“El mundo se quedó sin rosa” debido a la producción de la película Barbie
Los decorados de la próxima película de Barbie de Greta Gerwig requirieron cantidades tan grandes de pintura rosa que consumieron todo el suministro global de una compañía, según la diseñadora de producción Sarah Greenwood.
En declaraciones a Architectural Digest , Gerwig reveló que el equipo construyó los decorados fluorescentes de Barbie Land de la película casi en su totalidad desde cero en Warner Bros Studios Leavesden, hasta el cielo, que fue pintado a mano en lugar de renderizado CGI.
“Estábamos literalmente creando el universo alternativo de Barbie Land”, dijo a la revista. “Todo tenía que ser táctil, porque los juguetes son, ante todo, cosas que se tocan”.
Para recrear la paleta de colores casi monocromática de Barbie’s Dreamhouses , el equipo de diseño del escenario tuvo que conseguir un suministro inagotable de pintura rosa para cubrir todo, desde farolas hasta señales de tráfico.
En particular, la producción utilizó un tono muy saturado del fabricante estadounidense Rosco para capturar la hiperrealidad de Barbie Land.
“Quería que los rosas fueran muy brillantes y que todo fuera casi demasiado”, dijo Gerwig a Architectural Digest.
De hecho, se necesitaba tanta pintura que Greenwood dice que la producción de la película provocó una escasez mundial de ese tono en particular.
“El mundo se quedó sin color rosa”, bromeó.
Roscolater dijo al LA Times que la cadena de suministro de la compañía ya se había visto interrumpida cuando la película comenzó a producirse a principios de 2022, debido a las secuelas persistentes de la pandemia de coronavirus y la tormenta invernal que sacudió a Texas el año anterior.
“Hubo una escasez y luego les dimos todo lo que pudimos; no sé si pueden reclamar el crédito”, dijo Lauren Proud, vicepresidenta de marketing global de Rosco, al LA Times, antes de admitir que “nos limpiaron en pintura”. .
Desde que se publicaron por primera vez las imágenes fijas de la próxima película hace un año, la estética hiperfemenina “Barbiecore” completamente rosa se ha infiltrado en el mundo del diseño, con las búsquedas en Google disparándose y el término acumulando más de 349 millones de visitas en TikTok.
A principios de este año, el fabricante de Barbie Mattel colaboró con la revista Pin-Up para publicar una monografía sobre la arquitectura y los interiores de Barbie’s Dreamhouse para conmemorar su 60 aniversario.
“Ha habido tantos libros y doctorados completos sobre Barbie, pero nunca sobre sus muchas casas y sus muebles”, dijo a Dezeen el fundador de Pin-Up, Felix Burrichter.
“Así que pensamos que sería una buena idea hacer uno y tratarlo como un tema serio, de la misma manera que Barbie ha sido tratada como un tema serio a lo largo de los años”.
Los estudios de arquitectura locales Productora y Esrawe Studio han equipado un hotel de México con planos de azulejos verdes suspendidos del techo del vestíbulo.
Ubicado en un sitio montañoso en San Miguel de Allende, México, el Hotel Albor es parte de la Colección de Tapices de Hilton.
Concluido en 2022, el proyecto de 6.038 metros cuadrados contiene lobby, restaurante, bar, gimnasio, salón de usos múltiples y área de piscina con parrilla.
Productora y Esrawe Studio aprovecharon el entorno montañoso para el diseño.
“El hotel emerge naturalmente del terreno, enmarcando una hermosa vista del valle”, dijo el equipo.
“La base de piedra del hotel está inspirada en el interior de la montaña, presentando una apariencia texturizada y colorida”.
Una piedra texturizada de color rojo natural se envolvió alrededor de los dos primeros niveles del edificio, que sube la colina del sitio.
Los tres niveles superiores contienen las habitaciones privadas del hotel y tienen un exterior revestido con un material blanco simple, que contrasta con la base.
Los niveles inferiores, que contienen el vestíbulo, el restaurante, el bar y el jardín, corren perpendiculares a la calle adoquinada del sitio, mientras que el volumen del piso superior corre paralelo.
Los huéspedes ingresan al espacioso vestíbulo del hotel, donde se colocó la misma piedra roja en los pisos, paredes y elementos del bar.
El espacio de doble altura del vestíbulo está dividido por planos de baldosas de cerámica verde espuma de mar , que presentan un patrón en forma de hoja del artista mexicano Omar Barquet .
Elaborados por el fabricante de azulejos Latitude , cubren paredes divisorias, planos de techo y paneles suspendidos del techo.
El espacio está equipado con amplias mesas y sillas de madera en bloques de Roberto González. También se utilizó madera para una gran estantería que se extiende a lo largo del vestíbulo interior.
Se utilizó una mezcla de cojines grises, verdes y rojos para cubrir los asientos, con el mismo tono rojo utilizado para enmarcar una serie de puertas corredizas de vidrio que conducen al extenso patio del hotel.
Los volúmenes rectangulares se elevan sobre el patio trasero, reflejando los mismos paneles rectangulares utilizados para dividir el vestíbulo.
El patio se extiende a lo largo de varios niveles, con grandes parterres cuadrados instalados con cactus y otras plantas locales por PLANTA Botanical Design .
Las habitaciones privadas del hotel se mantuvieron minimalistas, con los mismos muebles de madera reflejados en las zonas de descanso, los gabinetes y la estructura de la cama.
“Las habitaciones cuentan con una paleta de colores naturales y materiales como arcilla mineral, artesanía local, muebles de madera y telas naturales, proporcionando un ambiente acogedor y acogedor para los huéspedes”, dijo el equipo.
También se llevó un tono rojo tierra a los baños privados.
Productora completó recientemente un complejo de viviendas compartidas de color azul brillante en Denver, Colorado, mientras que Esrawe Studio renovó un apartamento en la Ciudad de México con una “piel” de roble .
La fotografía es de César Béjar .
Créditos del proyecto:
Asesores de proyecto: Hilton Cala Team Instalaciones MEP: GISA Instalaciones especiales: GISA Paisaje: PLANTA Botanical Design Iluminación: SOMBRA Identidad gráfica: Sodio Arte: Omar Barquet
La Oficina de Arquitectura de Michael Hsu ha adornado su estudio con paredes revestidas de madera y tela y detalles industriales en Austin para crear una “representación” material de su trabajo.
Ubicado en el vecindario Rosedale de Austin, el estudio de 1000 metros cuadrados (10,750 pies cuadrados) combina elementos de arquitectura residencial y de almacén.
“El nuevo estudio nos proporciona el espacio adicional que necesitábamos y es una representación física de nuestro proceso. Los espacios están diseñados para facilitar la forma en que trabajamos ahora, permitiendo diferentes modos, tamaños y formas de colaboración”. dijo el fundador Michael Hsu.
“Queríamos diseñar un espacio para que nuestro equipo desarrollara la curiosidad y la creatividad mientras estábamos rodeados de una comunidad de personas talentosas”.
Se fabricó en julio de 2022 para su equipo en crecimiento. La Oficina de Arquitectura Michael Hsu ocupa el primer y tercer piso del edificio de tres plantas.
El exterior está envuelto en bloques de terracota elaborados localmente a lo largo de la base y un revestimiento horizontal de color oscuro alrededor de los pisos superiores que está perforado por grandes ventanas.
La planta rectangular está atravesada por una gran escalera exterior de color verde pálido con un techo de listones para protegerla del sol de Texas. Los plafones de madera calientan el material exterior con sutiles señales de cuchillas que dirigen la circulación.
En el interior, las vigas de acero expuestas, pintadas de blanco, añaden una atmósfera industrial al espacio, mientras que los delgados marcos de las ventanas y las parteluces negras crean un delicado contraste.
“Los espacios permiten diferentes modos, tamaños y formas de colaboración en una huella más amplia”, dijo el equipo. “Se utilizaron materiales humildes de formas hermosas e inesperadas”.
“Los muebles hechos a medida y las obras de arte seleccionadas en todo el espacio reflejan un compromiso de colaboración con los fabricantes y artistas favoritos de MHOA”.
La planta baja, con salas de conferencias diseñadas para entretener a los clientes dispersos dentro del bullicio de la oficina, prioriza el acabado y la formalidad con colores monocromáticos atrevidos.
El salón de entrada está envuelto en paneles de pared de madera enrutados de color gris claro y adornado con una pintura vibrante de Patrick Puckett y una lámpara personalizada de Warbach Lighting en colaboración con el artista Brandon Mike .
Las cortinas grises y los muebles de terciopelo de color escarlata sirven como una lujosa alternativa a las líneas limpias del mostrador de recepción de arce espaltado personalizado y aluminio pulido.
El espacio de trabajo de planta abierta está lleno de luz con mármol Calacatta Gold Borghini y suaves detalles en blanco realzados por pisos de roble blanco crudo y escritorios y carpintería de nogal.
El espacio de trabajo informal se yuxtapone con el “espacio de comedor formal” de las salas de conferencias. Las salas de conferencias, cubiertas con revestimientos de paredes de mohair y seda de zafiro, tienen mesas personalizadas de Michael Wilson y Drophouse , sillas antiguas y lámparas metálicas suspendidas.
Arriba, el vestíbulo del ascensor lleno de luz tiene divertidas inclusiones de arte como la escultura de cabeza de pixel ciervoada de Shawn Smith y la motocicleta Ducati antigua de Hsu.
El tercer piso sirve como un espacio de colaboración para los diseñadores con “un laboratorio de materiales prácticos y un generoso salón y cocina diseñados para apoyar la conexión social”.
Un gabinete personalizado de Litmus Industries en color verde menta y cromo divide el espacio y sirve como un momento íntimo dentro del espacio abierto lleno de escritorios blancos combinados.
“Era importante para el equipo representar experiencia y mostrar una hospitalidad excepcional a los clientes y al mismo tiempo ser inclusivos y complacientes con los diseñadores de MHOA”, dijo el estudio.
La afinidad de la oficina por los muebles suaves en tonos joya colocados en grandes espacios industriales es evidente en el diseño de 2019 de la sede de Shake Shack en Nueva York y en la reciente conversión de una iglesia de la década de 1930 para la oficina de Argodesign en Austin .
La fotografía es de Chase Daniel .
Créditos del proyecto:
Arquitectura + interiores, selección y adquisiciones de FFE: Oficina de Arquitectura de Michael Hsu Luminaria personalizada: diseñada en colaboración con Warbach Lighting y el artista Brandon Mike Mesas personalizadas: Michael Wilson y Drophouse Carpintería y mostrador de recepción personalizados: Litmus Industries Artistas: Patrick Puckett , Denise Prince , Clare Grill, Seung Yul Oh, Dorota Jedrusik, Hugo Pernet y Paolo Arao
El estudio londinense Alex Cochrane Architects ha creado un trío de tiendas de museo en la recientemente renovada National Portrait Gallery de Londres .
Completados como parte de una renovación más amplia de tres años del edificio victoriano catalogado de Grado I por Jamie Fobert Architects y Purcell , los puntos de venta tenían que ser respetuosos y, cuando fuera posible, no intrusivos.
Alex Cochrane Architects trabajó en estrecha colaboración con los estudios principales para crear una tienda principal junto a la nueva entrada del museo y dos tiendas más que dan servicio a espacios de exposición temporal, cada una de las cuales “reunió lo monumental y lo íntimo”.
“El desafío de este proyecto era diseñar espacios comerciales trabajadores que brindaran una experiencia de compra inspiradora y al mismo tiempo ofrecieran un diseño que abrazara las elegantes proporciones del edificio de Grado I”, dijo a Dezeen, Alex Cochrane Architects, fundador de Alex Cochrane.
Las dos salas contiguas de la tienda principal tienen impresionantes alturas de techo de entre seis y 7,5 metros y Cochrane diseñó el espacio para enfatizar la verticalidad.
“La mejor manera de celebrar estas magníficas alturas era que nuestra arquitectura comercial alcanzara altura y se detuviera respetuosamente antes del período de cornisa”, dijo Cochrane.
“Hay un acento vertical obvio en nuestros diseños que permite mirar hacia arriba y apreciar las grandes alturas y los detalles de época”.
Conscientes de que su marco de exhibición tendría que ser más alto que los muebles comerciales convencionales, lo han hecho deliberadamente a escala arquitectónica.
“Queríamos celebrar las alturas de estas dos salas”, dijo. “Queríamos que el visitante mirara hacia arriba y hacia adelante. Y, por supuesto, queríamos visibilidad desde la calle”.
La práctica utilizó formas arqueadas en su diseño, inspirándose en las puertas históricas y las aberturas de las habitaciones dentro del espacio y en la galería más amplia.
“Repetimos la forma de estos arcos elevados alrededor de la habitación creando un ritmo para que todos los arcos, tanto antiguos como nuevos, adquirieran un lenguaje singular y familiar”, dijo Cochrane.
Para darle definición al espacio sin la necesidad de una mayor intervención estructural, utilizó finos “halos” de luz para delinear los arcos, así como para resaltar los grandes bustos de yeso que cuelgan dentro de los arcos de exhibición, aumentando la visibilidad de la tienda desde el calle.
Los moldes de yeso, que representan a los artistas Holbein, Chantry y Roubillac, fueron descubiertos en el ático de la galería durante la remodelación y son prototipos de las versiones en piedra que se ven en los alzados traseros del edificio.
“Nos encanta cómo están enmarcados en los arcos”, dijo Cochrane. “Tienen una rugosidad, una textura que se compara bien con nuestros acabados metálicos”.
Del mismo modo, una original linterna en el techo, que había estado tapiada durante muchos años, ahora ocupa un lugar central, amplificando el impacto del espacio.
Varios factores dieron forma a la minimalista paleta de materiales del proyecto.
“Los materiales debían ser complementarios a los de los acabados de la época, pero también debían ser fácilmente distinguibles”, dijo Cochrane.
“Y elegimos nuestros materiales teniendo en cuenta sus credenciales medioambientales de bajo impacto. Se priorizaron los materiales locales, reutilizables, reciclados, de segunda mano y certificados, mientras se evitaron los materiales con alto contenido de carbono incorporado y COV”.
La piedra se obtuvo en Europa, mientras que el material elegido fue el metal cepillado, “que es neutro tanto en tono como en color”.
Consciente de la huella de carbono del acero y otros metales, Cochrane eligió a Arper para los muebles metálicos debido a sus procesos de fabricación innovadores y de “bajo impacto”.
“Preferimos los acabados mate a los pulidos, ya que reflejan menos luz y garantizan que los productos sigan siendo el centro de atención”, dijo.
Para la tienda de exhibición del primer piso, gran parte del mobiliario se construyó en Richlite . Durable y sostenible, es un material con certificación FSC elaborado con papel reciclado posconsumo.
Para la tienda de exposición de la planta baja, los muebles del piso medio se construyeron en linóleo, fabricado en un 97 por ciento con materiales naturales, un 30 por ciento reciclados y un 100 por ciento reciclables y compostables.
El estudio probó numerosos colores de pintura, decidiéndose por el ‘Lamp Room Grey’ de Farrow Ball para las paredes y el ‘School House White’ para los techos.
“Estos colores combinan bien con los del vestíbulo de entrada adyacente y la escalera este y contrastan sutilmente con nuestros propios acabados metálicos”.
“Queríamos ser estratégicos al utilizar colores fuertes, ya que éramos conscientes de que la mercancía también tendría una cantidad considerable de color”.
El estudio optó por utilizar un color vivo para el gabinete de joyería independiente, centrado entre las dos ventanas monumentales con marcos de teca, “que realmente podría llamar la atención del transeúnte con un color vigorizante”.
“Exploramos diferentes colores y nos decidimos por un amarillo intenso al que llamamos ‘Starling’s Yellow’ debido al amor del director comercial por este color”.
Del mismo modo, Cochrane quería que el mostrador de pago fuera llamativo y utilizó un mármol verde con muchos diseños para atraer al cliente a este extremo del espacio, donde hay vistas de la explanada recién rediseñada y de Charing Cross Road más allá.
“Por lo general, somos minimalistas y nos encantan los colores llamativos. Creemos que el color realmente puede revitalizar una habitación”, afirmó Cochrane.
La Galería Nacional de Retratos reabre sus puertas por primera vez esta semana, luego de su renovación y de un cambio de marca más amplio. A principios de este año, el museo dio a conocer una revisión de su logotipo realizada por el ilustrador Peter Horridge basada en un boceto del primer director de la galería.
La fotografía es de Alex Cochrane Architects y Andrew Meredith .
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