interiores, especialmente en espacios residenciales como las cocinas.
Sin embargo, su durabilidad e impermeabilidad lo convierten en un material de superficie ideal para cocinar y preparar alimentos, mientras que su estética cruda puede crear un telón de fondo sorprendente para cenar y recibir invitados.
Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Otras ediciones recientes exhiben balcones aireados , baños de mármol e interiores de galería.
Casa en Jiyugaoka, Japón, por Airhouse Design Office
Airhouse Design Office creó esta cocina como parte de la renovación de un apartamento para un fanático de la moda en Nagoya, Japón.
Al igual que el resto de la casa, las paredes, el suelo y el techo de la cocina han sido retirados para dejar al descubierto el hormigón que hay debajo. Si bien algunas áreas quedaron con bordes desconchados y yeso, otras se pulieron para lograr un acabado suave.
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Casa H3, Argentina, de Luciano Kruk
Esta cocina y comedor de planta abierta se encuentran en la planta baja de una casa de vacaciones del arquitecto Luciano Kruk en Mar Azul.
Combinando perfectamente con la estructura de hormigón de la casa, cuenta con estanterías geométricas y mostradores de cocina que se extienden desde las paredes y el suelo. Su aspecto industrial se complementa con una lámpara colgante esmaltada y un par de sillas de estructura metálica.
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Casa Alférez, México, de Ludwig Godefroy
En un bosque de pinos en México, el arquitecto Ludwig Godefroy creó una casa brutalista en forma de cubo construida con hormigón fundido in situ.
Esto incluye la cocina, donde las estanterías y las encimeras también son de hormigón. Aquí, sus acabados en bruto se yuxtaponen con delicadas cerámicas y las sillas Wishbone del diseñador danés Hans Wegner , suavizando visualmente el espacio.
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Casa de las Flores, Portugal, de Ezzo
Las encimeras de hormigón de esta cocina hundida sirven como suelo liso para el comedor de Flower House, una vivienda reformada en Oporto .
Los gabinetes con frente de madera se encajan debajo del piso , que se vertió a mano en el lugar y se cubrió con una capa impermeable para darle un aspecto pulido.
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La Casa del Sapo, México, por Espacio 18 Arquitectura
A lo largo de la minimalista Casa del Sapo en la playa de Zapotengo en Oaxaca, el estudio de arquitectura Espacio 18 ha dejado la estructura de concreto sin terminar y expuesta.
En la cocina estilo barra, las paredes marcadas con tableros se combinan con adornos de vidrio y cestas tejidas, mientras que una isla central está rematada con una encimera de madera.
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Casa T, Japón, por Suppose Design Office
Esta cocina de concreto se encuentra entre los espacios habitables deliberadamente oscuros y con forma de cueva en la casa monolítica que Suppose Design Office diseñó para su fundador en Tokio .
Sus paredes y encimeras de hormigón tienen acabados táctiles, que se destacan sobre un fondo de grandes baldosas de piedra y muebles de madera.
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Hollybrook Road, Irlanda, por TOB Architect
El estudio irlandés TOB Architect diseñó esta ampliación de cocina de hormigón para evocar la sensación de “ser un niño bajo una mesa muy robusta”.
Fue moldeado in situ como una forma geométrica con el objetivo de crear una apariencia cavernosa y sin fisuras en el interior. El arquitecto eligió una paleta de materiales sobria de terrazo , nogal y madera Accoya en un esfuerzo por mantener el foco en la textura del hormigón.
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Casa Golf, Argentina, de Luciano Kruk
Otra cocina de hormigón del arquitecto Luciano Kruk se encuentra en Casa Golf, una casa de vacaciones en la costa argentina.
Combinadas con gabinetes negros y conductos extractores, sus superficies de color gris oscuro agregan textura al espacio sin distraer la atención de las vistas exteriores enmarcadas por la variedad de ventanas que bordean el espacio.
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Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Otras ediciones recientes exhiben balcones aireados , baños de mármol e interiores de galería.
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