Ocho viviendas con pérgolas donde los residentes podrán aprovechar al máximo el verano

Una “cabaña invertida psicodélica” proporcionó al estudio canadiense Frank Architecture la narrativa del diseño de este bar y restaurante informal japonés en Banff, Alberta.

Ubicado en las montañas de Alberta, Hello Sunshine ofrece barbacoa, sushi y karaoke en un espacio de influencia retro diseñado por Frank Architecture en colaboración con Little Giant .

El equipo imaginó una realidad alternativa, en la que el diseñador gráfico japonés Tadanori Yokoo se aventuró en las montañas y se refugió en una cabaña durante años, y basó los interiores en cuál podría haber sido el resultado.

“Tomando como referencia la improbable yuxtaposición de la psicodelia japonesa, el spaghetti western y la cabaña de montaña, Hello Sunshine es audaz, divertido y distinto”, dijo Frank Architecture, que tiene una oficina en Banff.

El restaurante está situado en el centro de la ciudad, que es un destino popular para turistas y entusiastas de los deportes de invierno, y está diseñado para ofrecer una sensación de descubrimiento.

“La planificación espacial pretende ser orgánica y serpenteante”, dijo el equipo. “Al entrar, el restaurante no es visible de inmediato, pero se revela lentamente a medida que uno se mueve por el espacio”.

El restaurante ocupa un espacio alto y abierto revestido casi en su totalidad de madera, con la barra redondeada ubicada en la parte trasera y una variedad de opciones para sentarse en las mesas repartidas por todas partes.

Los comensales pueden elegir entre bancos comunes, cuatro encimeras, reservados, taburetes de bar o sentarse en una de las dos mesas especiales.

Este par de grandes mostradores circulares cuentan con un pozo de fuego elevado en el centro, debajo de conductos de humos en forma de fluido revestidos con azulejos de cerámica vidriada brillante.

Elementos básicos del diseño japonés, como linternas de papel y obras de arte textiles colgadas en el techo, se combinan con elementos montañosos como cortinas a cuadros, piedra vista y mucha madera.

Se utiliza tela de pana azul para cubrir los banquetes, mientras que los asientos de la cabina están metidos en un nicho formado por paredes en ángulo cubiertas con tejas de madera.

En las salas de karaoke escondidas en la parte trasera, alfombras estampadas, lámparas de lava y bolas de discoteca añaden color y brillo a los espacios con paneles de madera.

También hay un pequeño bar escondido inspirado en los que se apiñan en los callejones de Golden Gai en Shinjuku, Tokio.

“El resultado es un espacio audaz y envolvente que sorprende y deleita a los huéspedes con momentos inesperados y un estilo distintivo”, dijo el equipo.

Este no es el único restaurante japonés de Frank Architecture: el estudio también creó un ambiente íntimo para el bar de fideos Lonely Mouth en su otra ciudad natal, Calgary.

Para otro lugar en la metrópolis del oeste de Canadá, el equipo se inspiró en el autor Truman Capote para crear un ambiente de los años 60 en Major Tom , en el piso 40 de un rascacielos del centro.

La fotografía es de Chris Amat .

Los estudios de arquitectura locales Productora y Esrawe Studio han equipado un hotel de México con planos de azulejos verdes suspendidos del techo del vestíbulo.

Ubicado en un sitio montañoso en San Miguel de Allende, México, el Hotel Albor es parte de la Colección de Tapices de Hilton.

Concluido en 2022, el proyecto de 6.038 metros cuadrados contiene lobby, restaurante, bar, gimnasio, salón de usos múltiples y área de piscina con parrilla.

Productora y Esrawe Studio aprovecharon el entorno montañoso para el diseño.

“El hotel emerge naturalmente del terreno, enmarcando una hermosa vista del valle”, dijo el equipo.

“La base de piedra del hotel está inspirada en el interior de la montaña, presentando una apariencia texturizada y colorida”.

Una piedra texturizada de color rojo natural se envolvió alrededor de los dos primeros niveles del edificio, que sube la colina del sitio.

Los tres niveles superiores contienen las habitaciones privadas del hotel y tienen un exterior revestido con un material blanco simple, que contrasta con la base.

Los niveles inferiores, que contienen el vestíbulo, el restaurante, el bar y el jardín, corren perpendiculares a la calle adoquinada del sitio, mientras que el volumen del piso superior corre paralelo.

Los huéspedes ingresan al espacioso vestíbulo del hotel, donde se colocó la misma piedra roja en los pisos, paredes y elementos del bar.

El espacio de doble altura del vestíbulo está dividido por planos de baldosas de cerámica verde espuma de mar , que presentan un patrón en forma de hoja del artista mexicano Omar Barquet .

Elaborados por el fabricante de azulejos Latitude , cubren paredes divisorias, planos de techo y paneles suspendidos del techo.

El espacio está equipado con amplias mesas y sillas de madera en bloques de Roberto González. También se utilizó madera para una gran estantería que se extiende a lo largo del vestíbulo interior.

Se utilizó una mezcla de cojines grises, verdes y rojos para cubrir los asientos, con el mismo tono rojo utilizado para enmarcar una serie de puertas corredizas de vidrio que conducen al extenso patio del hotel.

Los volúmenes rectangulares se elevan sobre el patio trasero, reflejando los mismos paneles rectangulares utilizados para dividir el vestíbulo.

El patio se extiende a lo largo de varios niveles, con grandes parterres cuadrados instalados con cactus y otras plantas locales por PLANTA Botanical Design .

Las habitaciones privadas del hotel se mantuvieron minimalistas, con los mismos muebles de madera reflejados en las zonas de descanso, los gabinetes y la estructura de la cama.

“Las habitaciones cuentan con una paleta de colores naturales y materiales como arcilla mineral, artesanía local, muebles de madera y telas naturales, proporcionando un ambiente acogedor y acogedor para los huéspedes”, dijo el equipo.

También se llevó un tono rojo tierra a los baños privados.

Productora completó recientemente un complejo de viviendas compartidas de color azul brillante en Denver, Colorado, mientras que Esrawe Studio renovó un apartamento en la Ciudad de México con una “piel” de roble .

La fotografía es de César Béjar .

Créditos del proyecto:

Asesores de proyecto: Hilton Cala Team
Instalaciones MEP: GISA
Instalaciones especiales: GISA
Paisaje: PLANTA Botanical Design
Iluminación: SOMBRA
Identidad gráfica: Sodio
Arte: Omar Barquet

El estudio londinense Alex Cochrane Architects ha creado un trío de tiendas de museo en la recientemente renovada National Portrait Gallery de Londres .

Completados como parte de una renovación más amplia de tres años del edificio victoriano catalogado de Grado I por Jamie Fobert Architects y Purcell , los puntos de venta tenían que ser respetuosos y, cuando fuera posible, no intrusivos.

Alex Cochrane Architects trabajó en estrecha colaboración con los estudios principales para crear una tienda principal junto a la nueva entrada del museo y dos tiendas más que dan servicio a espacios de exposición temporal, cada una de las cuales “reunió lo monumental y lo íntimo”.

“El desafío de este proyecto era diseñar espacios comerciales trabajadores que brindaran una experiencia de compra inspiradora y al mismo tiempo ofrecieran un diseño que abrazara las elegantes proporciones del edificio de Grado I”, dijo a Dezeen, Alex Cochrane Architects, fundador de Alex Cochrane.

Las dos salas contiguas de la tienda principal tienen impresionantes alturas de techo de entre seis y 7,5 metros y Cochrane diseñó el espacio para enfatizar la verticalidad.

“La mejor manera de celebrar estas magníficas alturas era que nuestra arquitectura comercial alcanzara altura y se detuviera respetuosamente antes del período de cornisa”, dijo Cochrane.

“Hay un acento vertical obvio en nuestros diseños que permite mirar hacia arriba y apreciar las grandes alturas y los detalles de época”.

Conscientes de que su marco de exhibición tendría que ser más alto que los muebles comerciales convencionales, lo han hecho deliberadamente a escala arquitectónica.

“Queríamos celebrar las alturas de estas dos salas”, dijo. “Queríamos que el visitante mirara hacia arriba y hacia adelante. Y, por supuesto, queríamos visibilidad desde la calle”.

La práctica utilizó formas arqueadas en su diseño, inspirándose en las puertas históricas y las aberturas de las habitaciones dentro del espacio y en la galería más amplia.

“Repetimos la forma de estos arcos elevados alrededor de la habitación creando un ritmo para que todos los arcos, tanto antiguos como nuevos, adquirieran un lenguaje singular y familiar”, dijo Cochrane.

Para darle definición al espacio sin la necesidad de una mayor intervención estructural, utilizó finos “halos” de luz para delinear los arcos, así como para resaltar los grandes bustos de yeso que cuelgan dentro de los arcos de exhibición, aumentando la visibilidad de la tienda desde el calle.

Los moldes de yeso, que representan a los artistas Holbein, Chantry y Roubillac, fueron descubiertos en el ático de la galería durante la remodelación y son prototipos de las versiones en piedra que se ven en los alzados traseros del edificio.

“Nos encanta cómo están enmarcados en los arcos”, dijo Cochrane. “Tienen una rugosidad, una textura que se compara bien con nuestros acabados metálicos”.

Del mismo modo, una original linterna en el techo, que había estado tapiada durante muchos años, ahora ocupa un lugar central, amplificando el impacto del espacio.

Varios factores dieron forma a la minimalista paleta de materiales del proyecto.

“Los materiales debían ser complementarios a los de los acabados de la época, pero también debían ser fácilmente distinguibles”, dijo Cochrane.

“Y elegimos nuestros materiales teniendo en cuenta sus credenciales medioambientales de bajo impacto. Se priorizaron los materiales locales, reutilizables, reciclados, de segunda mano y certificados, mientras se evitaron los materiales con alto contenido de carbono incorporado y COV”.

La piedra se obtuvo en Europa, mientras que el material elegido fue el metal cepillado, “que es neutro tanto en tono como en color”.

Consciente de la huella de carbono del acero y otros metales, Cochrane eligió a Arper para los muebles metálicos debido a sus procesos de fabricación innovadores y de “bajo impacto”.

“Preferimos los acabados mate a los pulidos, ya que reflejan menos luz y garantizan que los productos sigan siendo el centro de atención”, dijo.

Para la tienda de exhibición del primer piso, gran parte del mobiliario se construyó en Richlite . Durable y sostenible, es un material con certificación FSC elaborado con papel reciclado posconsumo.

Para la tienda de exposición de la planta baja, los muebles del piso medio se construyeron en linóleo, fabricado en un 97 por ciento con materiales naturales, un 30 por ciento reciclados y un 100 por ciento reciclables y compostables.

El estudio probó numerosos colores de pintura, decidiéndose por el ‘Lamp Room Grey’ de Farrow Ball para las paredes y el ‘School House White’ para los techos.

“Estos colores combinan bien con los del vestíbulo de entrada adyacente y la escalera este y contrastan sutilmente con nuestros propios acabados metálicos”.

“Queríamos ser estratégicos al utilizar colores fuertes, ya que éramos conscientes de que la mercancía también tendría una cantidad considerable de color”.

El estudio optó por utilizar un color vivo para el gabinete de joyería independiente, centrado entre las dos ventanas monumentales con marcos de teca, “que realmente podría llamar la atención del transeúnte con un color vigorizante”.

“Exploramos diferentes colores y nos decidimos por un amarillo intenso al que llamamos ‘Starling’s Yellow’ debido al amor del director comercial por este color”.

Del mismo modo, Cochrane quería que el mostrador de pago fuera llamativo y utilizó un mármol verde con muchos diseños para atraer al cliente a este extremo del espacio, donde hay vistas de la explanada recién rediseñada y de Charing Cross Road más allá.

“Por lo general, somos minimalistas y nos encantan los colores llamativos. Creemos que el color realmente puede revitalizar una habitación”, afirmó Cochrane.

La Galería Nacional de Retratos reabre sus puertas por primera vez esta semana, luego de su renovación y de un cambio de marca más amplio. A principios de este año, el museo dio a conocer una revisión de su logotipo realizada por el ilustrador Peter Horridge basada en un boceto del primer director de la galería.

La fotografía es de Alex Cochrane Architects y Andrew Meredith .