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Cientos de millas de balas de cañón, ladrillos Lego donados y un rollo de papel higiénico de mármol aparecen en Making Sense, la primera exposición centrada en el diseño del artista chino Ai Weiwei en el Museo del Diseño de Londres.

Ai Weiwei: Making Sense, que muestra una variedad de obras nuevas e históricas repartidas en una sola galería, se inaugura en el Museo del Diseño este viernes y marca la primera exposición del artista centrada en el diseño hasta la fecha.

“Tuve que hacer algo después de la pandemia para celebrar cómo transcurre la vida”, explicó Ai , mundialmente reconocido por utilizar el arte como herramienta de activismo.

En el centro del espacio se encuentran cinco “obras de campo” hechas a partir de disposiciones rectilíneas de objetos encontrados que el artista ha estado coleccionando desde la década de 1990.

Still Life es un grupo de varios miles de cabezas de hacha, cuchillos, ruecas y cinceles de la Edad de Piedra procedentes de mercadillos y colocados uno al lado del otro. La instalación pretende humillar a los visitantes y servir como recordatorio de que el diseño se basó originalmente en la supervivencia.

Otra obra sin título creada el año pasado reúne más de 200.000 balas de cañón de porcelana Xing fabricadas durante la dinastía Song de China, objetos aparentemente delicados que alguna vez fueron armas de guerra.

“Es una cuestión de inteligencia”, dijo Ai a Dezeen, refiriéndose a su larga trayectoria en la recolección de artefactos.

“Se trata de conservar la memoria y tratar de construir uno mismo a partir de lo que les ha sucedido a otros seres humanos en momentos muy diferentes a lo largo de la historia”.

Spouts es una instalación de miles de antiguas teteras de porcelana, mientras que Left Right Studio Material recopila fragmentos de las esculturas de Ai que fueron destruidas por el estado chino cuando demolió el estudio del artista en Beijing sin previo aviso en 2018.

“Los restos son una forma de evidencia de la represión que Ai ha sufrido a manos del gobierno chino, así como un testimonio de su capacidad para convertir la destrucción en arte”, dijo el Museo del Diseño.

El quinto “trabajo de campo” presenta montones de ladrillos Lego que fueron donados por miembros del público después de que el fabricante de juguetes dejó de suministrar ladrillos a Ai porque los usamos para crear retratos de prisioneros políticos.

Llamada Lego Incident, la obra se presenta junto con una amplia recreación de la famosa serie de nenúfares del impresionista francés Claude Monet, que también está hecha enteramente de Lego, así como una espectacular escultura de madera hecha de columnas provenientes de un templo de la dinastía. Periodo Qing y mesas del Mismo.

Entre el resto de piezas de la exposición, el artista presentó un par de grandes esculturas realizadas con chalecos salvavidas y mochilas escolares de niños, respectivamente.

Los objetos estaban dispuestos en dos formaciones con forma de serpiente dedicadas a las víctimas del terremoto de Sichuan de 2008 en China y a la actual crisis de refugiados en Europa.

También se exhiben dos rollos de papel higiénico de tamaño natural hechos de mármol y vidrio, que fueron diseñados en 2020 en respuesta a nuestra dependencia de los objetos cotidianos al inicio de la pandemia de coronavirus.

“Trabajan como uno solo”, dijo Ai, quien dijo que no tiene una pieza favorita en la exposición, sino que siente que los proyectos se complementan entre sí.

“Todas mis obras funcionan como una sola: las malas, las llamadas ‘buenas’, las aleatorias o las que están descuidadas”.

“Es como, ¿puedes elegir una parte de tu cuerpo como la más importante?”

También se muestran varias fotografías, incluidas nuevas y coloridas ediciones de la serie Estudio de perspectiva del artista: imágenes del artista señalando con el dedo medio lugares reconocibles como el edificio del Reichstag de Berlín y la Torre Trump de Nueva York.

También se montaron en la pared grabados que mostraban el Estadio Nacional, ampliamente conocido como el Nido de Pájaro, que se estaba construyendo antes de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008.

Si bien el artista ayudó a concebir el estadio en colaboración con el estudio de arquitectura Herzog de Meuron , más tarde se distanció del proyecto en protesta contra el gobierno chino.

“Realmente nunca tengo una esperanza particular”, dijo Ai. “Sólo me concentro en mi propia práctica”, dijo al comentar cómo le gustaría que el público interactuara con la exposición.

“Creo que es una buena idea presentárselo a los demás, ya que las personas pueden compartir el mismo tipo de emociones o conceptos [contigo]. Pero no tengo idea, simplemente no lo sé”.

Otros proyectos recientes contenidos en el extenso portafolio de trabajo político de Ai incluyen una estructura similar a una jaula en Estocolmo y una instalación en la ciudad de Quebec hecha de una pared de chalecos salvavidas que fueron utilizados por refugiados sirios al intentar cruzar el mar Mediterráneo.

La fotografía es de Ed Reeve a menos que se indique lo contrario.

Ai Weiwei: Making Sense se exhibe en el Museo del Diseño de Londres del 7 de abril al 30 de julio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo. .

Gin Design Group, con sede en Houston, ha combinado varias referencias de mediados de siglo en un restaurante local , que celebra la historia familiar de su chef y es “un homenaje a todas las abuelas”.

Ubicado en el centro de negocios The Ion en Midtown Houston, el diseño de The Lymbar estuvo fuertemente influenciado por la educación del chef David Cordúa, cuyo menú se basa en la cocina latino-mediterránea.

El establecimiento de 370 metros cuadrados (4,000 pies cuadrados) lleva el nombre de Lymbar Drive, la calle donde se radicaron los abuelos de Cordúa en Houston provenientes de Nicaragua.

Fue diseñado por Gin Braverman de Gin Design Group , quien fue la niñera del chef en la infancia.

“El Lymbar es la casa de mi abuela”, dijo Cordúa. “La casa permaneció en nuestra familia y es donde perfeccionamos la hospitalidad de nuestra familia”.

“Es un tributo a todas las abuelas”, añadió sobre el restaurante, que pretende ser a la vez elevado y acogedor, logrado a través de una iluminación cálida, cortinas de color rojo intenso y muebles lujosos.

“Queríamos capturar el bullicio del lobby de un hotel, el refinamiento de un club privado y la hospitalidad de la familia Cordúa en el diseño”, dijo Braverman.

“Mezclado con una confluencia de texturas y arte latinoamericano, libanés y mediterráneo superpuestos sobre un fondo de materiales clásicos de mediados de siglo, como maderas cálidas, colores terrosos y exuberante vegetación”.

La paleta de colores para los interiores se extrajo de la casa de la familia Cordúa.

Los tonos naranja, rojo y oliva se utilizaron como punto de partida para un mural pintado en el frente del bar por la artista local Carissa Marx.

Influenciado por el trabajo del modernista brasileño Roberto Burle Marx , sin relación con Carissa, el mural luego informó los tonos elegidos para los muebles estilo salón.

Marx también pintó a mano un patrón festoneado en blanco y negro sobre el piso de concreto.

Otros guiños al diseño de mediados de siglo en el restaurante incluyen las estanterías de la barra principal, que se inspiraron en la Villa Planchart de Gio Pont i en Venezuela.

Los estantes exhiben una colección de objetos nostálgicos y recuerdos de la infancia de Cordúa.

La vegetación se introduce a través de un árbol realista que se encuentra en el centro del comedor y grandes maceteros en forma de globo sobre la barra creados en colaboración con el artista nicaragüense local Vernon Caldera y The Flora Culture .

Caldera también ayudó a curar la colección de arte de The Lymbar, y uno de sus collages cuelga en el comedor.

La cocina abierta del restaurante está enmarcada por una encimera de hormigón y bloques de brisa facetados que incorporan iluminación. También hay un comedor privado decorado íntegramente en un tono rojo violeta.

Gin Design Group se centra en interiores de hostelería principalmente en el área de Houston. El estudio completó recientemente una barbería en el barrio de Southside Place, que presenta un diseño radial y una barra oculta con forma de corcho.

Otros restaurantes que abrieron en la ciudad durante el año pasado incluyen el acogedor lugar japonés Uchiko Houston y el animado ahumadero Loro Heights , ambos diseñados por Michael Hsu.

La fotografía es de Leonid Furmansky .

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