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Charcos de alfombra roja se derraman por el suelo de esta boutique de moda femenina diseñada por JUJU Studio en la ciudad de Nueva York .

Para la marca de moda Miss Circle , JUJU Studio , con sede en Nueva York, creó los interiores de su tienda de 242 metros cuadrados (2,600 pies cuadrados) en West Broadway en SoHo.

El espacio tiene una superficie larga y estrecha, por lo que el fundador del estudio, Jing Ju, ideó una variedad de técnicas de exhibición para las prendas femeninas de la marca.

“A diferencia de los típicos espacios minoristas de moda, Sensorial Flagship Store es atractivo y relacionable, animando a los clientes a interactuar con la marca de una manera totalmente estimulante”, dijo el estudio.

La mayoría de las superficies tienen un acabado en yeso beige, lo que proporciona un fondo neutro para momentos más dramáticos.

Estas incluyen áreas donde la alfombra roja aparece desde las paredes en forma fluida y se extiende por el piso para parecer charcos de líquido.

“Las superficies lisas pero duraderas añaden textura e interés visual al espacio, mientras que el tono beige crea una sensación de luminosidad y amplitud”, dijo el estudio.

“Esto ayuda a crear una atmósfera acogedora en el entorno minorista cerrado, donde es probable que los clientes se tomen su tiempo explorando la selección de ropa y accesorios de la tienda”.

En la parte delantera de la tienda, la alfombra también se extiende hasta la pared detrás de un sofá curvilíneo del mismo color y se filtra hasta el techo.

Se puede utilizar un mostrador deslizante para registrar a los invitados durante los eventos o para exhibir accesorios en otros momentos.

“El diseño elegante y minimalista del mostrador complementa la estética general de la tienda y demuestra un uso reflexivo y eficiente del espacio”, dijo el estudio.

A ambos lados de la tienda hay columnatas arqueadas, con nichos iluminados por ensenadas, cada uno de los cuales muestra una selección de diseños de ropa.

Se presentan más conjuntos sobre barandillas cromadas y maniquíes en el centro de este espacio de doble altura, encima del cual se coloca un largo tragaluz.

Hacia la parte trasera de la boutique hay una escalera alfombrada que conduce al entrepiso, donde se encuentran los probadores.

Los muebles de satén rojo, diseñados por Thehighkey , forman una zona de asientos para que los clientes se relajen bajo otro tragaluz, mientras que hay muchos espejos para quienes se prueban las prendas.

“La iluminación cálida se suma a la atmósfera dorada general, y el uso del rojo proporciona una sensación poética y romántica, lo que la convierte en una experiencia verdaderamente cautivadora”, dijo el estudio.

SoHo es reconocido como un destino de compras tanto de moda como de muebles, y siempre aparecen nuevas tiendas en el vecindario.

Las inauguraciones recientes incluyen un buque insignia Khaite con un árbol plantado en el centro, un puesto avanzado para Road to Awe que incluye probadores rojos y una elevada sala de exposición Moroso .

La fotografía es de David Luo y Justin Missner .

Bloques de granito entre parterres se utilizan para exhibir productos de belleza sin plástico en esta tienda de Montreal , diseñados por el estudio de arquitectura local MRDK .

MRDK , también conocido como Ménard Dworkind, diseñó los interiores de la boutique Attitude para reflejar el enfoque sostenible de los cosméticos a la venta.

“Desde el momento en que entras, el diseño del espacio refleja su compromiso con la sostenibilidad y la conexión con la naturaleza”, dijo el estudio.

Situada en la calle Saint Denis, en el barrio de Plateau Mont-Royal, la tienda de 93 metros cuadrados está diseñada para evocar un “viaje a través de la naturaleza”, según MRDK.

Los parterres plantados en el escaparate y alrededor del espacio se desbordan de vegetación, y un suelo de cerámica elevado crea la impresión de atravesar un paseo marítimo entre ellos.

“Este sutil cambio de elevación te transporta inmediatamente a un nuevo espacio, el suelo de un bosque lleno de vida y color”, dijo MRDK.

Se utilizan trozos de granito como pedestales para exhibir productos en la ventana, mientras que un bloque mucho más grande en el centro tiene un par de lavabos tallados en su parte superior plana.

“La forma de roca y la textura de la isla sugieren un elemento natural, como si hubiera sido tallada por las fuerzas de la naturaleza a lo largo del tiempo”, dijo MRDK.

“Esta pieza central complementa perfectamente el tema natural del espacio, brindando a los clientes la sensación de estar en una naturaleza rodeada de formaciones rocosas”.

La mayoría de los productos de Attitude se presentan en estantes de roble blanco que emergen de los parterres de plantas a ambos lados de la tienda.

Suspendidos sobre postes blancos y respaldados por vidrio poroso, estos estantes combinan con el escritorio rectangular del cajero en la parte posterior, en el que está grabado el nombre de la marca.

También hay una estación de recarga que los clientes pueden utilizar para reponer las botellas de aluminio, promoviendo aún más la sostenibilidad.

MRDK fue fundado por los socios Guillaume Ménard y David Dworkind en 2010 y ha completado una amplia variedad de proyectos en Montreal y sus alrededores.

Estos incluyen una pizzería con temática de los años 70 , una colosal brasserie china y un bar de vinos que se inspira en las etiquetas de las botellas , así como una casa renovada de los años 80 y un escondite revestido de cedro .

La fotografía es de David Dworkind .

Créditos del proyecto:

Arquitectura: MRDK
Equipo: David Dworkind, Benjamin Lavoie Laroche
Contratista: Groupe STLC

El minorista sueco IKEA celebró su 80 aniversario en la semana del diseño de Milán con Assembling the Future Together, una exposición inmersiva que traza la historia de la empresa de muebles y aborda su futuro.

Assembling the Future Together tuvo lugar en Padiglione Visconti en Milán y exploró la progresión de la marca desde la década de 1950.

“Toda la exposición trata sobre el pasado, el presente y el futuro”, dijo el diseñador y director creativo de IKEA, Marcus Engman .

“Así que es un poco como contar la historia de los muebles de IKEA, las cosas que hemos hecho y las que haremos aún más”, le dijo a Dezeen en Milán.

Para reflejar esta idea, el espacio se dividió en tres secciones principales. Un área dedicada al pasado presenta diseños de los 80 años de historia de IKEA exhibidos en estanterías blancas geométricas.

Entre las piezas se encontraban muebles de la década de 1970 con telas brillantes y formas atrevidas, que fueron influenciados por el creciente surgimiento de la cultura juvenil durante esta década, según la marca.

También se incluyen muebles horribles infantiles de la serie Mammut de IKEA. La línea se diseñó por primera vez en la década de 1990 y ha seguido siendo popular desde entonces.

Para la presente parte de la exposición, la marca lanzó los primeros productos de su nueva colección Nytillverkad .

Caracterizados por elementos “simples, funcionales y divertidos”, los muebles, ropa de cama y accesorios pretenden rendir homenaje a piezas icónicas de IKEA del pasado en línea con el actual resurgimiento generalizado del interés por los diseños vintage, según la marca.

Si bien la colección hace un guiño a las raíces de IKEA, la marca utilizó materiales contemporáneos para crear las piezas.

“Se trata de poner cosas viejas en una nueva perspectiva”, explicó Engman.

Fotografías contemporáneas a gran escala, que mostraron a miembros del público luciendo la reconocible bolsa de compras Frakta azul y amarilla de IKEA de maneras inesperadas, estaban suspendidas del techo en todo el lugar.

Una imagen mostraba a una novia protegiendo su vestido dentro de uno de los compradores el día de su boda, mientras que otra ha sido adaptada para transportar un perro en el metro de Nueva York.

“Aunque percibimos nuestros productos como ‘listos para diseñar’, la gente los ve más como piezas de Lego con las que jugar”, reconoció el diseñador. “La gente utiliza el bolso Frakta de muchas maneras que no esperábamos”.

El área futura de la exposición presenta cuatro imponentes instalaciones dedicadas a los elementos fuego, agua, tierra y viento, que incluyen un árbol iluminado y dispensadores de humo.

“La parte del futuro consiste en mostrar cómo estamos utilizando el diseño y el desarrollo de productos para impulsar el comportamiento de las personas a hacer algo que sea bueno para las personas y el planeta”, reflexionó Engman.

“También es donde intentamos desafiar a la gente a ser parte de esto, no sólo esperar a que IKEA haga cosas, sino preguntarnos, ¿cómo podemos hacer cosas juntos?”.

“Nos hemos propuesto ser completamente circulares para 2030 , por lo que eso afectará todo lo que hacemos”, continuó.

Diseñada como un espacio inclusivo, “con los pies en la tierra” y abierto a todos, la exposición Reunión muchas otras experiencias, como una zona de cine que muestra retratos tomados por la fotógrafa y primera artista residente de IKEA, Annie Leibovitz, que documentan la “vida real” de las personas en sus hogares.

El proyecto es parte del Informe anual Life at Home de IKEA, donde los miembros del equipo de la marca visitan a las personas en sus espacios habitables y documentan sus hallazgos.

Varias charlas y eventos musicales tuvieron lugar en el espacio a lo largo de la semana junto con una “tienda de discotecas” dedicada y una cafetería IKEA en el lugar que sirve comidas y bebidas de marca.

Según Engman, el objetivo de incorporar música a la exposición era unir a la gente. Comunicar el carácter sagrado del hogar es el núcleo de la exposición de IKEA, dijo el diseñador.

“Esto es algo en lo que tenemos que trabajar constantemente: encontrar nuevas formas de hacer que la gente comprende lo importante que es el hogar”, explicó.

“Quiero decir, los desafíos durante el covid y ahora la crisis del costo de vida han sido donde podemos ayudar aún más”.

“Porque la gente ha tenido que pasar más tiempo en casa, pero ¿cómo podemos hacer que el hogar también sea algo que no sea sólo funcional, sino emocional?” él continuó.

“Así que creo que eso es lo más importante, pero asegurarnos de hacerlo de manera positiva para las personas y el planeta. Porque ese es el único camino a seguir”.

Anteriormente, IKEA donó sus productos y servicios de diseño para crear una serie de centros de apoyo a refugiados dirigidos por las Naciones Unidas en Europa del Este para ofrecer refugio a grupos vulnerables desplazados por la invasión rusa de Ucrania. El laboratorio de investigación de la marca, Space10, desarrolló un concepto para conectar muebles físicos a un árbol NFT en constante evolución.

Assembling the Future Together estuvo expuesto del 18 al 23 de abril de 2023 en Padiglione Visconti, Via Tortona 58, Milán. Consulta nuestra guía de la semana del diseño de Milán 2023 en Dezeen Events Guide para obtener información sobre las muchas otras exposiciones, instalaciones y charlas que se llevarán a cabo durante la semana.

Los materiales cálidos y táctiles y los colores ricos se equilibran con una nueva sensación de apertura en esta casa de principios del siglo XX que el estudio de arquitectura Daytrip ha renovado y ampliado en Londres .

Queen’s Park House es una propiedad eduardiana de doble fachada, ubicada en el barrio titular del oeste de Londres, que Daytrip ha llevado de una serie de dormitorios deteriorados y sin carácter a un hogar tranquilo y contemporáneo para un productor de televisión y su familia.

Como la casa había perdido muchas de sus características eduardianas, el estudio ideó versiones contemporáneas de estos detalles.

Entre ellos se encuentran los “portales” de madera de cerezo del carpintero londinense Studio Manolo , que han reemplazado los arquitrabes que alguna vez rodearon las puertas de toda la casa.

Daytrip amplió la casa con un nuevo y audaz volumen de doble altura en la parte trasera, que alberga un espacio híbrido de cocina, comedor y sala de estar y una galería abierta que alberga un pequeño estudio. Además, el estudio creó un nuevo dormitorio principal en suite al nivel del loft.

El enfoque de Daytrip en cuanto al diseño se centró en maximizar la sensación de espacio abriendo los puntos de conexión entre habitaciones previamente discretas.

Alejándose de la idea tradicional de un pasillo central, el estudio cambió la ruta principal a través de la casa para abarcar cada habitación por turno.

Los espacios se diferencian por un desnivel, como parte de la distribución en planta semiabierta ideada por Daytrip.

Si bien estos espacios conservan sus propias funciones y carácter individuales, ahora existe una relación más estrecha entre las habitaciones individuales.

“Las casas tradicionales están llenas de callejones sin salida donde las habitaciones se sienten aisladas y separadas”, dijo Daytrip a Dezeen. “Queríamos crear más conexiones.

“Me pareció apropiado para un estilo de vida familiar moderno crear una ruta fácil y accesible, desde la llegada hasta los espacios sociales”.

La “sala de llegadas” con su mesa central del fabricante de muebles local Edward Collinson fue diseñada para crear una sensación de calma para replantear la mentalidad de la familia cuando regresan a casa.

A nivel práctico, esta sala también ofrece almacenamiento para todos los abrigos, zapatos y bolsos de la familia, ocultos detrás de paneles que son una versión invertida de los típicos paneles de época que se encuentran en las casas eduardianas.

En toda la casa se utilizó madera de cerezo en combinación con los tonos más oscuros de los suelos de roble ahumado.

“Disfrutamos el efecto ahumado del roble ahumado y utilizamos los tonos más cálidos de la cereza como contrapunto”, dijo la práctica. “Nos gusta usar madera para crear un fondo tonal, ya que aporta más profundidad a una habitación que la pintura sola”.

Desde el vestíbulo, los escalones descienden a un espacio más íntimo, revestido con papel tapiz con textura en tonos ámbar y estanterías de madera de cerezo. Esto crea una atmósfera más oscura y acogedora que contrasta con el espacio anterior.

Más escalones conectan el cómodo con la cocina, el comedor y la sala de estar recientemente ampliados.

Aquí, las puertas de vidrio del piso al techo abren el espacio al jardín minimalista del patio, diseñado por Tyler Gold Finch Gardens, colaborador habitual de Daytrip .

Sobre esta área, una ventana del triforio crea una perspectiva de doble aspecto y enmarca las vistas del dosel de los árboles circundantes.

La cocina, también hecha por Edward Collinson, cuenta con paneles de madera de cerezo y salpicaderos de mármol Fior Di Pesco, mientras que la isla está rematada con una pieza sólida de piedra de lava con un acabado esmaltado.

“Construimos paletas que reflejan el estado de ánimo y el carácter de la propiedad, a menudo introduciendo armonía y contraste”, dijo Daytrip.

Un piso de concreto vertido que fue pulido hasta obtener un brillo suave continúa hacia el jardín, creando una sensación de fluidez entre los dos espacios.

Encima de la cocina flota una galería abierta, decorada en tonos rojizos con una alfombra de color óxido de la marca sueca Kasthall .

Para la paleta de colores de la casa, Daytrip hizo referencia a su frente de ladrillo rojo y al verdor del parque cercano con una mezcla terrosa de tonos rojizos oxidados, equilibrados con tonos de bronce y verde musgo brillante.

Más allá del estudio, el primer piso está enfocado a la familia con dormitorios y baños para niños, mientras que el dormitorio principal se encuentra en la parte superior de la casa, beneficiándose de las vistas del horizonte de Londres.

El dormitorio fue diseñado como un refugio confortable, envuelto por un papel tapiz táctil de tela de pasto, en un cálido tono ámbar. Aquí se hace hincapié en la suavidad, con una alfombra de pura lana de color blanquecino y cortinas de lino diáfanas del suelo al techo.

La consultora de diseño londinense Monument Store fue elegida para amueblar y diseñar la casa.

“Nos gustó el contraste de Monument Store entre objetos escultóricos abstractos y brutalistas junto con piezas posmodernistas como la silla icónica de culto Ekstrem en el espacio de la galería o las sillas de mimbre Tito Agnoli en el salón de la cocina”, dijo Daytrip.

El estudio ha completado varias ampliaciones de viviendas en Londres en los últimos años.

Entre ellas se encuentran dos propiedades en Clapton, al este de Londres: una casa adosada con un sótano recién excavado y una terraza victoriana, que ahora alberga tres apartamentos separados .

La fotografía es de Pierce Scourfield .

Un mural de cerámica de Álvaro Siza está en el corazón del interior de este restaurante rústico en Oporto , Portugal, diseñado por Space Copenhagen .

Ubicado en un edificio renovado del siglo XVI en la zona de Largo de São Domingos de Oporto , el restaurante Cozinha das Flores presenta un mural diseñado por el arquitecto portugués ganador del Premio Pritzker de Arquitectura.

“Si bien Siza ha creado muchas obras no arquitectónicas en todo el mundo, nunca había creado algo de este tipo para su ciudad natal de Oporto”, dijeron a Dezeen los fundadores de Space Copenhagen, Peter Bundgaard Rützou y Signe Bindslev Henriksen.

“Dada la prominencia y contribución de Siza a la vida de Oporto, que lo manifestara en un mural que representará su percepción de la ciudad superó nuestras expectativas”.

Los bocetos de figuras tocando instrumentos musicales se destacan en negro sobre azulejos contrastantes de color verde y naranja quemados, que fueron completados por la empresa de azulejos cerámicos Viuva Lamego.

“Cuando se le pidió que imaginara una pieza para Cozinha das Flores, él [Siza] representó el tema recurrente de los músicos, representando tiempo bien empleado; momentos divertidos y relajados; una mezcla de emociones; y personas unidas por el arte y la cultura”, dijo el estudio. .

“Los artesanos especializados utilizaron una técnica tradicional: pintar a mano una copia a escala de una imagen esbozada en papel sobre los azulejos, pintada punto por punto”.

Los tonos verdes y naranjas de los azulejos aparecen en otras partes del interior. Cojines verdes cubren el banco de roble incorporado que corre a lo largo de la pared debajo del mural, mientras que las puertas estaban pintadas de verde oscuro.

La paleta de colores se unificó con paredes enlucidas de color cobrizo y una iluminación cálida.

“Introdujimos paredes enlucidas en tonos cálidos y terrosos y un uso consciente de la luz para realzar y saturar”, explicó el estudio.

En todo el interior se utilizaron materiales naturales como piedra, mármol, latón y roble. Los asientos se dispusieron alrededor de una cocina abierta, que tiene superficies de piedra de cuarcita de color gris oscuro y gabinetes de madera.

Bajo la dirección del chef lisboeta Nuno Mendes, el restaurante pretende celebrar los ingredientes, el vino y la cultura del norte de Portugal.

Los tonos cálidos y terrosos elegidos por Space Copenhagen se basaron en la comida del restaurante, así como en el edificio y la zona en la que se encuentra.

“La estructura del edificio histórico que enmarca el restaurante y el bar proporcionó la paleta base sobre la que hemos construido”, dijo Space Copenhagen.

“La piedra envejecida y la madera teñida de oscura fueron nuestros puntos de partida. Todos los elementos están asociados con la ciudad de Oporto”, añadió.

A lo largo del proyecto, el estudio dio prioridad a los materiales regionales y colaboró ​​con una variedad de arquitectos, artistas y artesanos locales. Carpinteros del norte de Portugal elaboran los muebles y accesorios de madera oscura.

“Toda la piedra, la madera, el metal y los azulejos proceden de regiones de Portugal teniendo como prioridad un criterio de proximidad”, afirma el estudio. “Toda la carpintería ha sido realizada por artesanos locales”.

Cozinha das Flores y su bar adyacente de 12 asientos, Flôr, se encuentran entre los cinco edificios patrimoniales que conforman el proyecto Largo, que abrirán sus puertas a finales de este año.

Otros proyectos locales de Siza incluyen su casa de té Boa Nova de 1963, que se transformó en un restaurante de mariscos para el chef portugués Rui Paula en 2014.

Los proyectos anteriores de Space Copenhagen incluyen la renovación del restaurante y hotel Mammertsberg en Suiza y del restaurante Blueness en Amberes.

La fotografía es de Luís Moreira y Matilde Cunha.

Una iglesia vecina informó la disposición y el diseño de esta pizzería en la Ciudad de México , en la que la arquitecta Sofía Betancur colocó el horno a la vista.

La Pizzeria Della Madonna está ubicada junto a la Parroquia de la Sagrada Familia, una iglesia en el barrio Roma Norte de la ciudad construida en 1910.

“El templo refleja una mezcla de estilos neorrománico, neogótico y ecléctico”, dijo Betancur , quien reside en la Ciudad de México. “Los arcos de medio punto, las columnas corintias y los bancos de madera dispuestos a lo largo de la nave son elementos reinterpretados en la propuesta espacial del proyecto”.

Dentro del espacio en forma de L de 98 metros cuadrados, el horno de pizza está ubicado en el cruce, directamente visible desde las puertas de vidrio del restaurante.

Su escultural forma redondeada está enmarcada por una estructura de acero inoxidable en forma de halo suspendida del techo, proporcionando un estante en el que se pueden colocar pizzas calientes.

Líneas curvas que siguen la forma del horno se trazan en el suelo, así como en el techo en forma de riel de iluminación que se extiende por el espacio.

En todo el restaurante, las paredes de yeso desgastadas crean el efecto de comer en una antigua iglesia italiana.

“El acabado rústico de las paredes deja ver múltiples capas de pintura que reflejan casi un siglo de historia de la casa, que en el pasado albergó viviendas y diferentes proyectos comerciales y minoristas”, dijo el arquitecto.

El comedor en la parte delantera del restaurante está diseñado como una nave, con bancos y mesas de madera a cada lado y un camino en el medio.

“El concepto se complementa con la investigación histórica, pictórica y la simbología de la Virgen María y la arquitectura mariana en Europa, a partir de las cuales se retoman formas, colores, materiales y cualidades espaciales”, afirmó Betancur.

“De esta manera, la propuesta resulta ser un homenaje al estilo neocolonial mexicano y a la arquitectura e iconografía religiosa italiana”.

Hay más asientos ubicados en la rama perpendicular, o transceptor, de la “L”, donde una pared con espejos al final hace que el espacio parezca más grande.

En el área de la cocina, azulejos de cerámica cubren las paredes, mientras que azulejos de terracota de tamaño similar dan forma al frente del mostrador de servicio.

“La fusión de la cocina abierta y la barra con el comedor se traduce en una combinación equilibrada de materiales prácticos y utilitarios propios de las cocinas industriales y materiales cálidos que aportan elegancia y confort”, afirmó Betancur.

Las pizzerías, que sirven una de las comidas más populares del mundo, adoptan muchas formas y estilos en todo el mundo, pero muchas presentan alguna referencia a su país de origen.

En Nueva York, Büro Koray Duman recurrió a la cultura napolitana para los interiores de Simo , mientras que en Dough Pizza en Perth, Ohlo Studio utilizó materiales que evocan la “sofisticación rústica” de Italia.

La fotografía es de Arturo Arrieta .

Créditos del proyecto:

Arquitectura: Sofía Betancur
Equipo de diseño: Cesar Ávila G y Sergio Bau.
Ingenieros: Leonel Nava
Identidad visual: Faena Studio
Construcción: Factor Eficiencia
Carpintería: Taller Nacional y Solana Estudio
Iluminación: Martín Leal