Bottega Veneta canaliza la sensibilidad del diseño del Véneto en la tienda de Sloane Street
La marca de moda Bottega Veneta ha abierto una tienda en Sloane Street de Londres que se basa en materiales, muebles y técnicas de diseño de la región italiana del Véneto.
Ubicada en la base de un complejo de apartamentos de ladrillo rojo de nueve pisos de la década de 1920, la tienda se encuentra detrás de una fachada blanca con detalles de estilo columna dórica.
Se inauguró como la primera tienda en implementar la visión de Matthieu Blazy para la marca y sus ubicaciones físicas, luego de su nombramiento como director creativo de Bottega Veneta en 2021.
El interior fue diseñado utilizando materiales, muebles y mobiliario asociados con la región del Véneto donde se fundó la marca: la zona noreste de Italia que abarca la tierra entre las montañas Dolomitas y el Mar Adriático y contiene la ciudad de Venecia.
“La identidad de Bottega Veneta no sólo se refleja en los muebles, sino en todo el espacio, creando una atmósfera única y cálida”, dijo Bottega Veneta sobre la tienda.
Al entrar al espacio, los visitantes se encuentran con un interior en gran parte abierto. Está dividido en cuatro grandes volúmenes de madera curvos que se insertaron en el centro de la tienda e introducen una simetría flexible en la división y organización del espacio.
Estos volúmenes de madera están construidos con madera oscura y tienen un diseño multifacético, incorporando elementos salientes y recortes geométricos que están equipados con estanterías para usar como áreas de exhibición para los accesorios y calzado de la marca.
Más allá de dividir sutilmente la planta baja de la tienda en tres áreas distintas, los volúmenes de madera también crean una serie de espacios y habitaciones íntimos escondidos detrás, dentro y entre cada una de sus estructuras adyacentes.
El suelo de la tienda estaba cubierto de terrazo, un material elegido por sus vínculos con Venecia, dijo la marca.
El movimiento del agua informó el diseño del terrazo, que tiene un aspecto oscilante que se logró mediante el uso de cuatro piedras diferentes: Bardiglio, Carrara, Verde Alpi y Grigio Carnico.
Paneles de piedra veteada con persianas enmarcados en un adorno de metal cobrizo se alinean en la parte delantera y trasera de la tienda y brindan profundidad y color adicionales al interior.
Cuando no se utilizan como paneles decorativos, los paneles de lamas más pequeños con marcos de latón también se utilizan como espejos que se pueden girar y girar para reflejar y mirar hacia varias partes de la tienda.
Los sofás y sillones tejidos hacen un guiño a los accesorios y prendas tejidos de Intrecciato por los que la marca se ha hecho conocida. Los muebles fueron construidos con cuero en tonos verde, marrón y negro y combinados con una alfombra verde bosque.
Mesas auxiliares de madera esculpida y muebles duros se encuentran dispersos por todo el interior.
Una escalera, escondida a un lado de la tienda, está revestida con la misma piedra que cubre los pisos y revestida de vidrio y latón para unirla con los accesorios estructurales que se pueden encontrar en todo el interior.
En la semana del diseño de Milán de este año, Bottega Veneta presentó una colaboración con el diseñador italiano Gaetano Pesce en la que diseñó su primer bolso.
Antes de su colaboración en accesorios, Pesce creó un conjunto de resina arremolinado compuesto por 400 sillas personalizadas y un piso multicolor para el desfile Primavera Verano 2023 de Bottega Veneta.
Studio Becky Carter, con sede en Brooklyn, ha utilizado variadas referencias, desde cafeterías Bauhaus hasta personajes de comedia, para los interiores de un bistró en el West Village de Manhattan.
Comedores art déco, arquitectura milanesa de los años 60 y “un ambiente claramente neoyorquino” se evocan en Cecchi’s , el primer establecimiento del veterano maitre d’restaurant Michael Cecchi-Azzolina.
A Studio Becky Carter se le dio control creativo para producir un ambiente que se sintiera distintivamente neoyorquino, pero que también presentaba una desviación de los bistrós típicos.
“Mi estilo es retrofuturista, por lo que tomo fuertes señales de las narrativas de diseño histórico y los procesos a través de la lente de una sociedad futura imaginada”, dijo Carter a Dezeen. “Cuando la gente entre en Cecchi’s, quiero que sientan que han entrado en la exclusividad de la vieja escuela, clandestina y neoyorquina, sólo que esta vez todos están invitados”.
Un punto de partida para el diseño fueron los extravagantes murales del artista Jean-Pierre Villafañe , quien fue contratado al principio del proceso para crear paisajes para las paredes del restaurante.
Sus representaciones “de transporte” de escenas animadas de fiestas ayudaron a conformar la paleta de colores del resto del espacio, una mezcla de rojos, azules y marrones tonales.
Algunas de las figuras danzantes aparecen como personajes de comedia histórica europea, por lo que Carter también buscó influencias en ellos.
Las esferas colocadas dentro de biombos, por ejemplo, recuerdan a las que se encuentran en un traje de Pierrot, una figura del teatro de pantomima francés, mientras que el suelo de mosaico de la entrada está adaptado de los patrones de Arlequín.
“Las esferas bellamente terminadas son tan táctiles”, dijo Carter. “No puedo dejar de tocarlas cada vez que estoy en el restaurante”.
El espacio largo y estrecho planteaba varios desafíos, como la falta de luz natural hacia la parte trasera y grandes columnas estructurales que interrumpían el flujo.
El enfoque de Carter implicó dividir el restaurante en múltiples áreas, demarcadas por columnas revestidas de madera, divisores de persianas y asientos incorporados, todos a diferentes alturas para permitir conexiones visuales entre ellos.
En la entrada, banquetes de cuero verde pistacho ocupan los luminosos nichos de las ventanas, luego el ambiente cambia a un ambiente más oscuro y acogedor a medida que los invitados se aventuran más hacia el interior.
Varios elementos de la versión anterior del espacio como Café Loup se conservaron o renovaron como parte del nuevo diseño, incluida la barra de caoba y las sillas de bistró de mimbre restauradas.
También se salvaron el atril de mármol que sirve como soporte para los anfitriones y una caja registradora cromada, mientras que en el techo se introdujo iluminación checa de los años 70.
Los manteles blancos crean un ambiente clásico de la vieja escuela, mientras que los detalles contemporáneos, como apliques de pared personalizados y el frente de la barra lacado en color burdeos, añaden un toque más informal.
“Michael imaginó que los camareros podrían acercarse una silla y conversar sobre el menú de una manera agradable, y el estilo debía reflejar esto”, dijo Carter.
Un salón privado para fiestas en la parte trasera cuenta con otro mural de Villafañe, así como un techo de color óxido e iluminación de ciencia ficción.
En general, Cecchi’s ofrece una experiencia gastronómica elegante que aún se siente accesible, cálida y no demasiado seria.
Carter fundó su estudio homónimo en 2016 y ha completado una combinación de espacios residenciales y hoteleros en ambas costas.
Otros restaurantes recientemente terminados en los EE.UU. UU. que presentan interiores retrofuturistas incluyen 19 Town , un restaurante chino en Los Ángeles de Jialun Xiong, mientras que las nuevas aperturas en West Village incluyen el Donna , propiedad de los trabajadores, diseñada por Michael Groth.
La startup estadounidense Recompose ha abierto una funeraria en Seattle diseñada por el estudio de arquitectura Olson Kundig , donde los restos humanos se convierten en abono y se convierten en un suelo rico en nutrientes que puede nutrir nueva vida vegetal.
Ubicada en un almacén reformado en el distrito SoDo de la ciudad, la instalación es una de las primeras en hacer uso de una práctica floreciente conocida como reducción orgánica natural, o compostaje humano, que fue legalizada en el estado de Washington en 2019.
En este caso, el cuerpo del difunto se coloca sobre un lecho de materiales vegetales dentro de un recipiente de acero inoxidable , construido específicamente para acelerar el proceso natural de separación.
En el transcurso de 60 días, sus restos se convierten en un metro cúbico de tierra fértil, suficiente para llenar la caja de una camioneta. Luego, los seres queridos pueden llevarse este abono a casa y utilizarlo para nutrir su jardín, plantar árboles en memoria del difunto o donarlo a un área de conservación local.
El objetivo es ofrecer una alternativa menos contaminante a la cremación o el entierro, que genera enormes emisiones y consume muchos recursos, y en su lugar crear una práctica funeraria significativa que permita a las personas retribuir a la naturaleza.
“Los clientes nos han compartido que la idea de que su persona se convierta en tierra es reconfortante”, dijo a Dezeen la fundadora de Recompose, Katrina Spade.
“Hacer crecer nueva vida a partir de esa tierra es algo profundo y el pequeño ritual de plantar, utilizando tierra creada a partir del cuerpo de un ser querido, es muy tangible”.
Las instalaciones insignia de Recompose de 19,500 pies cuadrados en Seattle tienen capacidad para una serie de 31 recipientes de compostaje cilíndricos, apilados dentro de una estructura de acero hexagonal.
Esta construcción vertical ayuda a conservar el espacio en un intento por superar el problema del uso de la tierra asociado con el entierro tradicional y hacer factible el compostaje humano incluso en áreas urbanas densas.
“Se puede pensar en Recompose como el equivalente urbano al entierro natural: devolvernos a la tierra sin requerir mucho terreno”, dijo Spade, un arquitecto capacitado que desarrolló las vasijas como parte de una residencia en el estudio de Olson Kundig en Seattle .
El edificio en sí fue diseñado en colaboración con el estudio de arquitectura para reimaginar la experiencia de estar en una funeraria, haciendo el proceso más transparente e incorporando elementos de la naturaleza en lugar de iconografía religiosa abierta.
En un espíritu de regeneración, se conservó gran parte de la estructura original del almacén. Los cálidos pisos de madera y una pared con plantas dan vida al vestíbulo central, mientras que se insertan tiras de vidrio verde en las paredes para brindar vislumbres del espacio íntimo de la ceremonia más allá.
Aquí, los seres queridos pueden participar en una “ceremonia de inhumación”, similar a un funeral tradicional.
“El Gathering Space tiene ventanas de vidrio de colores desde el piso hasta el techo que dejan entrar la luz, de manera similar a la forma en que la luz se filtra entre los árboles en un bosque”, dijo el director de diseño de Olson Kundig , Alan Maskin.
“De cierto modo, Recompose es una funeraria al revés. Hay una sugerencia de transparencia y apertura sobre la muerte, incluida la capacidad de ver y comprender todo el proceso, que es muy diferente de la experiencia de una funeraria tradicional”.
Durante la ceremonia, un sencillo atril de madera permite a los dos compartir palabras sobre sus seres queridos mientras el cuerpo del difunto se envuelve en una mortaja de algodón y se presenta sobre una cama de color verde oscuro llamada cuna.
Imitando el ritual de arrojar tierra sobre un ataque, los invitados pueden colocar sobre su persona flores y materiales vegetales, que ayudarán a su transformación en tierra.
La funeraria también cuenta con salas dedicadas para aquellos que desean brindar un cuidado más práctico a sus difuntos antes de la ceremonia, bañando el cuerpo o recitando oraciones y canciones.
Al final del servicio, la cuna se mueve a través de un llamado recipiente umbral incrustado en la pared y hacia el invernadero, donde se unirá a los otros recipientes del conjunto.
“Se puso mucho cuidado al considerar la experiencia del cuerpo”, dijo Maskin. “Incluso hay un poco de poesía inscrita en el interior del recipiente de transición utilizado durante las ceremonias”.
“Ese poema no es para los vivos; sólo es visible dentro del recipiente”.
Cada recipiente del conjunto contiene una mezcla de materiales vegetales desarrollados por Recompose que incluye astillas de madera, paja y una planta parecida al trébol llamada alfalfa, con proporciones adaptadas según el cuerpo y el peso de la persona.
En el transcurso de 30 días, los microbios naturales que se encuentran en las plantas y el cuerpo descompondrán los restos, filtrando los olores desagradables y bombeando aire fresco (ya veces humedad) al recipiente, que gira intermitentemente para acelerar el tratamiento. .
Al final de este proceso, los fragmentos de hueso restantes se trituran con un cremador y los implantes médicos se retiran para reciclarlos.
La tierra restante se coloca en un recipiente de curado para que se seque durante otras dos a seis semanas antes de que amigos o familiares puedan recogerla.
A diferencia de la cremación, este proceso no requiere grandes cantidades de energía ni combustibles fósiles, dice Recomponer, mientras que el contenido de carbono en el cuerpo humano se secuestra en el suelo en lugar de liberarse a la atmósfera.
El proceso también prescinde de las grandes cantidades de productos químicos de embalsamamiento y de materiales con elevadas emisiones, como el acero y el hormigón, que se necesitan para los entierros.
En total, el proceso de “transformar el cuerpo de su ser querido en tierra” ahorra alrededor de una tonelada métrica de emisiones de CO2 por persona en comparación con el entierro o la cremación, afirma Recompose.
Desde 2019, varios estados de EE.UU. UU. han seguido los pasos de Washington y han legalizado la reducción orgánica natural; Nueva York se unió a Colorado, Oregón, Vermont y California el mes pasado.
Esto ocurre a medida que la gente es cada vez más consciente del impacto ambiental oculto de la industria del cuidado de la muerte y avanza hacia prácticas funerarias alternativas, desde la cremación líquida hasta las cápsulas funerarias que crecen hasta convertirse en árboles .
“Los miembros de la generación del baby boom han comenzado a experimentar la muerte de sus padres y creo que muchos se preguntan: ¿eso es lo mejor que podemos hacer?”, dijo Spade.
“Pero lo interesante es que no se trata sólo de personas mayores”, añadió.
“Más del 25 por ciento de nuestros miembros de Precompose [plan de pago anticipado] tienen menos de 49 años. Creo que esto se debe a que la crisis climática también ha influido. La gente se pregunta por qué nuestras prácticas funerarias no se han tenido en cuenta en lo que respeta a nuestras emisiones de carbono. huella”.
Recompose planea expandirse a Colorado en 2023 y California en 2027, mientras que la empresa rival Earth Funeral ha puesto su mirada en Oregón .
La fotografía es de Mat Hayward/Getty Images para Recompose a menos que se indique lo contrario.
Se puede hacer más para apoyar a los diseñadores emergentes en Londres, dice Jan Hendzel , quien fue curador de una exposición centrada en el talento emergente en el Festival de Diseño de Londres de este año .
Jan Hendzel Studio fue curador de la exposición 11:11 , que reunió a 11 diseñadores establecidos con 11 diseñadores emergentes, para llamar la atención sobre diseñadores interesantes del sur de Londres.
“Nuestro énfasis estaba en crear una plataforma para apoyar a los creadores emergentes y de base del sur de Londres”, dijo Hendzel a Dezeen.
“Al forjar nuevas relaciones y conectar la industria del diseño establecida con creadores prometedores, 11:11 tiene como objetivo crear un futuro más inclusivo y diverso en el diseño”.
Para la exposición, 11 diseñadores consagrados ( A Rum Fellow , Alison Crowther , Charlotte Kingsnorth , Daniel Schofield , Grain Knot , Jan Hendzel Studio , Martino Gamper , Novocastrian , Sedilia , Simone Brewster , Raw Edges ) mostraron cada uno su trabajo junto a un diseñador emergente. seleccionados de una convocatoria abierta.
Los diseñadores emergentes exhibidos fueron Alice Adler , Carl Koch , Dominic McHenry , Jacob Marks , Mariangel Talamas Leal , Moss, Silje Loa , Söder Studio , Unu Sohn , William Waterhouse y Woojin Joo .
Hendzel cree que eventos como LDF pueden crear un espacio para que los talentos emergentes muestren su trabajo, pero a menudo se centra en diseñadores con formación universitaria.
“La importancia de ofrecer una plataforma al talento emergente, especialmente el de los creativos de nivel local y de base, es ofrecer empoderamiento y demostrar que el diseño es una profesión que puede ofrecer carreras significativas y emocionantes”, dijo.
“Cuando el festival de diseño llega a la ciudad, sí, creo que tenemos plataformas para creativos emergentes; sin embargo, un gran problema es que las ferias de diseño pueden tener costos prohibitivos y a menudo se centran en personas con educación universitaria, lo que por defecto pone la profesión en en el lado más elitista de las cosas”, continuó.
“Si no tienes dinero ni un título, encontrar una plataforma para celebrar tus ideas puede resultar difícil”.
Él cree que LDF y otros pueden hacer más para apoyar a los talentos emergentes y sugiere que proporcionar espacio gratuito para exposiciones e instalaciones sería una forma de hacerlo.
“Los talentos emergentes requieren cuidados, lugares seguros para practicar sus respectivas disciplinas y oportunidades de crecimiento a través de conexiones y colaboraciones con profesionales establecidos para elevar su oficio”, explicó.
“Una gran oportunidad sería encontrar y ofrecer más espacios gratuitos a grupos emergentes, junto con becas y paquetes de apoyo sobre cómo promover su evento y desarrollar su respectivo oficio dentro de un distrito de diseño”.
La exposición, que tiene lugar en la galería Staffordshire St en Peckham, incluye numerosos muebles con sillas diseñadas por Gamper y Leal, así como cajones de Jan Hendzel Studio y Crowther.
La contribución de Sedilia fue una silla enrollable y una otomana enrollable.
La exposición también incluye espejos diseñados por Jan Hendzel Studio, Novocastrian y Kingsnorth, y ropa de Soeder.
También se exhibieron luces de Schofield y Marks.
Otra exposición que mostró el trabajo de diseñadores emergentes en LDF fue Drop02, que contenía trabajos de la incubadora de diseño Atelier100 de IKEA y HM .
Otros proyectos que se exhiben actualmente como parte del festival incluyen un prototipo de sistema de muebles modulares de Zaha Hadid Design y muebles de Andu Masebo elaborados a partir de un automóvil desguazado.
La fotografía es de BJ Deakin Photography.
La exposición 11:11 se llevará a cabo del 16 al 24 de septiembre en la galería Staffordshire St como parte del London Design Festival 2023. Consulte nuestra guía del London Design Festival 2023 en Dezeen Events Guide para obtener información sobre las muchas otras exposiciones, instalaciones y charlas que tendrán lugar a lo largo del semana.
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