Vives St-Laurent crea una boutique infantil teatral en la estación de esquí de Mont-Tremblant
Aprovechando los colores suaves y las suaves curvas, el estudio de diseño de interiores Vives St-Laurent ha completado la tienda infantil Billie Le Kid en Mont-Tremblant, una estación de esquí canadiense conocida por su colorida arquitectura.
Después de la primera tienda de Billie Le Kid en Montreal, la marca contrató a Vives St-Laurent para crear un nuevo puesto de avanzada que capturara el espíritu de la marca y al mismo tiempo reflejara su ubicación.
Su escaparate fue diseñado para parecerse a un teatro, mostrando la saludable edición de ropa, juguetes y libros para niños de la marca.
Los toldos hechos a medida recuerdan la idea de una tienda general, mientras que el frente fue repintado en una vibrante paleta de azul sobre azul para reflejar la colorida carta de Mont-Tremblant.
Haciendo referencia a la fachada, las aberturas arqueadas en toda la boutique aportan un toque caprichoso a las transiciones entre las diferentes secciones.
Se utilizaron esquinas redondeadas para suavizar los bordes de las vitrinas, añadiendo carácter y creando una atmósfera divertida y acogedora.
Se utilizó mármol Bianco Carrara encima del mostrador de caja para transmitir una sensación de lujo atemporal, mientras que las cortinas del vestidor de terciopelo color musgo hacen referencia al concepto del teatro y aportan suavidad y tacto al espacio.
El suelo de hormigón pulido fue una elección práctica, ya que el material de fácil mantenimiento permite a los esquiadores visitar la tienda con sus botas de esquí.
Se agregaron paneles pintados machihembrados para darle a la boutique un toque de nostalgia.
“Combinamos materiales clásicos y contemporáneos para crear un ambiente armonioso pero único”, dijo a Dezeen la diseñadora de interiores de Vives St-Laurent, Léa Courtadon.
Courtadon dijo que eligió la paleta de colores relajantes de la tienda, beige piedra y verde salvia, para crear “un ambiente caprichoso que recuerda el mundo lúdico de la infancia mientras mantiene la sofisticación y garantiza que los productos se destaquen”.
Se eligieron muebles canadienses antiguos y resistentes para inspirarse en la idea de tienda general y hogar familiar. Las largas mesas de madera del refectorio se reutilizaron como exhibidores de juguetes y ropa, agregando interés visual y al mismo tiempo rindiendo homenaje a la herencia canadiense de la marca.
Una hilera de luces colgantes antiguas de vidrio con volantes crea un elemento destacado sobre el mostrador.
“Los globos ondulados de las lámparas se asemejan a tutús de bailarina, añadiendo un toque delicado al diseño general”, dijo Courtadon.
Por el contrario, se eligió el sistema de iluminación principal con acabado blanco mate para combinar perfectamente con el techo alto de la tienda. El sistema de barandillas permite un posicionamiento preciso para resaltar diferentes elementos dentro de las vitrinas.
Vives St-Laurent utilizó cestas de almacenamiento para contribuir a la estética nostálgica y casera, además de ofrecer una forma práctica de almacenar y exhibir juguetes de peluche.
“Crean una impresión de abundancia y permiten que los niños interactúen con los juguetes, promoviendo una sensación de independencia y autonomía”, dijo Courtadon. “Todo contribuye a crear una atmósfera divertida y atractiva que es ideal para una tienda infantil”.
Desde su fundación en 2018, Vives St-Laurent ha completado una variedad de proyectos en todo Canadá. Entre ellos se encuentra una casa táctil en Montreal con una combinación de colores grises intensos.
La startup estadounidense Recompose ha abierto una funeraria en Seattle diseñada por el estudio de arquitectura Olson Kundig , donde los restos humanos se convierten en abono y se convierten en un suelo rico en nutrientes que puede nutrir nueva vida vegetal.
Ubicada en un almacén reformado en el distrito SoDo de la ciudad, la instalación es una de las primeras en hacer uso de una práctica floreciente conocida como reducción orgánica natural, o compostaje humano, que fue legalizada en el estado de Washington en 2019.
En este caso, el cuerpo del difunto se coloca sobre un lecho de materiales vegetales dentro de un recipiente de acero inoxidable , construido específicamente para acelerar el proceso natural de separación.
En el transcurso de 60 días, sus restos se convierten en un metro cúbico de tierra fértil, suficiente para llenar la caja de una camioneta. Luego, los seres queridos pueden llevarse este abono a casa y utilizarlo para nutrir su jardín, plantar árboles en memoria del difunto o donarlo a un área de conservación local.
El objetivo es ofrecer una alternativa menos contaminante a la cremación o el entierro, que genera enormes emisiones y consume muchos recursos, y en su lugar crear una práctica funeraria significativa que permita a las personas retribuir a la naturaleza.
“Los clientes nos han compartido que la idea de que su persona se convierta en tierra es reconfortante”, dijo a Dezeen la fundadora de Recompose, Katrina Spade.
“Hacer crecer nueva vida a partir de esa tierra es algo profundo y el pequeño ritual de plantar, utilizando tierra creada a partir del cuerpo de un ser querido, es muy tangible”.
Las instalaciones insignia de Recompose de 19,500 pies cuadrados en Seattle tienen capacidad para una serie de 31 recipientes de compostaje cilíndricos, apilados dentro de una estructura de acero hexagonal.
Esta construcción vertical ayuda a conservar el espacio en un intento por superar el problema del uso de la tierra asociado con el entierro tradicional y hacer factible el compostaje humano incluso en áreas urbanas densas.
“Se puede pensar en Recompose como el equivalente urbano al entierro natural: devolvernos a la tierra sin requerir mucho terreno”, dijo Spade, un arquitecto capacitado que desarrolló las vasijas como parte de una residencia en el estudio de Olson Kundig en Seattle .
El edificio en sí fue diseñado en colaboración con el estudio de arquitectura para reimaginar la experiencia de estar en una funeraria, haciendo el proceso más transparente e incorporando elementos de la naturaleza en lugar de iconografía religiosa abierta.
En un espíritu de regeneración, se conservó gran parte de la estructura original del almacén. Los cálidos pisos de madera y una pared con plantas dan vida al vestíbulo central, mientras que se insertan tiras de vidrio verde en las paredes para brindar vislumbres del espacio íntimo de la ceremonia más allá.
Aquí, los seres queridos pueden participar en una “ceremonia de inhumación”, similar a un funeral tradicional.
“El Gathering Space tiene ventanas de vidrio de colores desde el piso hasta el techo que dejan entrar la luz, de manera similar a la forma en que la luz se filtra entre los árboles en un bosque”, dijo el director de diseño de Olson Kundig , Alan Maskin.
“De cierto modo, Recompose es una funeraria al revés. Hay una sugerencia de transparencia y apertura sobre la muerte, incluida la capacidad de ver y comprender todo el proceso, que es muy diferente de la experiencia de una funeraria tradicional”.
Durante la ceremonia, un sencillo atril de madera permite a los dos compartir palabras sobre sus seres queridos mientras el cuerpo del difunto se envuelve en una mortaja de algodón y se presenta sobre una cama de color verde oscuro llamada cuna.
Imitando el ritual de arrojar tierra sobre un ataque, los invitados pueden colocar sobre su persona flores y materiales vegetales, que ayudarán a su transformación en tierra.
La funeraria también cuenta con salas dedicadas para aquellos que desean brindar un cuidado más práctico a sus difuntos antes de la ceremonia, bañando el cuerpo o recitando oraciones y canciones.
Al final del servicio, la cuna se mueve a través de un llamado recipiente umbral incrustado en la pared y hacia el invernadero, donde se unirá a los otros recipientes del conjunto.
“Se puso mucho cuidado al considerar la experiencia del cuerpo”, dijo Maskin. “Incluso hay un poco de poesía inscrita en el interior del recipiente de transición utilizado durante las ceremonias”.
“Ese poema no es para los vivos; sólo es visible dentro del recipiente”.
Cada recipiente del conjunto contiene una mezcla de materiales vegetales desarrollados por Recompose que incluye astillas de madera, paja y una planta parecida al trébol llamada alfalfa, con proporciones adaptadas según el cuerpo y el peso de la persona.
En el transcurso de 30 días, los microbios naturales que se encuentran en las plantas y el cuerpo descompondrán los restos, filtrando los olores desagradables y bombeando aire fresco (ya veces humedad) al recipiente, que gira intermitentemente para acelerar el tratamiento. .
Al final de este proceso, los fragmentos de hueso restantes se trituran con un cremador y los implantes médicos se retiran para reciclarlos.
La tierra restante se coloca en un recipiente de curado para que se seque durante otras dos a seis semanas antes de que amigos o familiares puedan recogerla.
A diferencia de la cremación, este proceso no requiere grandes cantidades de energía ni combustibles fósiles, dice Recomponer, mientras que el contenido de carbono en el cuerpo humano se secuestra en el suelo en lugar de liberarse a la atmósfera.
El proceso también prescinde de las grandes cantidades de productos químicos de embalsamamiento y de materiales con elevadas emisiones, como el acero y el hormigón, que se necesitan para los entierros.
En total, el proceso de “transformar el cuerpo de su ser querido en tierra” ahorra alrededor de una tonelada métrica de emisiones de CO2 por persona en comparación con el entierro o la cremación, afirma Recompose.
Desde 2019, varios estados de EE.UU. UU. han seguido los pasos de Washington y han legalizado la reducción orgánica natural; Nueva York se unió a Colorado, Oregón, Vermont y California el mes pasado.
Esto ocurre a medida que la gente es cada vez más consciente del impacto ambiental oculto de la industria del cuidado de la muerte y avanza hacia prácticas funerarias alternativas, desde la cremación líquida hasta las cápsulas funerarias que crecen hasta convertirse en árboles .
“Los miembros de la generación del baby boom han comenzado a experimentar la muerte de sus padres y creo que muchos se preguntan: ¿eso es lo mejor que podemos hacer?”, dijo Spade.
“Pero lo interesante es que no se trata sólo de personas mayores”, añadió.
“Más del 25 por ciento de nuestros miembros de Precompose [plan de pago anticipado] tienen menos de 49 años. Creo que esto se debe a que la crisis climática también ha influido. La gente se pregunta por qué nuestras prácticas funerarias no se han tenido en cuenta en lo que respeta a nuestras emisiones de carbono. huella”.
Recompose planea expandirse a Colorado en 2023 y California en 2027, mientras que la empresa rival Earth Funeral ha puesto su mirada en Oregón .
La fotografía es de Mat Hayward/Getty Images para Recompose a menos que se indique lo contrario.
El estudio de arquitectura de Los Ángeles Formation Association ha convertido un conjunto de edificios en West Hollywood en un nuevo hogar para la casa de subastas Phillips, con sede en Londres.
La sede de Phillips en la costa oeste se inauguró en octubre de 2022 e incluye tres salas de exposición, un patio y oficinas creadas a partir de un conjunto de estructuras dispares en Santa Monica Boulevard.
La Asociación de Formación conservó muchos de los elementos arquitectónicos existentes de la ecléctica colección de edificios, asegurando que cada sección conservará su identidad.
“Comenzamos con condiciones idiosincrásicas y edificios llenos de historia”, dijo el cofundador del estudio, John K Chan, quien dirigió el proyecto. “Queríamos mantener esa sensibilidad. El edificio es un palimpsesto variado, con huellas del pasado apareciendo en la nueva fachada”.
La entrada a la sala de exposición de 3182 pies cuadrados (296 metros cuadrados) se encuentra en una esquina aguda, debajo de un dosel curvo revestido de estuco gris.
“Esta marquesina redondeada, marcada por un óculo superior, evoca la era Streamline Moderne orientada al automóvil”, dijo la Formation Association.
El estuco texturizado contrasta con el yeso suave aplicado con llana que cubre las superficies adyacentes, con la intención de agregar una identidad del sur de California al edificio.
En el alzado este, el equipo conservó el revestimiento de chapa y una antigua entrada de una fachada histórica.
Este lado del edificio también incluye una ventana alta y estrecha a través de la cual Phillips puede introducir y sacar grandes obras de arte.
A lo largo de la fachada sur, los arquitectos agregaron ventanas empotradas cortadas en ángulo en el muro perimetral engrosado, que permiten que entre más luz a las galerías.
En el interior, los tres espacios de la galería están dispuestos en secuencia. Al entrar se encuentra la sala de exposición A, que cuenta con un techo tipo plafón y zócalos anchos para evocar un espacio residencial.
Un segundo óculo perfora el techo, dejando al descubierto vigas de madera pintadas de plata como un guiño al trabajo del arquitecto californiano Richard Neutra.
A la galería más pequeña, Showroom B, se accede a través de un portal abierto, y Showroom C se accede a través de un umbral similar.
Con un techo de más de 4,5 metros (15 pies) de altura, esta galería se utiliza para exhibir obras de arte y esculturas más grandes.
Los tres espacios cuentan con pisos de roble que se combinan con los que se encuentran en todas las ubicaciones internacionales de Phillips.
“Con la interacción de suelos claros y de madera de roble en las tres salas de exposición posteriores, pensábamos en la cadencia de una enfilada irregular”, dijo Chan. “Cada una de las tres galerías tiene una proporción distinta que queremos aprovechar”.
Desde el Showroom C, un par de escalones y una rampa conducen a una pequeña oficina utilizada para reuniones con clientes.
En la parte trasera del edificio se encuentra el patio cubierto, rodeado por paredes hechas de madera contrachapada teñida de gris para combinar con el estuco exterior.
La apertura de Phillips Los Angeles sigue a más de una década de crecimiento continuo de la escena artística de la ciudad, en la que se han instalado galerías como Hauser Wirth y The Future Perfect , y se ha presentado una edición anual de Frieze Art Fair .
La Asociación de Formación está dirigida por Chan y su socia Grace U Oh. Además de completar una variedad de proyectos institucionales, residenciales y comerciales, el estudio ha contribuido varias veces a un programa organizado por la organización benéfica Architects for Animals que pide a arquitectos con sede en Los Ángeles que diseñan refugios para los gatos sin hogar de la ciudad . .
La fotografía es de Eric Staudenmaier .
Créditos del proyecto:
Equipo de diseño: John K Chan, Nick Miuccio, Carlo ‘CJ’ Guzman, Jay Lee, Colin Jacobs Ingeniero estructural: Nous Engineering Ingeniero eurodiputado: Engineous Group Diseñador de iluminación: Fisher Marantz Stone Diseñador paisajista: Ochre
El estudio de diseño mexicano Mestiz ha abierto una sala de exposición y un taller dentro de un edificio histórico en San Miguel de Allende , donde sus colaboraciones en colores brillantes con artesanos locales ocupan un lugar destacado.
El espacio de estudio está ubicado en Pasaje Allende, en el corazón de la ciudad central de México, reconocido por su arquitectura y escena artística de la época colonial.
El fundador de Mestiz, Daniel Valero, colabora con una variedad de hábiles artesanos locales para crear muebles y artículos para el hogar utilizando artesanías ancestrales.
“En nuestro estudio, las asociaciones no son de corta duración; están diseñados para durar”, dijo. “Hemos fomentado relaciones a largo plazo con artesanos, donde aprender y crear son un proceso continuo”.
Piezas de la colección de Mestiz llenan el interior del estudio, que ocupa un edificio de piedra remodelado y diseñado como un “hábitat salvaje” lleno de personalidad.
“Alguna vez fue una cocina”, explicó Valero, “y ahora es un espacio que respeta la idea de la cocina mexicana, infundiéndola en nuestro santuario creativo”.
El estudio consta de tres espacios principales. En la sala de exposición, las vigas de madera originales y el techo de ladrillo están expuestas, y el yeso áspero y mantecoso cubre las paredes.
Las repisas y podios revestidos con azulejos brillantes brindan lugares para exhibir artículos pequeños como vasijas puntiagudas y cuadros enmarcados.
Muebles más grandes, como una mesa triangular y sillas con respaldos tupidos, están dispuestos en el suelo.
Mientras tanto, obras de arte textiles decoran las paredes y enormes lámparas de color rosa fibroso cuelgan del techo.
“Nuestras creaciones no son sólo piezas; son historias”, dijo Valero.
“Creemos en la elaboración de diseños que entablen diálogos profundos con el contexto y la historia de cada comunidad con la que trabajamos”.
El taller está situado en un cobertizo al lado del edificio, donde las paredes de piedra en bruto son visibles en dos lados y otras superficies no se tratan.
Los bancos pintados de rojo para ensamblar artículos y almacenar materiales naturales (palma, madera, lana, mimbre y cerámica) están rodeados de diseños parcialmente terminados.
Una sala de almacenamiento en tonos rosados también está repleta de productos, desde luces de mimbre suspendidas del techo hasta tótems altos en azul, rosa y morado en las esquinas.
“Nuestra práctica es un testimonio vivo de la fusión de tradiciones”, dijo Valero. “Nuestras piezas son la encarnación del sincretismo cultural, donde convergen diversas influencias para crear algo completamente nuevo”.
El rico espíritu creativo de San Miguel de Allende también se presenta en el hotel Casa Hoyos de la ciudad, donde coloridos azulejos y artesanía local llenan una antigua mansión colonial española.
Otros diseñadores mexicanos que continúan las tradiciones locales a través de su trabajo incluyen a Fernando Laposse, quien utiliza desechos de maíz para crear un material de marquetería , y Christian Vivanco, quien lanzó una colección de muebles de ratán con Balsa.
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