WGNB completa el interior incoloro de la tienda de suministros de golf PXG
El estudio de diseño espacial surcoreano WGNB ha completado una tienda insignia para la marca de golf PXG en Seúl , que presenta una paleta de materiales acromáticos y una pared cubierta de grafito que deja manchas en la ropa de los visitantes.
La tienda está ubicada en el distrito Gangnam de Seúl y fue diseñada por WGNB para hacer referencia al grafito utilizado para producir los palos de golf de PXG .
“En lugar de simplemente aplicar el material a cada plano, estudiamos las características del grafito en sí”, dijo el estudio a Dezeen.
“Es más ligero de lo que parece y es un alótropo del carbono , como el diamante. El grafito transmite calma y humildad. Y, lo más importante, se emborrona”.
WGNB interpretó estas características en las formas minimalistas y los materiales elegidos para las superficies internas y los muebles expositores de la tienda.
En las entradas, los visitantes son recibidos por un bloque de grafito diseñado escultóricamente y una pared cubierta con garabatos de grafito que se transferirán a las manos y la ropa al contacto.
Una serie de volúmenes ortogonales están suspendidos del techo en toda la tienda para definir varias áreas dentro del espacio abierto e incorporar rieles suspendidos para colgar ropa.
Fabricados con listones de acero con recubrimiento en polvo, los volúmenes ayudan a crear una sensación de ligereza y flotabilidad dentro del interior que se ve reforzada aún más por la unidad de exhibición en voladizo en el centro de la tienda.
En el destacado muro multimedia de la tienda se muestra una animación abstracta que se relaciona con el lenguaje visual de la tienda en lugar de imágenes comerciales.
El resumen del proyecto pedía un interior negro acorde con la identidad visual de PXG. En lugar de crear un interior monocromático en blanco y negro, WGNB desarrolló un diseño acromático utilizando tonos de negro y gris.
“Mientras que los materiales monocromáticos se limitan a tonos y matices similares, un esquema acromático descarta el color por completo, dejando solo la materialidad”, dijo el estudio.
“Utilizamos varios materiales acromáticos con texturas y materialidad únicas, creyendo que enfatizarían la idea de arrojar luz sobre la esencia del material”.
La paleta de materiales limitada incluye un acabado de microcemento que se aplicó a paredes y pisos. Estas superficies texturizadas se complementan con pisos de madera, que también se utilizan en algunas de las paredes.
La escalera que conduce al entrepiso está acabada en mármol y acero laminado en frío, mientras que en el piso de arriba, una alfombra gris y muebles tapizados aportan suavidad al espacio.
PXG se acercó a WGNB para diseñar su tienda insignia después de ver algunos de los proyectos anteriores del estudio, incluida la tienda completamente negra que creó para la marca de moda Juun.J en Seúl.
El estudio de diseño espacial se estableció en 2015 y fue nombrado estudio de diseño de interiores emergente del año en los Premios Dezeen 2021 , y los jueces elogiaron su “enfoque interesante y diferente del diseño minorista”.
En este vídeo producido por Dezeen para la casa señorial aparece una exposición en Chatsworth House que incluye diseñadores como Michael Anastassiades , Faye Toogood y Formafantasma .
Llamada Mirror Mirror: Reflexiones sobre el diseño en Chatsworth , la exposición reúne una colección de muebles y objetos exhibidos a lo largo y en respuesta a Chatsworth House y sus jardines.
En total, 16 diseñadores y artistas internacionales crearon piezas que responden a los interiores del edificio.
Algunos respondieron obteniendo materiales de la propia propiedad, mientras que otros se centraron en temas e ideas tomadas de la decoración de los interiores.
“Los diseñadores de la exposición han respondido a Chatsworth de muchas maneras fascinantes”, dijo el cocurador de la exposición Glenn Adamson.
“En todo momento realmente se ve este tipo de conversación entre el presente y el pasado”.
La exposición continúa la historia de 500 años de Chatsworth House trabajando con destacados artistas y diseñadores y recopilando una extensa colección de arte y objetos.
“El nuevo trabajo de un artista puede crear una nueva forma de ver estos espacios”, dijo la directora de Chatsworth House Trust, Jane Marriott.
“Puede capturar su imaginación y, con suerte, inspirarlos a explorar Chatsworth desde una perspectiva diferente”.
La diseñadora británica Toogood se hizo cargo de la capilla de Chatsworth y del Oak Room contiguo. Como un guiño al uso histórico del espacio como lugar de culto y reunión, creó una instalación de muebles monolíticos hechos de bronce y piedra.
Las formas escultóricas fueron diseñadas para evocar estructuras eclesiásticas y reflejar el paisaje local.
“Estos objetos dan una sensación de calma meditativa, una sensación de masividad o monumentalidad que parece apropiada para el espacio”, dijo Adamson.
En los jardines de Chatsworth House se colocaron dos bancos de piedra del diseñador holandés Joris Laarman , hechos de piedra arenisca de origen local, que fue el material utilizado para construir la casa.
Las superficies de los bancos fueron talladas con patrones ondulados en los que se han plantado musgo y líquenes que seguirán creciendo con el tiempo.
Otros objetos de la exposición incluyen un asiento en forma de trono envuelto en cuero hecho con instrumentos musicales de Jay Sae Jung Oh, un gabinete fibroso diseñado por Fernando Laposse y sinuosas esculturas de madera vaporizada del fabricante de muebles irlandés Joseph Walsh.
Otra sección de la exposición, que ocupa la Galería de Esculturas de Chatsworth construida a principios del siglo XIX, presenta piezas del diseñador británico Samuel Ross.
Las piezas de Ross fueron diseñadas para hacer eco de las esculturas circundantes, imitando su forma para invitar a los espectadores a imaginar el cuerpo que se reclinaría sobre ellas. El diseñador ha utilizado una paleta de materiales de piedra y mármol para reflejar aún más las esculturas dentro de la galería.
“Es una especie de colisión del pasado y el presente, de lo artesanal con lo tecnológico, de lo clásico con lo industrial”, dijo Adamson.
“Es un gran ejemplo de cómo el programa en general intenta hablar entre generaciones, a través de siglos”.
Mirror Mirror: Reflections on Design at Chatsworth se exhibe en Chatsworth House en Derbyshire hasta el 1 de octubre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
La fotografía es cortesía de Chatsworth House Trust.
Contenido de la asociación
Este vídeo fue producido por Dezeen para Chatsworth House como parte de una asociación. Obtenga más información sobre el contenido de la asociación de Dezeen aquí .
La Fundación Zaha Hadid ha inaugurado una exposición sobre el restaurante Moonsoon de Zaha Hadid en Sapporo, Japón. Aquí, el responsable de exposiciones y curador Johan Deurell selecciona cinco aspectos destacados de la muestra.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan es un estudio de caso del primer proyecto construido por el arquitecto Hadid fuera del Reino Unido: el Moonsoon Bar and Restaurant en Sapporo, Japón, que se construyó en 1989.
La exposición ofrece un viaje desde la concepción del lugar, transmitida a través de una serie de modelos de archivo, documentos de presentación y bocetos, hasta su forma construida, presentada a través de imágenes y muebles reacondicionados uno a uno del interior del bar.
“Nuestra última exposición muestra los procesos creativos detrás de uno de los primeros y menos conocidos proyectos de Zaha Hadid”, dijo el director de la Fundación Zaha Hadid, Paul Greenhalgh. “Moonsoon se creó en el momento de la increíble explosión de la economía japonesa y el auge del diseño que la acompañó”.
“Japón brindó oportunidades para que los arquitectos emergentes trabajaran en proyectos experimentales. Para la fundación, es una oportunidad para profundizar en los archivos y resaltar obras rara vez vistas antes”.
El diseño de Monsoon hacía referencia a algunos de los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX que surgieron en Rusia, como las obras del artista abstracto ruso Kazimir Malevich.
Las formas angulares, retorcidas y geométricas se tradujeron en capas y volúmenes arquitectónicos funcionales. Las referencias de diseño adicionales incluyen las obras del escultor Alexander Calder, anuncios de licores franceses de la década de 1950 e imágenes de cáscara de naranja y pasta.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan tiene lugar en la sede de la Fundación Zaha Hadid en Clerkenwell, Londres, que funcionó como sede de Hadid desde 1985 hasta su muerte en 2016.
Siga leyendo para conocer los cinco aspectos más destacados de Deurell :
Estuche de presentación, acrílico y aluminio de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“La idea de nuestra exposición surgió con el descubrimiento de un maletín de Perspex en el archivo. Este maletín fue creado por Daniel Chadwick como contenedor para el concepto de diseño de Moonsoon.
“Llevaba elementos de modelo, así como 14 pinturas, seis dibujos en perspectiva y 13 collages que se muestran en esta exposición. El caso se llevaría a los clientes como una forma de estrategia de presentación, donde se maquetarían los trabajos en papel y se montaría el modelo”.
Maqueta de presentación, acrílico de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“Este modelo, realizado por Daniel Chadwick, fue creado para ilustrar un concepto, más que como una réplica de la forma final del restaurante. Aquí, una forma de “piel de naranja” se arremolina a través de los dos pisos, y los fragmentos de colores representan los muebles y elementos interiores. En el momento de su realización, los diseños de interiores y mobiliario aún no estaban ultimados.
“ Zaha Hadid Architects adoptó la transparencia del acrílico para hacer que la relación entre los elementos interiores y espaciales del modelo sea más fácil de ver. En el futuro, los modelos digitales proporcionarían los efectos de capas transparentes que Hadid buscaba lograr mediante el uso temprano del acrílico”.
Conceptos de interiores, pintura acrílica sobre papel cartucho negro de Zaha Hadid Architects, 1989-90
“Esta pintura pertenece a un conjunto de 14 pinturas originalmente guardadas en el maletín de Perspex. El concepto de Moonsoon se inspiró parcialmente en el fuego (para el bar del primer piso) y el hielo (para el restaurante de la planta baja), lo que se ilustra a través de los rojos y azules de esta pintura. Una forma arremolinada de “piel de naranja” representa el horno central que penetra a través de los dos pisos, mientras que los “fragmentos de hielo” astillados simbolizan las mesas.
“Zaha Hadid Architects utilizó pinturas para explorar conceptos que no podían mostrarse mediante dibujos en perspectiva convencionales. Varios miembros del equipo contribuyeron a las pinturas. Las obras se derivaban de bocetos, que habían sido transferidos a papel de calco y luego a papel de cartucho, y posteriormente coloreados, a menudo por la propia Hadid. Sus formas deformadas y sus capas anticiparon las posibilidades que luego ofreció el software CAD”.
Moonsoon de Zaha, de Marwan Kaabour, 2023
“No todo en el programa surgió de ese maletín. También había cajas y cajas de material de archivo. Durante la fase de investigación, mis colegas de Zaha Hadid Architects me dijeron: ‘ve a buscar el pequeño garabato’. Resultó ser una hoja de letras árabes que deletreaban Zaha y Moonsoon, y la forma de remolino recurrente, que se ve en el modelo y las pinturas.
“Con la ayuda de Marwan Kaabour , quien diseñó la identidad gráfica de la exposición, descubrí que el remolino es una versión estilizada de la letra H en Zaha. Marwan ha realizado un trabajo increíble para Phaidon y VA anteriormente y dirige la cuenta de Instagram Takweer sobre narrativas queer en la región SWANA. Le pedí que hiciera un vídeo basado en el material de archivo que habíamos encontrado.
“Este fragmento está tomado de ese video. Traza el desarrollo de la estructura de “piel de naranja” de Moonsoon, desde la construcción breve hasta su forma final. Comenzando con bocetos de las palabras مونسون [Lunzón] y زها [Zaha] basados en letras árabes, pasando por referencias a la piel de naranja, la pasta y las obras de Alexander Calder, concluye con su eventual traducción a los dibujos técnicos que informan la construcción, como así como imágenes de la construcción y construido.”
Sofá y mesa tipo bandeja de Zaha Hadid Architects, 1989-90 (rehecha en 2014)
“Finalmente, la exposición incluye un sofá en forma de boomerang procedente del bar. Los muebles de Moonsoon emplearon curvas que se cruzan y planos diagonales para crear un paisaje interior. Diseñados por Michael Wolfson, los sofás de diferentes tamaños tienen respaldos y mesas tipo bandeja intercambiables, que vienen en diferentes colores y acabados.
“Los camareros podían colocar las mesas en sus puestos cuando entregaban las bebidas a los invitados. No estoy seguro de qué tan bien funcionó en la práctica este método de espera, pero es interesante pensar en estos muebles como parte de una tradición histórica de diseño de paisajes de asientos flexibles. Sabemos que Zaha era fanática de la obra de Verner Panton, por ejemplo”.
Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan se exhibirá en la Fundación Zaha Hadid en Londres del 20 de abril al 22 de julio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
Una iglesia vecina informó la disposición y el diseño de esta pizzería en la Ciudad de México , en la que la arquitecta Sofía Betancur colocó el horno a la vista.
La Pizzeria Della Madonna está ubicada junto a la Parroquia de la Sagrada Familia, una iglesia en el barrio Roma Norte de la ciudad construida en 1910.
“El templo refleja una mezcla de estilos neorrománico, neogótico y ecléctico”, dijo Betancur , quien reside en la Ciudad de México. “Los arcos de medio punto, las columnas corintias y los bancos de madera dispuestos a lo largo de la nave son elementos reinterpretados en la propuesta espacial del proyecto”.
Dentro del espacio en forma de L de 98 metros cuadrados, el horno de pizza está ubicado en el cruce, directamente visible desde las puertas de vidrio del restaurante.
Su escultural forma redondeada está enmarcada por una estructura de acero inoxidable en forma de halo suspendida del techo, proporcionando un estante en el que se pueden colocar pizzas calientes.
Líneas curvas que siguen la forma del horno se trazan en el suelo, así como en el techo en forma de riel de iluminación que se extiende por el espacio.
En todo el restaurante, las paredes de yeso desgastadas crean el efecto de comer en una antigua iglesia italiana.
“El acabado rústico de las paredes deja ver múltiples capas de pintura que reflejan casi un siglo de historia de la casa, que en el pasado albergó viviendas y diferentes proyectos comerciales y minoristas”, dijo el arquitecto.
El comedor en la parte delantera del restaurante está diseñado como una nave, con bancos y mesas de madera a cada lado y un camino en el medio.
“El concepto se complementa con la investigación histórica, pictórica y la simbología de la Virgen María y la arquitectura mariana en Europa, a partir de las cuales se retoman formas, colores, materiales y cualidades espaciales”, afirmó Betancur.
“De esta manera, la propuesta resulta ser un homenaje al estilo neocolonial mexicano y a la arquitectura e iconografía religiosa italiana”.
Hay más asientos ubicados en la rama perpendicular, o transceptor, de la “L”, donde una pared con espejos al final hace que el espacio parezca más grande.
En el área de la cocina, azulejos de cerámica cubren las paredes, mientras que azulejos de terracota de tamaño similar dan forma al frente del mostrador de servicio.
“La fusión de la cocina abierta y la barra con el comedor se traduce en una combinación equilibrada de materiales prácticos y utilitarios propios de las cocinas industriales y materiales cálidos que aportan elegancia y confort”, afirmó Betancur.
Las pizzerías, que sirven una de las comidas más populares del mundo, adoptan muchas formas y estilos en todo el mundo, pero muchas presentan alguna referencia a su país de origen.
En Nueva York, Büro Koray Duman recurrió a la cultura napolitana para los interiores de Simo , mientras que en Dough Pizza en Perth, Ohlo Studio utilizó materiales que evocan la “sofisticación rústica” de Italia.
La fotografía es de Arturo Arrieta .
Créditos del proyecto:
Arquitectura: Sofía Betancur Equipo de diseño: Cesar Ávila G y Sergio Bau. Ingenieros: Leonel Nava Identidad visual: Faena Studio Construcción: Factor Eficiencia Carpintería: Taller Nacional y Solana Estudio Iluminación: Martín Leal
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