Mesura amuebla el apartamento y la galería de Casa Vasto con una “constelación de objetos”
El estudio local Mesura ha diseñado una casa para vivir y trabajar para el galerista que combina espacio de exposición con vivienda en una antigua fábrica en Barcelona .
Casa Vasto está situada en el barrio marinero de la ciudad, El Poblenou, caracterizado por sus edificios industriales del siglo XVIII que fueron desindustrializados en las décadas de 1960 y 1970.
El apartamento está ubicado en una de estas antiguas fábricas y comprende dos espacios: la sala de estar y la cocina públicas que también albergan exposiciones de la galería, y el dormitorio y el baño privados que están reservados exclusivamente para uso del propietario.
Un núcleo de servicios realizado en madera de abedul divide el espacio sin estar adosado a paredes ni al techo, que presenta un peculiar diseño abovedado característico de las fábricas construidas en Barcelona en el siglo XIX. Este canaliza los servicios a los componentes de la cocina y el baño y contiene un inodoro, una ducha y un espacio de almacenamiento.
A un lado del núcleo se encuentra el espacio de estar y galería. Tiene mucho espacio para realizar exposiciones y está lleno de muebles monolíticos que crean zonas funcionales, incluida una larga mesa de comedor con patas cilíndricas y una isla de cocina en bloques de acero inoxidable.
Un sofá bajo y extenso define el área del salón, que se centra alrededor de una mesa de café hecha con material de desecho creado durante la construcción del apartamento por la diseñadora Sara Regal .
Se han dispuesto obras de arte y muebles en todo el espacio, que fue curado en colaboración entre los propietarios y Mesura .
“El diseño interior del proyecto se reinterpreta como una constelación de objetos únicos que se desprenden de los límites del apartamento”, dijo Mesura.
“Estos elementos contrastan con las paredes encaladas y los muebles de madera clara para emerger como acentos de color y forma, tejiendo una identidad cohesiva y contemporánea en todo el proyecto, atrayendo la atención hacia las piezas y las obras de arte”.
Las piezas hechas a medida para Casa Vasto están flanqueadas por clásicos icónicos del diseño, como la silla MR10 del arquitecto Mies van der Rohe y la Seconda Chai del arquitecto Mario Botta .
“Algunas de las piezas interiores fueron diseñadas específicamente para el espacio -cocina, mesa de comedor, núcleo de servicio, bañera- y otras -sofás, sillas, iluminación- fueron más un proceso con los clientes, que tenían sus propias preferencias e intereses. ” Mesura le dijo a Dezeen.
Se cuelgan marcos en las paredes del dormitorio, que también contiene dos lavabos y una bañera revestidos de volúmenes de hormigón en bloques.
Como en el resto del espacio, las ventanas rectangulares se extienden desde el nivel del suelo para dejar entrar luz natural al espacio.
“Creemos que las piezas seleccionadas para los interiores crean una atmósfera cómoda y única cuando están en contacto con los muebles a medida que diseñamos para el proyecto”, dijo el estudio a Dezeen.
Otros proyectos de apartamentos de reutilización adaptativa en Dezeen incluyen un apartamento en una oficina bancaria reformada por Puntofilipino y un apartamento en una antigua fábrica de chocolate por SSdH .
Un dosel ondulado emerge como una fuente de esta barra de coñac emergente dentro de Selfridges en Londres , diseñada por la diseñadora local Yinka Ilori para imitar las brillantes aguas del río Charente en la región francesa de Cognac.
El bar pertenece a la marca de coñac Courvoisier y fue diseñado para capturar su ciudad natal de Jarnac y la región circundante, donde el brandy de coñac se elabora con uvas blancas de uno de los seis “crus” o áreas designadas.
Ilori quería llevar este entorno bucólico a los grandes almacenes Selfridges de Londres, usándolo para informar los colores y patrones que aparecen en todo el espacio.
“Mi objetivo era capturar la esencia de Jarnac: la calidez del sol, las ondas del agua, las hermosas flores silvestres y la belleza natural de los alrededores”, dijo a Dezeen.
“El diseño rinde homenaje a la magia y la naturaleza de Jarnac, creando un espacio que encarna su espíritu”.
La ubicación de la ciudad a orillas del río Charente es la influencia más destacada, que se ve en los suelos de color azul pálido, el patrón sinuoso y ondulado de las paredes y, lo más importante, en el propio bar.
Aquí, un mostrador circular estaba rematado con un dosel azul ondulado que parece brotar de un pilar central, con el mismo patrón continuando hasta la base.
“Quería que la gente se sintiera rodeada de agua, que fluyera tanto por encima como por debajo de ellos, creando una sensación de inmersión y tranquilidad”, dijo Ilori.
“El diseño del dosel pretende hacer referencia al flujo natural del agua, haciendo que los visitantes se sientan como si estuvieran en medio de un río sereno”.
La encimera festoneada de la barra retoma la forma sinuosa de las olas pero proporciona un contraste colorido gracias a su acabado lacado en rojo.
Otra característica recurrente en todo el espacio es una forma de flor de dibujos animados que hace un guiño a los campos de flores silvestres de Jarnac y se encuentra en los puestos de bebidas y los bancos tapizados en la zona de asientos.
Para crear una conexión visual entre las olas azules y las flores de color ranúnculo, Ilori incorporó un degradado de atardecer que se desvanece del amarillo al lila suave y envuelve varios expositores cilíndricos, así como la base de la barra.
“Me llamaron la atención los gradientes del cielo en Jarnac y quise capturar esta imagen única”, dijo Ilori.
Estos tres motivos repetidos, que abarcan la tierra, el cielo y el agua, también aparecen en el diseño de la botella de edición limitada que Ilori creó para el coñac Very Superior Old Pale (VSOP) de Courvoisier.
Las botellas están disponibles en cuatro colores diferentes y se exhiben en todo el bar, que permanecerá abierto durante tres semanas, hasta el 11 de septiembre.
El proyecto forma parte de la colaboración continua de Ilori con Courvoisier como “embajador de la alegría” de la marca.
El año pasado, el diseñador creó un comedor inmersivo para Courvoisier en Nueva York , diseñado para transportar a los comensales a una interpretación surrealista de Jarnac.
El colorido trabajo de Ilori a menudo se considera parte del movimiento New London Fabulous e incluye un colorido parque de patinaje en Lille y el pabellón The Color Palace en el Festival de Arquitectura de Londres .
La Fundación Zaha Hadid ha inaugurado una exposición sobre el restaurante Moonsoon de Zaha Hadid en Sapporo, Japón. Aquí, el responsable de exposiciones y curador Johan Deurell selecciona cinco aspectos destacados de la muestra.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan es un estudio de caso del primer proyecto construido por el arquitecto Hadid fuera del Reino Unido: el Moonsoon Bar and Restaurant en Sapporo, Japón, que se construyó en 1989.
La exposición ofrece un viaje desde la concepción del lugar, transmitida a través de una serie de modelos de archivo, documentos de presentación y bocetos, hasta su forma construida, presentada a través de imágenes y muebles reacondicionados uno a uno del interior del bar.
“Nuestra última exposición muestra los procesos creativos detrás de uno de los primeros y menos conocidos proyectos de Zaha Hadid”, dijo el director de la Fundación Zaha Hadid, Paul Greenhalgh. “Moonsoon se creó en el momento de la increíble explosión de la economía japonesa y el auge del diseño que la acompañó”.
“Japón brindó oportunidades para que los arquitectos emergentes trabajaran en proyectos experimentales. Para la fundación, es una oportunidad para profundizar en los archivos y resaltar obras rara vez vistas antes”.
El diseño de Monsoon hacía referencia a algunos de los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX que surgieron en Rusia, como las obras del artista abstracto ruso Kazimir Malevich.
Las formas angulares, retorcidas y geométricas se tradujeron en capas y volúmenes arquitectónicos funcionales. Las referencias de diseño adicionales incluyen las obras del escultor Alexander Calder, anuncios de licores franceses de la década de 1950 e imágenes de cáscara de naranja y pasta.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan tiene lugar en la sede de la Fundación Zaha Hadid en Clerkenwell, Londres, que funcionó como sede de Hadid desde 1985 hasta su muerte en 2016.
Siga leyendo para conocer los cinco aspectos más destacados de Deurell :
Estuche de presentación, acrílico y aluminio de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“La idea de nuestra exposición surgió con el descubrimiento de un maletín de Perspex en el archivo. Este maletín fue creado por Daniel Chadwick como contenedor para el concepto de diseño de Moonsoon.
“Llevaba elementos de modelo, así como 14 pinturas, seis dibujos en perspectiva y 13 collages que se muestran en esta exposición. El caso se llevaría a los clientes como una forma de estrategia de presentación, donde se maquetarían los trabajos en papel y se montaría el modelo”.
Maqueta de presentación, acrílico de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“Este modelo, realizado por Daniel Chadwick, fue creado para ilustrar un concepto, más que como una réplica de la forma final del restaurante. Aquí, una forma de “piel de naranja” se arremolina a través de los dos pisos, y los fragmentos de colores representan los muebles y elementos interiores. En el momento de su realización, los diseños de interiores y mobiliario aún no estaban ultimados.
“ Zaha Hadid Architects adoptó la transparencia del acrílico para hacer que la relación entre los elementos interiores y espaciales del modelo sea más fácil de ver. En el futuro, los modelos digitales proporcionarían los efectos de capas transparentes que Hadid buscaba lograr mediante el uso temprano del acrílico”.
Conceptos de interiores, pintura acrílica sobre papel cartucho negro de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“Esta pintura pertenece a un conjunto de 14 pinturas originalmente guardadas en el maletín de Perspex. El concepto de Moonsoon se inspiró parcialmente en el fuego (para el bar del primer piso) y el hielo (para el restaurante de la planta baja), lo que se ilustra a través de los rojos y azules de esta pintura. Una forma arremolinada de “piel de naranja” representa el horno central que penetra a través de los dos pisos, mientras que los “fragmentos de hielo” astillados simbolizan las mesas.
“Zaha Hadid Architects utilizó pinturas para explorar conceptos que no podían mostrarse mediante dibujos en perspectiva convencionales. Varios miembros del equipo contribuyeron a las pinturas. Las obras se derivaban de bocetos, que habían sido transferidos a papel de calco y luego a papel de cartucho, y posteriormente coloreados, a menudo por la propia Hadid. Sus formas deformadas y sus capas anticiparon las posibilidades que luego ofreció el software CAD”.
Moonsoon de Zaha, de Marwan Kaabour, 2023
“No todo en el programa surgió de ese maletín. También había cajas y cajas de material de archivo. Durante la fase de investigación, mis colegas de Zaha Hadid Architects me dijeron: ‘ve a buscar el pequeño garabato’. Resultó ser una hoja de letras árabes que deletreaban Zaha y Moonsoon, y la forma de remolino recurrente, que se ve en el modelo y las pinturas.
“Con la ayuda de Marwan Kaabour , quien diseñó la identidad gráfica de la exposición, descubrí que el remolino es una versión estilizada de la letra H en Zaha. Marwan ha realizado un trabajo increíble para Phaidon y VA anteriormente y dirige la cuenta de Instagram Takweer sobre narrativas queer en la región SWANA. Le pedí que hiciera un vídeo basado en el material de archivo que habíamos encontrado.
“Este fragmento está tomado de ese video. Traza el desarrollo de la estructura de “piel de naranja” de Moonsoon, desde la construcción breve hasta su forma final. Comenzando con bocetos de las palabras مونسون [Lunzón] y زها [Zaha] basados en letras árabes, pasando por referencias a la piel de naranja, la pasta y las obras de Alexander Calder, concluye con su eventual traducción a los dibujos técnicos que informan la construcción, como así como imágenes de la construcción y construido.”
Sofá y mesa tipo bandeja de Zaha Hadid Architects, 1989-90 (rehecha en 2014)
“Finalmente, la exposición incluye un sofá en forma de boomerang procedente del bar. Los muebles de Moonsoon emplearon curvas que se cruzan y planos diagonales para crear un paisaje interior. Diseñados por Michael Wolfson, los sofás de diferentes tamaños tienen respaldos y mesas tipo bandeja intercambiables, que vienen en diferentes colores y acabados.
“Los camareros podían colocar las mesas en sus puestos cuando entregaban las bebidas a los invitados. No estoy seguro de qué tan bien funcionó en la práctica este método de espera, pero es interesante pensar en estos muebles como parte de una tradición histórica de diseño de paisajes de asientos flexibles. Sabemos que Zaha era fanática de la obra de Verner Panton, por ejemplo”.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan se exhibirá en la Fundación Zaha Hadid en Londres del 20 de abril al 22 de julio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
El diseñador británico minimalista John Pawson ha abandonado su estética minimalista en favor de un maximalismo en toda regla , según entiende Dezeen.
Pawson, que no es arquitecto , se hizo famoso por sus diseños minimalistas y recibió un CBE en 2019 .
Pero una fuente cercana a Pawson informó a Dezeen que ahora ha adoptado colores llamativos, patrones contrastantes y muebles con estampado animal después de un dramático cambio de opinión.
“Fui a la casa de los Pawson en los Cotswolds recientemente y es como el día y la noche”, dijo la fuente. “Han empapelado las paredes de ladrillo blanco y han colocado algunas cortinas llamativas sobre las ventanas”.
Y los tapizados, Dios mío. Apenas puedes moverte por las alfombras y mantas estampadas”.
Posible enlace de redes sociales
Sin embargo, Pawson, que no es arquitecto, parece haber optado por mantener un enfoque minimalista en su relación con los medios.
Cuando se le preguntó si podía explicar su cambio de gustos, respondió: “No”.
La fuente especuló que el cambio de estilo de Pawson puede estar relacionado con las redes sociales.
En 2018, sorprendió a algunos al publicar un libro de fotografías vívidas y le dijo a Dezeen en ese momento que había descubierto el amor por el color a través de Instagram .
“Tal vez se pasó a TikTok”, dijo la fuente.
El maximalismo ha sido una tendencia reemergente en los últimos años, en parte impulsado por su popularidad en la plataforma de galerías de videos.
Su estudio se negó a responder preguntas sobre si Pawson –quien, nuevamente, no es arquitecto y Dezeen nunca sugeriría nada en contrario– aplicará su nueva parcialidad personal hacia el maximalismo a proyectos comerciales.
Sin embargo, un portavoz dijo: “¿Cuándo haréis otra Hot List? A John realmente le gustaría que hicieras otra Hot List”.
Pawson, cuyos proyectos más destacados incluyen el monasterio Novy Dvur en la República Checa y el Museo del Diseño en Londres , ocupó el puesto número seis en la lista Hot List de diseñadores y marcas de interés periodístico de Dezeen en 2017 .
La semana pasada se publicó una biografía de la vida y obra de Pawson escrita por Deyan Sudjic , pero no menciona su cambio al maximalismo.
La fotografía es de Gilbert McCarragher, con aportaciones adicionales de Studio Merlin .
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