La diseñadora de muebles con sede en Los Ángeles, Jialun Xiong, completó el interior de su primer restaurante en la ciudad para 19 Town, logrando una apariencia retro-futurista combinando tonos suaves y superficies metálicas .

El restaurante 19 Town , que sirve comida de fusión china, está ubicado en una zona industrial cerca del centro de Los Ángeles.

El nombre es un juego de palabras de una frase en mandarín, que significa un lugar que ofrece comida y vino, según Xiong , quien es originario de Chongqing.

Utilizó una variedad de materiales y sus propios diseños de muebles para darle al espacio una sensación de “lujosa moderación”, mediante la combinación de formas minimalistas y detalles ricos.

“Elaborados con formas rigurosamente minimalistas equilibradas con materiales ricos como yeso veneciano, plata y cuero, los interiores dramáticos del restaurante crean una experiencia gastronómica elevada donde la conexión en torno a la comida ocupa un lugar central”, dijo un comunicado en nombre de Xiong.

El restaurante de 390 metros cuadrados (4200 pies cuadrados) está dividido en cinco áreas, que incluyen el comedor principal, un bar y salón, y tres salones privados.

Cada espacio está diseñado con su propia identidad, incluida la entrada, que cuenta con un mostrador de recepción personalizado de acero inoxidable cepillado y formica.

Detrás, la pared está cubierta con yeso veneciano y los gabinetes de madera contrachapada ofrecen almacenamiento, mientras que una serie de luces colgantes circulares Vibia cuelgan arriba.

Las particiones de bloques de vidrio definen el perímetro del área del comedor principal, que comprende un área central para sentarse con mesas redondas y banquetas personalizadas hechas de acero inoxidable cepillado, cuero verde y vinilo.

“Con vistas a una cocina abierta, el comedor principal evoca un aura de retrofuturismo”, dijo el equipo.

El salón está ubicado a un lado y la barra con mosquitero al otro; ambos continúan el mismo lenguaje de diseño que la sala central, pero con su propio toque.

Xiong utilizó varias piezas de su colección Building Blocks para amueblar estos espacios, como un banco de metal con recubrimiento en polvo plateado con asientos tapizados en cuero blanquecino.

Otros artículos también combinan materiales industriales y naturales, creando un equilibrio entre lo suave y lo duro, lo brillante y lo mate, lo pesado y lo ligero.

Se instala una variedad de diseños de iluminación con elementos en forma de disco, lo que contribuye a la apariencia retrofuturista.

Los espacios de comedor privados están decorados con una paleta monocromática y un enfoque sobrio, en el que el verde proporciona una sutil inyección de color apagado.

El resultado general es una serie de “espacios equilibrados donde el mobiliario, la iluminación y los volúmenes espaciales se consideran juntos como una composición total”.

El minimalismo se ha convertido en una opción de estilo cada vez más popular para los restaurantes chinos, tanto en China como en todo el mundo.

Otros incluyen un restaurante de estofado con gruesas paredes de estuco en Qinhuangdao, un espacio monocromático y silencioso en Ontario y un restaurante con acero inoxidable, latón y policarbonato en Manhattan.

La fotografía es de Ye Rin Mok .

La oficina de arquitectura Trewhela Williams ha completado una renovación minimalista de una casa en el norte de Londres , agregando una fachada de madera a medida para animar su elevación que da a la calle.

La casa, que está ubicada en el Área de Conservación del Parque Belsize, originalmente presentaba un garaje en desuso que ocupaba una parte considerable del plano de la planta baja y bloqueaba cualquier conexión con la calle exterior.

Trewhela Williams se incorporó para optimizar la planta baja de la casa y convertir el garaje para proporcionar espacio habitable adicional.

El proyecto se centró en abrir el interior oscuro e insular a las vistas de las tranquilas caballerizas en la parte delantera y un pequeño patio privado en la parte trasera.

Se eliminaron las paredes existentes que rodeaban el garaje para permitir que este espacio se incorporara a una sala de estar de planta abierta que ahora se extiende a lo largo de toda la propiedad.

La antigua puerta del garaje fue reemplazada por una fachada elaborada en roble aceitado de blanco que conserva las proporciones de la antigua puerta pero proporciona un mayor interés visual cuando se ve desde las caballerizas.

“Las puertas de garaje existentes a lo largo de la calle crean una fachada bastante cerrada y vigilada”, dijo Trewhela Williams a Dezeen. “Queríamos crear algo que estuviera visualmente animado y proporcionara una elevación más abierta y atractiva”.

Las aletas de roble en ángulo colocadas frente a la gran ventana funcionan como un brise soleil, permitiendo la entrada de luz natural y proporcionando vistas limitadas de la calle desde el interior mientras se mantiene la privacidad.

Desde la entrada a las caballerizas, las aletas parecen formar un volumen macizo de madera que cubre la ventana. Pero su geometría parece cambiar y volverse más permeable a medida que la gente se acerca a la casa.

La carpintería hecha a medida forma una estructura minimalista que comprende planos, volúmenes y bordes simples que fue influenciada por las esculturas minimalistas de madera del artista estadounidense Donald Judd .

Trewhela Williams especificó una unidad de acristalamiento sin marco con fijaciones ocultas para realzar la simplicidad escultural de la carpintería.

Las ventanas incluyen un mecanismo de falleba que les permite inclinarse para facilitar la ventilación cruzada a través de la casa o abrirse para que las mascotas de la familia puedan salir.

El estudio aplicó una paleta de materiales minimalista centrándose en el tono y la textura para crear un esquema interior minimalista.

Las paredes y los techos están revestidos con un yeso danés de textura sutil que se complementa con el cálido suelo de abeto Douglas y las baldosas de terrazo salpicadas de agregados de mármol.

Una encimera hecha de mármol Mugla blanco turbio se extiende a lo largo de toda la propiedad, desde el vestíbulo de entrada y el área de almacenamiento en la parte delantera hasta la cocina, el comedor y la cómoda parte trasera.

“Si bien el interior es minimalista y muestra rasgos minimalistas en su simplicidad, hay verdadera armonía y belleza en los detalles”, explicó Trewhela Williams.

“Hay muy pocos materiales y detalles dentro de la casa, por lo que cada uno ha sido elegido meticulosamente para armonizar y crear un espacio que se sienta cálido y tranquilo en lugar de ser frío o estéril”.

Un patio existente en la parte trasera de la casa ahora es visible y accesible a través de una abertura ampliada, que ocupa toda la altura y el ancho de la elevación trasera.

Se puede abrir una puerta pivotante mínima para crear una conexión perfecta entre el interior y el patio que también funciona como un patio de luz que atrae la luz natural a los espacios habitables adyacentes.

El patio está pavimentado con baldosas de hormigón de gran formato y está cerrado por paredes cubiertas con yeso de arcilla natural, armonizando con la paleta de texturas del interior.

El patio alberga un banco lineal simple y una maceta cilíndrica, cuyas formas geométricas proporcionan una estructura visual, mientras que un acer solitario añade una explosión de color.

A pesar de estar situada en un área de conservación, el diseño audaz de la nueva fachada fue elogiado por la autoridad de planificación local, que dijo que proporcionaba un precedente positivo para los vecinos que estaban considerando proyectos de conversión similares.

“Fue un gran alivio”, dijo Trewhela Williams. “Muchos proyectos de conversión y ampliación se centran en la parte trasera de la propiedad, pero aquí estábamos trabajando en la parte delantera, por lo que tuvimos que andar con mucho cuidado”.

“Afortunadamente, los planificadores nos apoyaron mucho”, añadió el estudio. “Algunos de los vecinos también nos han contactado para hacer algo similar con sus propiedades, por lo que apreciamos lo que hemos logrado aquí”.

Anteriormente, el estudio creó una extensión de una casa eduardiana en el norte de Londres con una pared de ladrillos que se extiende desde la cocina hasta el jardín.

La fotografía es de Lorenzo Zandri .

La marca suiza On ha abierto su primera tienda en el Reino Unido en Regent Street de Londres , con accesorios de acero y un brazo robótico.

Para su debut en el Reino Unido, On pretendía mostrar la ciencia y la tecnología detrás de sus zapatillas y ropa para correr.

“Nuestro concepto era un museo de ciencia en el que se podía comprar, en el sentido de que una de las principales cosas que queremos compartir es que lo que hacemos está basado en la ciencia”, dijo el jefe de entornos de marca de On, Nicholas Martin.

Es una cultura basada en el desempeño la que está presente en todo lo que hacemos”.

La planta baja de la tienda está definida por tres mesas circulares de acero, que se utilizan para exponer los últimos productos de la marca.

Cada una de las mesas, que se pueden subir y bajar, está rodeada por una pared de acero curva que se puede girar para crear una variedad de diseños dentro de la tienda.

La mesa en la entrada de la tienda también sostiene un brazo robótico que imita la acción de correr para exhibir las zapatillas de correr de On.

“Lo primero que ves es nuestro brazo robótico”, dijo Martin a Dezeen. “Queremos que la gente toque y explore. Entonces de alguna manera puedes ver el movimiento”.

“Y luego también intentamos agregar diferentes capas de narración”, continuó. “Para que puedas comparar los diferentes zapatos”.

El primer piso está definido por un par de gabinetes de acero, descritos por On como una “pared mágica” que recorre toda la longitud de la tienda.

Contiene todos los productos de On en todas las tallas disponibles para que los clientes puedan probarse las zapatillas al instante.

“Nuestro objetivo era revolucionar la forma en que se prueban los zapatos”, dijo Martin. “En nuestras tiendas dejamos que el producto hable por sí solo. Nuestra tecnología es algo que se siente una vez que te pones un producto”.

En contraste con los accesorios de acero, las paredes de la tienda estaban acabadas con arcilla natural procedente de Cornualles, que se aplicó a mano.

En la planta baja y en el espacio para eventos del nivel del sótano, las paredes están pintadas en un tono gris apagado, mientras que en los pisos superiores tienen un acabado en verde.

“Para nosotros, la ingeniería suiza significa amar la tecnología y la naturaleza”, afirma Martin. “La tecnología hace que la tienda luzca elegante, la naturaleza nos ayuda a darle a la tienda un aspecto más imperfecto y cálido”.

“El verde tienda es un guiño al legendario verde de carreras británico: un color culturalmente saturado de movimiento, velocidad e ingeniería”, continuó.

Fundada en 2010, On es conocida por sus zapatillas para correr ligeras. Sus tiendas forman parte de los esfuerzos más amplios de On por desarrollar su marca a nivel internacional.

“Ofrecen un espacio para que nuestros fans, comunidad y nuevos clientes exploren y conozcan la marca”, dijo Martin. “Vemos la tienda como un canal de medios que conecta a nuestros fans con la marca”.

On creó previamente una cabaña de montaña reflectante en los Alpes suizos para marcar el lanzamiento de su primer zapato de senderismo .

Todas las fotografías son cortesía de On, a menos que se indique lo contrario.

Designmuseum Denmark ha analizado cómo el diseño puede dar forma al futuro a través de su exposición The Future is Present , que presenta proyectos que incluyen una lámpara de araña tubular hecha de intestinos de vaca.

Presentada en el recientemente renovado Designmuseum de Copenhague , la exposición muestra una variedad de obras “especulativas y sugerentes” que examinan cuatro temas titulados Humano, Sociedad, Planeta+ e Imaginar el futuro.

“El diseño es en gran medida una profesión con visión de futuro”, afirmó la curadora de la exposición Pernille Stockmarr . “Se trata de transformar lo existente en algo mejor, y lo que hacemos en el presente crea el futuro”.

“Al vivir en una época con grandes desafíos globales, esta exposición quiere invitar a la gente a ver y reflexionar sobre los diferentes potenciales del diseño en esta transformación y animarlos a pensar en qué tipo de futuro queremos”, dijo a Dezeen.

Entre las piezas expuestas se encuentra Inside Out, una lámpara estilo candelabro hecha con 100 metros de intestinos de vaca anudados extraídos de ocho vacas. La diseñadora Kathrine Barbro Bendixen tenía como objetivo explorar cómo se pueden utilizar los subproductos para repensar los patrones de consumo de materiales.

La marca de moda con sede en las Islas Feroe Guðrun Guðrun creó Vindur, un vestido con volantes y mangas acampanadas exageradas hecho de seda tejida e hilo de leche tejido a máquina procedente de residuos de producción láctea.

La marca trabajó con las diseñadoras textiles Amalie Ege y Charlotte Christensen y Lifestyle Design Clusters para crear la prenda, que se confeccionó utilizando una “técnica tradicional utilizada durante el período de entreguerras, cuando los recursos escaseaban y los residuos se transformaban en valor”, según al Museo del Diseño.

Más obras conceptuales incluyen Beyond Life, una colección de urnas de espuma de papel biodegradable de la diseñadora Pia Galschiødt Bentzen con colgantes desmontables que contienen semillas que se pueden cultivar.

“Beyond Life une la muerte, la pérdida y el recuerdo con la conciencia de que los humanos somos parte del interminable círculo de la vida de la naturaleza”, dijo Stockmarr.

También se exhibe Library of Change, un “mapa” de tarjetas colgantes de lámina acrílica que muestran las tendencias y tecnologías actuales, con preguntas para los visitantes como “¿dejarías la ciudad para tener una mejor conexión?”

Stockmarr explicó que la exposición tiene como objetivo comunicar “la amplitud del diseño” al incluir obras que varían en escala, propósito y medio.

“Su capacidad para inspirar, iniciar conversaciones y hacer reflexionar a los visitantes era una prioridad”, afirmó.

“No quería que las obras fueran soluciones demasiado definidas para el futuro, visiones extremas de ciencia ficción, utopías o distopías, sino obras exploratorias. Algunos son proyectos de investigación colaborativos y otros brindan previsión sobre métodos de diseño, artesanías y experimentos creativos”.

Además de los diversos proyectos de la exposición, también se exhiben objetos del propio archivo del Designmuseum que resaltan ideas pasadas para el futuro.

Uno de estos diseños es el vehículo de tres ruedas Ellert, el primer coche eléctrico de Dinamarca desarrollado en los años 80 por el ingeniero Steen Volmer Jensen.

El estudio local Spacon X creó el diseño de la exposición de The Future is Present con el objetivo de reflejar sus temas.

El estudio delineó las distintas zonas de la exposición utilizando divisores modulares de bioplástico que serpentean por el espacio de exposición y trabajó con materiales naturales, incluida la hierba marina, que se utilizó para crear alfombras acústicas para controlar el ruido en el museo.

Los objetos están dispuestos sobre mesas y pedestales personalizados hechos en colaboración con el fabricante de materiales sostenibles Søuld , mientras que Natural Material Studio creó un diván de micelio para el espectáculo.

Stockmarr explicó que la exposición pretende ser un llamado a la acción y capacitar a las personas para que reflexionen sobre sus roles individuales a la hora de determinar el futuro del diseño.

“Al hacer más preguntas que dar respuestas, la exposición quiere inspirar a los visitantes”, reflexionó el comisario.

“La exposición reconoce que no somos sólo los diseñadores, arquitectos, artesanos y expertos, sino todos nosotros quienes participamos en la configuración y el diseño del futuro mediante las preguntas que hacemos y las elecciones y acciones que tomamos hoy”.

Exposiciones recientes similares que exploraron el impacto climático de los materiales incluyen una exposición en la Feria del Mueble de Estocolmo que visualizó las emisiones de carbono de materiales comunes como el hormigón y The Waste Age , una exposición de Londres que abordó cómo el diseño ha contribuido al surgimiento de la cultura del descarte.

The Future is Present se exhibe en Designmuseum Denmark del 19 de junio de 2022 al 1 de junio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

Un equipo de arquitectos y diseñadores ha combinado el comercio minorista con una instalación de patinetas para la tienda insignia de la marca de ropa Supreme en Los Ángeles, ubicada en el edificio que alguna vez fue el hogar de la icónica tienda de discos Tower Records.

El diseño general de la tienda de 8,500 pies cuadrados (790 metros cuadrados) se llevó a cabo gracias a la colaboración de los estudios de interiores de Londres Brinkworth y The Wilson Brothers , y el arquitecto neoyorquino Neil Logan , con el estudio local RADAR como arquitecto ejecutivo.

Supreme , una marca de ropa urbana de Manhattan dirigida a patinadores, colaboró ​​con Steve Badgett de SIMPARCH , una colaboración de Nuevo México, para crear un skate bowl totalmente flotante.

SIMPARCH construyó previamente cuatro patines para Supreme, incluido un pequeño patín con forma de maní en la tienda anterior de Los Ángeles en 2004.

“Teníamos un área mucho más grande para trabajar en esta ubicación, por lo que el proceso de diseño con el círculo de patinadores de piscina experimentados de Supreme tomó más tiempo para concretar la forma final”, dijo Badgett a Dezeen.

El patín de madera esculpido en forma de trébol tiene tres profundidades y una superficie pálida bordeada por un borde más oscuro.

“Los cuatro tazones anteriores que construimos para Supreme fueron desafíos considerables, pero éste era un animal completamente diferente con su mayor tamaño y complejidad estructural”, dijo Badgett.

“Nuestro ingeniero, Paul Endres, descubrió cómo eliminar las columnas en cualquier lugar cerca del cuenco para que colgaran de la estructura de la plataforma. Pudo hacerlo sin comprometer la estética esbelta, fluida y que queríamos, y permite que la forma orgánica del cuenco se adapte a sus necesidades. ser visto sin obstáculos”, continuó.

Ubicada en el sitio de la antigua tienda de la costa oeste de Tower Record, la tienda blanca de una sola planta luce un logotipo rojo en bloques en el panel publicitario renovado.

“Fue un gran honor cuidar con cariño la estructura histórica de Tower Records y al mismo tiempo levantar literalmente el techo para dar cabida al enorme patín levitante”, dijo el fundador de Brinkworth, Adam Brinkworth.

“El sitio ha pasado de ser la tienda de discos más grande del mundo a ser el Supreme más grande del mundo”.

Las ventanas del escaparate entre columnas triangulares envuelven la esquina de la calle, convirtiendo el piso de ventas en una vitrina.

En el interior, las vigas de acero levantan el techo original y abren el espacio con tragaluces para un interior iluminado. La luz rebota en el fondo elevado de madera del patín, que se cierne al otro lado de la tienda.

Se instaló una pared de metal alrededor del cuenco para producir un reflejo borroso de los patinadores. La pared también presenta una obra de arte irregular de un agujero negro de Nate Lowman .

En el piso principal, percheros para ropa y exhibidores de productos se envuelven alrededor de dos paredes. Se colocaron bancos de arenisca sobre el piso de concreto pulido para hacer referencia a un lugar para patinar en Los Ángeles llamado Santa Monica Sand Gaps.

La paleta de materiales reservados en blanco y gris remite a las instalaciones artísticas en cuanto a color y textura. Un auto de F1 de tamaño completo de Mark Gonzales estaba estacionado en el centro de la habitación, y un colorido mural de la parca de Josh Smith está desplegado en una pared.

El concepto de patinar en la tienda se ha convertido en una firma de Supreme, que trabaja con otros arquitectos para instalar la característica en lugares de todo el país, como la plataforma sobre pilotes de la tienda de Brooklyn diseñada por Neil Logan Architect y el cuenco reverberante elevado de SIMPARCH. en la renovada tienda de San Francisco.

Antes de la nueva apertura, la ubicación de Fairfax Avenue en Los Ángeles cerró a principios de este mes después de 19 años en el negocio.

La fotografía es de Blaine Davis .

Créditos del proyecto:

Arquitecto ejecutivo: RADAR
Arquitectura: Brinkworth, The Wilson Brothers, Neil Logan
Diseño: Steve Badgett de SIMPARCH
Ingeniería: Paul Endres
Ingeniería exterior y central: Murphy Burr Curry, Inc, Brandow Johnston y Rex
Fabricación: Steve Badget, Chris Vorhees, Clay Mahn
Modelado por ordenador: Peter Eng
Diseño de iluminación: Wolcott / Scott Johnson

El estudio de diseño espacial surcoreano WGNB ha completado una tienda insignia para la marca de golf PXG en Seúl , que presenta una paleta de materiales acromáticos y una pared cubierta de grafito que deja manchas en la ropa de los visitantes.

La tienda está ubicada en el distrito Gangnam de Seúl y fue diseñada por WGNB para hacer referencia al grafito utilizado para producir los palos de golf de PXG .

“En lugar de simplemente aplicar el material a cada plano, estudiamos las características del grafito en sí”, dijo el estudio a Dezeen.

“Es más ligero de lo que parece y es un alótropo del carbono , como el diamante. El grafito transmite calma y humildad. Y, lo más importante, se emborrona”.

WGNB interpretó estas características en las formas minimalistas y los materiales elegidos para las superficies internas y los muebles expositores de la tienda.

En las entradas, los visitantes son recibidos por un bloque de grafito diseñado escultóricamente y una pared cubierta con garabatos de grafito que se transferirán a las manos y la ropa al contacto.

Una serie de volúmenes ortogonales están suspendidos del techo en toda la tienda para definir varias áreas dentro del espacio abierto e incorporar rieles suspendidos para colgar ropa.

Fabricados con listones de acero con recubrimiento en polvo, los volúmenes ayudan a crear una sensación de ligereza y flotabilidad dentro del interior que se ve reforzada aún más por la unidad de exhibición en voladizo en el centro de la tienda.

En el destacado muro multimedia de la tienda se muestra una animación abstracta que se relaciona con el lenguaje visual de la tienda en lugar de imágenes comerciales.

El resumen del proyecto pedía un interior negro acorde con la identidad visual de PXG. En lugar de crear un interior monocromático en blanco y negro, WGNB desarrolló un diseño acromático utilizando tonos de negro y gris.

“Mientras que los materiales monocromáticos se limitan a tonos y matices similares, un esquema acromático descarta el color por completo, dejando solo la materialidad”, dijo el estudio.

“Utilizamos varios materiales acromáticos con texturas y materialidad únicas, creyendo que enfatizarían la idea de arrojar luz sobre la esencia del material”.

La paleta de materiales limitada incluye un acabado de microcemento que se aplicó a paredes y pisos. Estas superficies texturizadas se complementan con pisos de madera, que también se utilizan en algunas de las paredes.

La escalera que conduce al entrepiso está acabada en mármol y acero laminado en frío, mientras que en el piso de arriba, una alfombra gris y muebles tapizados aportan suavidad al espacio.

PXG se acercó a WGNB para diseñar su tienda insignia después de ver algunos de los proyectos anteriores del estudio, incluida la tienda completamente negra que creó para la marca de moda Juun.J en Seúl.

El estudio de diseño espacial se estableció en 2015 y fue nombrado estudio de diseño de interiores emergente del año en los Premios Dezeen 2021 , y los jueces elogiaron su “enfoque interesante y diferente del diseño minorista”.

La fotografía es de Yongjoon Choi .