Se inauguró en Newcastle, Inglaterra, un centro de arquitectura fundado por el arquitecto británico Terry Farrell , con una exposición que explora los materiales de construcción del futuro y las “habitaciones urbanas” para los residentes locales.

El Centro Farrell es una galería de exposiciones, un centro de investigación y un espacio comunitario que tiene como objetivo provocar una conversación sobre arquitectura y planificación, tanto en la ciudad como a escala global.

El proyecto fue instigado por Farrell, quien donó su archivo arquitectónico y aportó £1 millón para la construcción.

La exposición inaugural, Más con menos: reinventar la arquitectura para un mundo cambiante , analiza cómo los edificios podrían adaptarse a la crisis climática.

Piel sintética, micelio y aislamiento de lana aparecen en una serie de instalaciones diseñadas para desafiar los métodos tradicionales de producción de arquitectura.

En otros lugares, tres salas urbanas albergan talleres y otros eventos donde los lugareños pueden aprender sobre el pasado y el futuro de Newcastle y expresar sus opiniones sobre los planes de desarrollo.

“El centro está aquí para lograr un entorno construido mejor, más inclusivo y más sostenible”, dijo el director del Centro Farrell y columnista de Dezeen, Owen Hopkins , durante un recorrido por el edificio.

“La creencia que sustenta todo lo que hacemos es que necesitamos involucrar a las personas en la arquitectura y la planificación, y en los roles transformadores que pueden desempeñar”, dijo a Dezeen.

“La arquitectura y la planificación a menudo se consideran algo impuesto desde arriba. Necesitamos cambiar esa percepción”.

El Farrell Centre, que forma parte de la Universidad de Newcastle, ocupa un antiguo edificio de grandes almacenes de cuatro plantas en el corazón de la ciudad.

Los estudios locales Space Architects y Elliott Architects supervisaron una renovación que tiene como objetivo hacer que el edificio se sienta lo más abierto y acogedor posible.

La planta baja tiene la sensación de una vía pública, gracias a las fachadas acristaladas en dos lados, mientras que los escalones estilo gradas crean un área de asientos hundida para charlas y presentaciones.

Una nueva y colorida escalera conduce a las galerías de exposición en el primer piso y a las salas urbanas en el segundo piso, mientras que el nivel superior alberga las oficinas del personal.

Según Hopkins, la exposición de lanzamiento marca la pauta para el tipo de contenido que los visitantes pueden esperar del Centro Farrell.

La muestra presenta instalaciones de cuatro estudios de arquitectura del Reino Unido, cada uno de los cuales explora una propuesta diferente para futuros edificios.

“Queríamos crear algo que ampliara la comprensión de la gente sobre lo que es la arquitectura, más allá de construir una casa costosa en Grand Designs”, dijo Hopkins, refiriéndose al popular programa de televisión.

El Centro de Biotecnología en el Entorno Construido ( HBBE ) de la Universidad de Newcastle ha creado Living Room, una estructura similar a una cueva hecha cultivando una mezcla de micelio y aserrín sobre una manta de lana gigante.

A continuación, un mini laberinto creado por el estudio Dress for the Weather de Glasgow tiene como objetivo mostrar las cualidades térmicas y experienciales del aislamiento de edificios, con variedades hechas de lana de baja calidad y botellas de plástico.

Office SM , con sede en Londres, propone soluciones divertidas pero de baja tecnología para hacer que los edificios sean más cómodos.

Estos están representados por una silueta de la cabeza del David de Miguel Ángel hecha de piel rosa, una manta espacial metálica, una chaise longue cubierta con espuma expansiva y una cubierta de ventana de película dicroica que proyecta reflejos coloridos en el suelo.

“Toda esta sala trata de hacer cosas mundanas realmente simples, pero de una manera que sea alegre y cuente una historia”, dijo Hopkins.

En la última sala, una instalación de McCloy + Muchemwa , con sede en Londres , lleva la naturaleza al interior con una mesa de sala de juntas cubierta de plantas.

En el piso de arriba, las tres salas urbanas han sido equipadas por Mat Barnes del estudio de arquitectura CAN con elementos personalizados que hacen referencias divertidas a las obras de construcción.

Están llenos de mapas históricos, modelos interactivos, muebles informales, expositores hechos con postes de andamios y juguetes arquitectónicos que incluyen juegos blandos con formas de edificios y Lego .

La idea de montar una sala urbana en Newcastle fue el punto de partida para la creación del Centro Farrell.

Hace una década, el gobierno del Reino Unido encargó a Farrell la elaboración de un informe sobre el estado de la arquitectura y el sistema de planificación del Reino Unido.

Una de las recomendaciones clave de Farrell Review , publicada en 2014, fue crear una sala urbana en cada ciudad importante, brindando a la población local de todas las edades y orígenes un lugar para participar en la forma en que se planifica y desarrolla la ciudad.

Como Farrell creció en el área de Newcastle y estudió arquitectura en la universidad, quiso hacer realidad este concepto en esta ciudad.

Aunque el Centro Farrell lleva su nombre en su honor, Hopkins dijo que Farrell está feliz de que la instalación forje su propio camino en términos de programa y enfoque.

“Él estableció la idea y la visión del centro, pero está contento de que podamos desarrollar esa visión de la manera que creemos que es mejor”, añadió Hopkins.

El director es optimista sobre el potencial del centro para involucrarse con la comunidad.

“Newcastle es una ciudad como ninguna otra”, dijo. “El orgullo cívico aquí está fuera de escala. La gente tiene un amor muy arraigado por el lugar donde vive”.

“Es sorprendente poder aprovechar eso como una forma de crear un entorno mejor construido”.

Más con menos: reinventar la arquitectura para un mundo cambiante se exhibirá en el Centro Farrell del 22 de abril al 10 de septiembre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para conocer más eventos de arquitectura y diseño en todo el mundo.

Una muñeca vengativa de un cuento popular alpino era la ocupante imaginada de esta colorida casa estilo cabaña creada por el diseñador alemán Markus Benesch en la semana del diseño de Milán .

La instalación maximalista Alpine Rising presentaba muebles decorativos de estilo alpino y revestimientos de paredes multicolores, todo ello lleno de referencias a la vida en las montañas.

Benesch desarrolló el diseño después de quedar fascinado por el personaje legendario de la muñeca “tuntschi”.

Según la historia, el tuntschi lo fabrican los pastores con madera, paja y tela que pasan el verano cuidando el ganado en la montaña y anhelan la compañía femenina.

La muñeca cobra vida, pero los pastores continúan cosificándola. Entonces, cuando llega el momento de regresar a casa, ella se venga asesinamente de uno de ellos.

Esto hizo que Benesch pensara en lo que sucederá después de que termine la historia.

“Me preguntaba, ¿qué hace esta muñeca cuando está sola en invierno?” le dijo a Dezeen. “Pensé, tal vez ella esté pasando el mejor momento de su vida”.

Uno de los puntos de partida para el diseño fue pensar en los tipos de pasatiempos que podría disfrutar la muñeca.

Una idea era que podría esquiar. Esto dio lugar a motivos arremolinados, que recuerdan a huellas de nieve, que aparecieron por todas partes, además de un par de esquís hechos a medida.

Benesch también pensó que la muñeca podría dedicarse a la cerámica, lo que lo llevó al trabajo del ceramista austriaco Florian Tanzer, fundador del estudio Luma Launisch , con sede en Viena .

Las cerámicas toscas y enigmáticas de Tanzer a menudo representan personajes inusuales.

Para Alpine Rising, creó jarrones y vasijas que integran la cara del tuntschi. Algunas piezas tenían más de una cara, en referencia a su carácter bifronte.

Benesch y su pequeña empresa de muebles, textiles y papel pintado, Curious Boy, crearon un interior completamente personalizado para la cabaña alpina del tuntschi.

Dividido en habitaciones, estaba lleno de muebles de estilo rústico que combinaban la artesanía tradicional alpina en madera con motivos coloridos típicos de los diseños de Benesch.

Benesch crea estos patrones incrustando madera con resina pigmentada.

En madera de fresno, los diseños expuestos incluyeron el gabinete Tuntschis estilo cabaña, la elaborada Himmibed y las divertidas sillas de comedor Stui.

Para la lámpara amorfa Splügen se utilizó nogal, mientras que el armario Hochzeitsschrank, con dibujos en zigzag, fue elaborado en pino.

Para el papel tapiz y los textiles, Benesch creó patrones repetidos usando imágenes de tejas de madera que típicamente revisten los chalets alpinos, y luego los cubrió con varios colores y tonos.

Detrás de todo el diseño había una idea de alejarse del mundo digital actual y de los efectos nocivos que puede tener en la salud mental, y en su lugar celebrar “un estilo de vida analógico”.

Esta idea se enfatizó con cucharas de fresno y nogal talladas a mano y una baraja de naipes diseñados a medida.

“Queremos desconectarnos de la locura del mundo actual y reconectarnos más con nosotros mismos en la naturaleza”, añadió Benesch.

La exposición formó parte del distrito 5Vie durante la semana del diseño de Milán, donde otras exposiciones incluyeron L’Appartamento de Artemest , un apartamento de los años 1930 rediseñado por seis estudios diferentes.

Después de la semana del diseño de Milán, recopilamos diez instalaciones y proyectos destacados que se exhibieron durante la semana.

Alpine Rising estuvo expuesto del 15 al 21 de abril de 2023 como parte de la semana del diseño de Milán . Consulte la Guía de eventos de Dezeen para conocer más eventos de arquitectura y diseño en todo el mundo.

La fotografía de exposiciones y muebles es cortesía de Markus Benesch Creates. La fotografía de cerámica es de Gregor Hofbauer .

Una iglesia vecina informó la disposición y el diseño de esta pizzería en la Ciudad de México , en la que la arquitecta Sofía Betancur colocó el horno a la vista.

La Pizzeria Della Madonna está ubicada junto a la Parroquia de la Sagrada Familia, una iglesia en el barrio Roma Norte de la ciudad construida en 1910.

“El templo refleja una mezcla de estilos neorrománico, neogótico y ecléctico”, dijo Betancur , quien reside en la Ciudad de México. “Los arcos de medio punto, las columnas corintias y los bancos de madera dispuestos a lo largo de la nave son elementos reinterpretados en la propuesta espacial del proyecto”.

Dentro del espacio en forma de L de 98 metros cuadrados, el horno de pizza está ubicado en el cruce, directamente visible desde las puertas de vidrio del restaurante.

Su escultural forma redondeada está enmarcada por una estructura de acero inoxidable en forma de halo suspendida del techo, proporcionando un estante en el que se pueden colocar pizzas calientes.

Líneas curvas que siguen la forma del horno se trazan en el suelo, así como en el techo en forma de riel de iluminación que se extiende por el espacio.

En todo el restaurante, las paredes de yeso desgastadas crean el efecto de comer en una antigua iglesia italiana.

“El acabado rústico de las paredes deja ver múltiples capas de pintura que reflejan casi un siglo de historia de la casa, que en el pasado albergó viviendas y diferentes proyectos comerciales y minoristas”, dijo el arquitecto.

El comedor en la parte delantera del restaurante está diseñado como una nave, con bancos y mesas de madera a cada lado y un camino en el medio.

“El concepto se complementa con la investigación histórica, pictórica y la simbología de la Virgen María y la arquitectura mariana en Europa, a partir de las cuales se retoman formas, colores, materiales y cualidades espaciales”, afirmó Betancur.

“De esta manera, la propuesta resulta ser un homenaje al estilo neocolonial mexicano y a la arquitectura e iconografía religiosa italiana”.

Hay más asientos ubicados en la rama perpendicular, o transceptor, de la “L”, donde una pared con espejos al final hace que el espacio parezca más grande.

En el área de la cocina, azulejos de cerámica cubren las paredes, mientras que azulejos de terracota de tamaño similar dan forma al frente del mostrador de servicio.

“La fusión de la cocina abierta y la barra con el comedor se traduce en una combinación equilibrada de materiales prácticos y utilitarios propios de las cocinas industriales y materiales cálidos que aportan elegancia y confort”, afirmó Betancur.

Las pizzerías, que sirven una de las comidas más populares del mundo, adoptan muchas formas y estilos en todo el mundo, pero muchas presentan alguna referencia a su país de origen.

En Nueva York, Büro Koray Duman recurrió a la cultura napolitana para los interiores de Simo , mientras que en Dough Pizza en Perth, Ohlo Studio utilizó materiales que evocan la “sofisticación rústica” de Italia.

La fotografía es de Arturo Arrieta .

Créditos del proyecto:

Arquitectura: Sofía Betancur
Equipo de diseño: Cesar Ávila G y Sergio Bau.
Ingenieros: Leonel Nava
Identidad visual: Faena Studio
Construcción: Factor Eficiencia
Carpintería: Taller Nacional y Solana Estudio
Iluminación: Martín Leal

Los materiales cálidos y táctiles y los colores ricos se equilibran con una nueva sensación de apertura en esta casa de principios del siglo XX que el estudio de arquitectura Daytrip ha renovado y ampliado en Londres .

Queen’s Park House es una propiedad eduardiana de doble fachada, ubicada en el barrio titular del oeste de Londres, que Daytrip ha llevado de una serie de dormitorios deteriorados y sin carácter a un hogar tranquilo y contemporáneo para un productor de televisión y su familia.

Como la casa había perdido muchas de sus características eduardianas, el estudio ideó versiones contemporáneas de estos detalles.

Entre ellos se encuentran los “portales” de madera de cerezo del carpintero londinense Studio Manolo , que han reemplazado los arquitrabes que alguna vez rodearon las puertas de toda la casa.

Daytrip amplió la casa con un nuevo y audaz volumen de doble altura en la parte trasera, que alberga un espacio híbrido de cocina, comedor y sala de estar y una galería abierta que alberga un pequeño estudio. Además, el estudio creó un nuevo dormitorio principal en suite al nivel del loft.

El enfoque de Daytrip en cuanto al diseño se centró en maximizar la sensación de espacio abriendo los puntos de conexión entre habitaciones previamente discretas.

Alejándose de la idea tradicional de un pasillo central, el estudio cambió la ruta principal a través de la casa para abarcar cada habitación por turno.

Los espacios se diferencian por un desnivel, como parte de la distribución en planta semiabierta ideada por Daytrip.

Si bien estos espacios conservan sus propias funciones y carácter individuales, ahora existe una relación más estrecha entre las habitaciones individuales.

“Las casas tradicionales están llenas de callejones sin salida donde las habitaciones se sienten aisladas y separadas”, dijo Daytrip a Dezeen. “Queríamos crear más conexiones.

“Me pareció apropiado para un estilo de vida familiar moderno crear una ruta fácil y accesible, desde la llegada hasta los espacios sociales”.

La “sala de llegadas” con su mesa central del fabricante de muebles local Edward Collinson fue diseñada para crear una sensación de calma para replantear la mentalidad de la familia cuando regresan a casa.

A nivel práctico, esta sala también ofrece almacenamiento para todos los abrigos, zapatos y bolsos de la familia, ocultos detrás de paneles que son una versión invertida de los típicos paneles de época que se encuentran en las casas eduardianas.

En toda la casa se utilizó madera de cerezo en combinación con los tonos más oscuros de los suelos de roble ahumado.

“Disfrutamos el efecto ahumado del roble ahumado y utilizamos los tonos más cálidos de la cereza como contrapunto”, dijo la práctica. “Nos gusta usar madera para crear un fondo tonal, ya que aporta más profundidad a una habitación que la pintura sola”.

Desde el vestíbulo, los escalones descienden a un espacio más íntimo, revestido con papel tapiz con textura en tonos ámbar y estanterías de madera de cerezo. Esto crea una atmósfera más oscura y acogedora que contrasta con el espacio anterior.

Más escalones conectan el cómodo con la cocina, el comedor y la sala de estar recientemente ampliados.

Aquí, las puertas de vidrio del piso al techo abren el espacio al jardín minimalista del patio, diseñado por Tyler Gold Finch Gardens, colaborador habitual de Daytrip .

Sobre esta área, una ventana del triforio crea una perspectiva de doble aspecto y enmarca las vistas del dosel de los árboles circundantes.

La cocina, también hecha por Edward Collinson, cuenta con paneles de madera de cerezo y salpicaderos de mármol Fior Di Pesco, mientras que la isla está rematada con una pieza sólida de piedra de lava con un acabado esmaltado.

“Construimos paletas que reflejan el estado de ánimo y el carácter de la propiedad, a menudo introduciendo armonía y contraste”, dijo Daytrip.

Un piso de concreto vertido que fue pulido hasta obtener un brillo suave continúa hacia el jardín, creando una sensación de fluidez entre los dos espacios.

Encima de la cocina flota una galería abierta, decorada en tonos rojizos con una alfombra de color óxido de la marca sueca Kasthall .

Para la paleta de colores de la casa, Daytrip hizo referencia a su frente de ladrillo rojo y al verdor del parque cercano con una mezcla terrosa de tonos rojizos oxidados, equilibrados con tonos de bronce y verde musgo brillante.

Más allá del estudio, el primer piso está enfocado a la familia con dormitorios y baños para niños, mientras que el dormitorio principal se encuentra en la parte superior de la casa, beneficiándose de las vistas del horizonte de Londres.

El dormitorio fue diseñado como un refugio confortable, envuelto por un papel tapiz táctil de tela de pasto, en un cálido tono ámbar. Aquí se hace hincapié en la suavidad, con una alfombra de pura lana de color blanquecino y cortinas de lino diáfanas del suelo al techo.

La consultora de diseño londinense Monument Store fue elegida para amueblar y diseñar la casa.

“Nos gustó el contraste de Monument Store entre objetos escultóricos abstractos y brutalistas junto con piezas posmodernistas como la silla icónica de culto Ekstrem en el espacio de la galería o las sillas de mimbre Tito Agnoli en el salón de la cocina”, dijo Daytrip.

El estudio ha completado varias ampliaciones de viviendas en Londres en los últimos años.

Entre ellas se encuentran dos propiedades en Clapton, al este de Londres: una casa adosada con un sótano recién excavado y una terraza victoriana, que ahora alberga tres apartamentos separados .

La fotografía es de Pierce Scourfield .

Charcos de alfombra roja se derraman por el suelo de esta boutique de moda femenina diseñada por JUJU Studio en la ciudad de Nueva York .

Para la marca de moda Miss Circle , JUJU Studio , con sede en Nueva York, creó los interiores de su tienda de 242 metros cuadrados (2,600 pies cuadrados) en West Broadway en SoHo.

El espacio tiene una superficie larga y estrecha, por lo que el fundador del estudio, Jing Ju, ideó una variedad de técnicas de exhibición para las prendas femeninas de la marca.

“A diferencia de los típicos espacios minoristas de moda, Sensorial Flagship Store es atractivo y relacionable, animando a los clientes a interactuar con la marca de una manera totalmente estimulante”, dijo el estudio.

La mayoría de las superficies tienen un acabado en yeso beige, lo que proporciona un fondo neutro para momentos más dramáticos.

Estas incluyen áreas donde la alfombra roja aparece desde las paredes en forma fluida y se extiende por el piso para parecer charcos de líquido.

“Las superficies lisas pero duraderas añaden textura e interés visual al espacio, mientras que el tono beige crea una sensación de luminosidad y amplitud”, dijo el estudio.

“Esto ayuda a crear una atmósfera acogedora en el entorno minorista cerrado, donde es probable que los clientes se tomen su tiempo explorando la selección de ropa y accesorios de la tienda”.

En la parte delantera de la tienda, la alfombra también se extiende hasta la pared detrás de un sofá curvilíneo del mismo color y se filtra hasta el techo.

Se puede utilizar un mostrador deslizante para registrar a los invitados durante los eventos o para exhibir accesorios en otros momentos.

“El diseño elegante y minimalista del mostrador complementa la estética general de la tienda y demuestra un uso reflexivo y eficiente del espacio”, dijo el estudio.

A ambos lados de la tienda hay columnatas arqueadas, con nichos iluminados por ensenadas, cada uno de los cuales muestra una selección de diseños de ropa.

Se presentan más conjuntos sobre barandillas cromadas y maniquíes en el centro de este espacio de doble altura, encima del cual se coloca un largo tragaluz.

Hacia la parte trasera de la boutique hay una escalera alfombrada que conduce al entrepiso, donde se encuentran los probadores.

Los muebles de satén rojo, diseñados por Thehighkey , forman una zona de asientos para que los clientes se relajen bajo otro tragaluz, mientras que hay muchos espejos para quienes se prueban las prendas.

“La iluminación cálida se suma a la atmósfera dorada general, y el uso del rojo proporciona una sensación poética y romántica, lo que la convierte en una experiencia verdaderamente cautivadora”, dijo el estudio.

SoHo es reconocido como un destino de compras tanto de moda como de muebles, y siempre aparecen nuevas tiendas en el vecindario.

Las inauguraciones recientes incluyen un buque insignia Khaite con un árbol plantado en el centro, un puesto avanzado para Road to Awe que incluye probadores rojos y una elevada sala de exposición Moroso .

La fotografía es de David Luo y Justin Missner .

El estudio de diseño valenciano Masquespacio ha completado un restaurante para cenar en Milán para la cadena de sushi para llevar Ichi Station , con interiores diseñados para parecerse a una nave espacial futurista.

Ubicado en un edificio histórico en el distrito de Brera, el último establecimiento de la cadena se basa en el mismo concepto de viaje y transporte establecido en sus otros establecimientos, incluidos ocho en Milán y otro en Turín.

Pero Masquespacio quería llevar esta idea al siguiente nivel para el nuevo restaurante basándose en el lenguaje visual de la ciencia ficción y el turismo espacial.

“Propusimos abordar el concepto de viaje como un viaje al futuro”, dijo el cofundador de Masquespacio , Christophe Penasse.

“Cuando entras en Ichi , es como entrar en una nave espacial tipo cápsula que viaja a través de la luz, donde te desconectarás de la realidad para entrar en contacto con la comida”.

Masquespacio remodeló completamente el diseño del sitio de 80 metros cuadrados (anteriormente otro restaurante) creando un área de comedor central junto con un túnel donde los comensales pueden observar parte del proceso de elaboración del sushi.

Se añadió una barra de recogida cerca de la entrada para separar las rutas de circulación de los clientes de comida para llevar y de los comensales.

El motivo del túnel se desarrolló como una forma de expresar la idea de viajar y hacer una referencia a Japón sin caer en clichés.

“Se incorporaron algunos elementos para recordar al cliente Japón, como los enormes círculos de iluminación, aunque intentamos evitar hacer referencias típicas de Japón, como el uso de estructuras de madera”, explicó Penasse.

El motivo del túnel también informó los detalles circulares y cilíndricos que aparecen en todo el espacio en los respaldos de los asientos, los taburetes de la barra y los elementos decorativos, como la luz circular en el área del comedor principal.

“Las formas le dan al proyecto el aspecto futurista que necesitaba”, dijo el diseñador.

Masquespacio optó por una paleta de materiales simple y sobria que incluye vidrio y microcemento, que se utilizó junto con mesas y asientos totalmente integrados para crear una apariencia perfecta que recuerda a una nave espacial.

Los muebles hechos a medida del restaurante aportan otra referencia a los tropos del diseño de transporte. “Se puede reconocer como una reinterpretación de los asientos de una estación y, especialmente, de un tren”, explicó Penasse.

El interior está acabado en tonos neutros de beige y blanquecino, pero está decorado en diferentes colores vivos gracias al sistema de iluminación LED integrado en las paredes, los techos e incluso las mesas.

Las luces alternan tonos de azul, verde, violeta y melocotón a velocidades variables y, según Penasse, crean una auténtica “explosión de color”.

Aunque tiene su sede en España, Masquespacio ha completado varios proyectos en Italia en los últimos años.

Entre ellos se encuentran dos restaurantes color block de la cadena de comida rápida Bun: un interior azul y verde en Turín y una versión verde y violeta en Milán .

La fotografía es de Luis Beltrán .