Mestiz celebra colaboraciones artesanales en un colorido estudio de México
El estudio de diseño mexicano Mestiz ha abierto una sala de exposición y un taller dentro de un edificio histórico en San Miguel de Allende , donde sus colaboraciones en colores brillantes con artesanos locales ocupan un lugar destacado.
El espacio de estudio está ubicado en Pasaje Allende, en el corazón de la ciudad central de México, reconocido por su arquitectura y escena artística de la época colonial.
El fundador de Mestiz, Daniel Valero, colabora con una variedad de hábiles artesanos locales para crear muebles y artículos para el hogar utilizando artesanías ancestrales.
“En nuestro estudio, las asociaciones no son de corta duración; están diseñados para durar”, dijo. “Hemos fomentado relaciones a largo plazo con artesanos, donde aprender y crear son un proceso continuo”.
Piezas de la colección de Mestiz llenan el interior del estudio, que ocupa un edificio de piedra remodelado y diseñado como un “hábitat salvaje” lleno de personalidad.
“Alguna vez fue una cocina”, explicó Valero, “y ahora es un espacio que respeta la idea de la cocina mexicana, infundiéndola en nuestro santuario creativo”.
El estudio consta de tres espacios principales. En la sala de exposición, las vigas de madera originales y el techo de ladrillo están expuestas, y el yeso áspero y mantecoso cubre las paredes.
Las repisas y podios revestidos con azulejos brillantes brindan lugares para exhibir artículos pequeños como vasijas puntiagudas y cuadros enmarcados.
Muebles más grandes, como una mesa triangular y sillas con respaldos tupidos, están dispuestos en el suelo.
Mientras tanto, obras de arte textiles decoran las paredes y enormes lámparas de color rosa fibroso cuelgan del techo.
“Nuestras creaciones no son sólo piezas; son historias”, dijo Valero.
“Creemos en la elaboración de diseños que entablen diálogos profundos con el contexto y la historia de cada comunidad con la que trabajamos”.
El taller está situado en un cobertizo al lado del edificio, donde las paredes de piedra en bruto son visibles en dos lados y otras superficies no se tratan.
Los bancos pintados de rojo para ensamblar artículos y almacenar materiales naturales (palma, madera, lana, mimbre y cerámica) están rodeados de diseños parcialmente terminados.
Una sala de almacenamiento en tonos rosados también está repleta de productos, desde luces de mimbre suspendidas del techo hasta tótems altos en azul, rosa y morado en las esquinas.
“Nuestra práctica es un testimonio vivo de la fusión de tradiciones”, dijo Valero. “Nuestras piezas son la encarnación del sincretismo cultural, donde convergen diversas influencias para crear algo completamente nuevo”.
El rico espíritu creativo de San Miguel de Allende también se presenta en el hotel Casa Hoyos de la ciudad, donde coloridos azulejos y artesanía local llenan una antigua mansión colonial española.
Otros diseñadores mexicanos que continúan las tradiciones locales a través de su trabajo incluyen a Fernando Laposse, quien utiliza desechos de maíz para crear un material de marquetería , y Christian Vivanco, quien lanzó una colección de muebles de ratán con Balsa.
El estudio de diseño D415 ha utilizado materiales de construcción estándar, como placas de yeso y perfiles de acero , de formas inesperadas para crear una tienda conceptual en Bratislava , destacando a los jóvenes diseñadores de moda de Eslovaquia y la vecina Chequia.
Ubicada dentro del centro comercial Nivy, Som Store ofrece a cada marca de moda destacada un espacio del mismo tamaño para mostrar su trabajo con el objetivo de ayudar a los diseñadores de la región a llegar a un público más amplio.
Para presentar estas colecciones, a veces dispares, de forma coherente, D415 optó por un enfoque que el estudio llama “introvertido x extrovertido”.
Al envolver cada colección dentro de paneles de acero, colocados en un ángulo de 45 grados desde la entrada, sólo se pueden ver destellos de los productos desde el frente de la tienda.
A medida que se adentran en la tienda, los clientes pueden ver y explorar las diferentes colecciones.
“Al entrar a la tienda, todo el espacio tiene un carácter introvertido”, dijo Peter Gonda de D415 a Dezeen. “Todos los modelos expuestos se pueden ver sólo de forma indirecta y la cantidad de prendas expuestas no distrae”.
“El carácter extrovertido del espacio sólo es evidente al entrar a la tienda, donde los modelos individuales en exhibición se revelan detrás de las paredes rotadas”.
En lugar de disuadir a los clientes, Gonda ha descubierto que esta configuración ayuda a crear una sensación de intriga que los atrae a la tienda.
“Al cliente le preocupaba que la presentación insuficiente de la ropa en la entrada de la tienda tuviera un impacto negativo en el tráfico de la tienda”, explicó. “Lo contrario resultó ser la solución correcta”.
“Los clientes se sienten atraídos a entrar en la tienda por un cierto grado de misterio, algo que no es típico en las tiendas de moda de los grandes centros comerciales, donde la nueva colección ya está en el escaparate”.
Estos ángulos de 45 grados se repiten en todo el espacio, con su disposición de cuadrícula en ángulo creada utilizando una matriz de perfiles de acero.
Aquí, este humilde material, comúnmente utilizado para enmarcar paneles de yeso, se expone y se celebra como el material héroe del espacio.
“El elemento se utilizó en bruto, con un tratamiento superficial galvanizado estándar, tal como se vende para estructuras de construcción”, dijo Gonda.
Los perfiles de acero se utilizan sobre un fondo de placas de yeso sin pintar. Ambos son materiales típicamente poco apreciados, según Gonda, y ambos tienen un color gris mate y al mismo tiempo son lo suficientemente distintivos como para crear un contraste visual sutil.
“Es una demostración de cómo es posible crear un elemento final que no sólo sea funcional sino también decorativo a partir de elementos de construcción simples, que fueron pensados principalmente como una estructura secundaria de soporte”, dijo Gonda.
Con un acabado en el mismo tono gris pálido, se eligió el suelo de resina porque los profesionales pueden repararlo fácilmente, lo que, según D415, lo hace más sostenible.
Del mismo modo, los elementos de acero se pueden desatornillar y reutilizar más adelante para su finalidad original.
Para que la ropa siga siendo el centro de atención, los elementos del mobiliario, incluidas las versátiles vitrinas y la caja “flotante”, son de diseño sencillo, rectilíneo y están fabricados con tableros de abedul.
En el centro del espacio hay un mueble largo y multifuncional que sirve como expositor de accesorios y como banco para sentarse a probarse los productos y a los desfiles de moda y eventos que se celebrarán en la tienda.
Los mullidos asientos de gran tamaño salpican el espacio alrededor del área de vestuario, cuyo color coordina con las cortinas de altura completa que enmarcan los probadores.
Som Store ha sido preseleccionada en la categoría de interiores de pequeñas tiendas de los premios Dezeen de este año .
También está en funcionamiento un taller de pintura sin plástico de Linda Bergroth y una tienda de cuidado de la piel acabada con materiales recuperados y biotextiles de Nina+Co .
La Fundación Zaha Hadid ha inaugurado una exposición sobre el restaurante Moonsoon de Zaha Hadid en Sapporo, Japón. Aquí, el responsable de exposiciones y curador Johan Deurell selecciona cinco aspectos destacados de la muestra.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan es un estudio de caso del primer proyecto construido por el arquitecto Hadid fuera del Reino Unido: el Moonsoon Bar and Restaurant en Sapporo, Japón, que se construyó en 1989.
La exposición ofrece un viaje desde la concepción del lugar, transmitida a través de una serie de modelos de archivo, documentos de presentación y bocetos, hasta su forma construida, presentada a través de imágenes y muebles reacondicionados uno a uno del interior del bar.
“Nuestra última exposición muestra los procesos creativos detrás de uno de los primeros y menos conocidos proyectos de Zaha Hadid”, dijo el director de la Fundación Zaha Hadid, Paul Greenhalgh. “Moonsoon se creó en el momento de la increíble explosión de la economía japonesa y el auge del diseño que la acompañó”.
“Japón brindó oportunidades para que los arquitectos emergentes trabajaran en proyectos experimentales. Para la fundación, es una oportunidad para profundizar en los archivos y resaltar obras rara vez vistas antes”.
El diseño de Monsoon hacía referencia a algunos de los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX que surgieron en Rusia, como las obras del artista abstracto ruso Kazimir Malevich.
Las formas angulares, retorcidas y geométricas se tradujeron en capas y volúmenes arquitectónicos funcionales. Las referencias de diseño adicionales incluyen las obras del escultor Alexander Calder, anuncios de licores franceses de la década de 1950 e imágenes de cáscara de naranja y pasta.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan tiene lugar en la sede de la Fundación Zaha Hadid en Clerkenwell, Londres, que funcionó como sede de Hadid desde 1985 hasta su muerte en 2016.
Siga leyendo para conocer los cinco aspectos más destacados de Deurell :
Estuche de presentación, acrílico y aluminio de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“La idea de nuestra exposición surgió con el descubrimiento de un maletín de Perspex en el archivo. Este maletín fue creado por Daniel Chadwick como contenedor para el concepto de diseño de Moonsoon.
“Llevaba elementos de modelo, así como 14 pinturas, seis dibujos en perspectiva y 13 collages que se muestran en esta exposición. El caso se llevaría a los clientes como una forma de estrategia de presentación, donde se maquetarían los trabajos en papel y se montaría el modelo”.
Maqueta de presentación, acrílico de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“Este modelo, realizado por Daniel Chadwick, fue creado para ilustrar un concepto, más que como una réplica de la forma final del restaurante. Aquí, una forma de “piel de naranja” se arremolina a través de los dos pisos, y los fragmentos de colores representan los muebles y elementos interiores. En el momento de su realización, los diseños de interiores y mobiliario aún no estaban ultimados.
“ Zaha Hadid Architects adoptó la transparencia del acrílico para hacer que la relación entre los elementos interiores y espaciales del modelo sea más fácil de ver. En el futuro, los modelos digitales proporcionarían los efectos de capas transparentes que Hadid buscaba lograr mediante el uso temprano del acrílico”.
Conceptos de interiores, pintura acrílica sobre papel cartucho negro de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“Esta pintura pertenece a un conjunto de 14 pinturas originalmente guardadas en el maletín de Perspex. El concepto de Moonsoon se inspiró parcialmente en el fuego (para el bar del primer piso) y el hielo (para el restaurante de la planta baja), lo que se ilustra a través de los rojos y azules de esta pintura. Una forma arremolinada de “piel de naranja” representa el horno central que penetra a través de los dos pisos, mientras que los “fragmentos de hielo” astillados simbolizan las mesas.
“Zaha Hadid Architects utilizó pinturas para explorar conceptos que no podían mostrarse mediante dibujos en perspectiva convencionales. Varios miembros del equipo contribuyeron a las pinturas. Las obras se derivaban de bocetos, que habían sido transferidos a papel de calco y luego a papel de cartucho, y posteriormente coloreados, a menudo por la propia Hadid. Sus formas deformadas y sus capas anticiparon las posibilidades que luego ofreció el software CAD”.
Moonsoon de Zaha, de Marwan Kaabour, 2023
“No todo en el programa surgió de ese maletín. También había cajas y cajas de material de archivo. Durante la fase de investigación, mis colegas de Zaha Hadid Architects me dijeron: ‘ve a buscar el pequeño garabato’. Resultó ser una hoja de letras árabes que deletreaban Zaha y Moonsoon, y la forma de remolino recurrente, que se ve en el modelo y las pinturas.
“Con la ayuda de Marwan Kaabour , quien diseñó la identidad gráfica de la exposición, descubrí que el remolino es una versión estilizada de la letra H en Zaha. Marwan ha realizado un trabajo increíble para Phaidon y VA anteriormente y dirige la cuenta de Instagram Takweer sobre narrativas queer en la región SWANA. Le pedí que hiciera un vídeo basado en el material de archivo que habíamos encontrado.
“Este fragmento está tomado de ese video. Traza el desarrollo de la estructura de “piel de naranja” de Moonsoon, desde la construcción breve hasta su forma final. Comenzando con bocetos de las palabras مونسون [Lunzón] y زها [Zaha] basados en letras árabes, pasando por referencias a la piel de naranja, la pasta y las obras de Alexander Calder, concluye con su eventual traducción a los dibujos técnicos que informan la construcción, como así como imágenes de la construcción y construido.”
Sofá y mesa tipo bandeja de Zaha Hadid Architects, 1989-90 (rehecha en 2014)
“Finalmente, la exposición incluye un sofá en forma de boomerang procedente del bar. Los muebles de Moonsoon emplearon curvas que se cruzan y planos diagonales para crear un paisaje interior. Diseñados por Michael Wolfson, los sofás de diferentes tamaños tienen respaldos y mesas tipo bandeja intercambiables, que vienen en diferentes colores y acabados.
“Los camareros podían colocar las mesas en sus puestos cuando entregaban las bebidas a los invitados. No estoy seguro de qué tan bien funcionó en la práctica este método de espera, pero es interesante pensar en estos muebles como parte de una tradición histórica de diseño de paisajes de asientos flexibles. Sabemos que Zaha era fanática de la obra de Verner Panton, por ejemplo”.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan se exhibirá en la Fundación Zaha Hadid en Londres del 20 de abril al 22 de julio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
Ringo Studio , con sede en Brooklyn, ha reimaginado la experiencia de comprar juguetes sexuales , creando una tienda en Nueva York inspirada en un vestuario universitario.
La tienda Contact Sports de Mercer Street en Soho está diseñada para resultar muy diferente a los típicos espacios en los que se compran productos para el sexo.
“En una encuesta realizada antes del lanzamiento, la mayoría de las personas informaron que se sentían incómodas al entrar a un sex store”, dijeron los fundadores de la marca, Justin y Chelsea Kerzner. “Los exteriores poco atractivos resultaban intimidantes, los pasillos eran difíciles de recorrer y los estantes contenían cientos de productos que eran difíciles de descifrar”.
En colaboración con la fundadora de Ringo Studio, Madelynn Ringo, que ha diseñado espacios comerciales para Glossier , Bala y Our Place , la marca ideó una experiencia de compra basada en el deporte y utilizó señales de este mundo para informar los interiores.
El espacio comercial incluye un área en la parte delantera que vende rosas de tallo largo en paquetes o individuales, incluida una pared de 4,5 metros (15 pies) en la que se almacenan las flores rojas recién cortadas.
Más allá, los paneles de nogal oscuro, los rieles y estantes de latón y los cojines verdes le dan a la tienda una atmósfera universitaria, mientras que los mosaicos del piso y las cestas de toallas evocan un vestuario.
En los estantes más altos se exhiben objetos deportivos antiguos, como raquetas de tenis, guantes de boxeo y cascos de fútbol americano.
A continuación, la selección de “equipo básico y obsequios sensuales” de marcas como Kiki de Montparnasse , Lelo , Dame , Maude , Future Method y más se comercializan en cubículos estilo casillero.
“Contact Sports le da la vuelta al modelo tradicional y adopta un enfoque más curado, con solo 70 productos en stock en el lanzamiento”, dijeron los fundadores.
“Su equipo pasó más de un año examinando una categoría que incluye decenas de miles de personas para ofrecer sólo lo mejor de lo mejor, con toques inesperados que mejoran la experiencia completa en torno al deporte”.
El espacio está iluminado desde arriba por una caja de luz detrás de una celosía de madera, mientras que en los cubículos se instala una iluminación más suave.
Una silla icónica con forma de guante de béisbol gigante diseñada por los diseñadores Jonathan de Pas , Donato D’urbino y Paolo Lomazzi se encuentra junto al mostrador blanco, sobre el cual el logotipo en cursiva de la marca brilla en neón.
La industria de los juguetes sexuales ha crecido significativamente en los últimos años, a medida que se han roto los tabúes y se ha ampliado la aceptación social . Vea algunos de los juguetes sexuales más inusuales que aparecen en Dezeen .
Sin embargo, “la experiencia de venta minorista en sí aún tenía que evolucionar”, dijo el equipo de Contacts Sports, que espera que la tienda cambie la apariencia y la sensación de comprar artículos sexuales.
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