Sheft Farrace renueva el loft en el edificio art deco de Eastern Columbia en Los Ángeles
El estudio de arquitectura Sheft Farrace ha renovado un apartamento tipo loft en el emblemático edificio Eastern Columbia de Los Ángeles, incorporando sutilmente colores del exterior art déco a los interiores minimalistas .
El estudio renovó el loft mientras dibujaba detalles del exterior del edificio de 13 pisos en el centro de Los Ángeles , conocido por su fachada turquesa muy detallada y su torre del reloj, que fue diseñada por Claud Beelman y terminada en 1930.
Se convirtió en lofts en 2006, y recientemente al estudio local Sheft Farrace se le encomendó la tarea de renovar uno de los condominios para un joven creativo de Kazajstán.
“Sin estar inspirado por el diseño y los interiores originales de la unidad de 2006, el propietario quería que se sintiera como un espacio completamente nuevo, por lo que Sheft Farrace lo abordó como un lienzo en blanco”, dijo el estudio, dirigido por Alex Sheft y John Farrace.
El apartamento tiene techos altos, y su altura se ve acentuada por las ventanas largas y estrechas y las cortinas del piso al techo.
En lugar de mantener el plano de planta abierto, el estudio optó por dividir el espacio para ayudar a definir áreas para diferentes funciones.
Sin embargo, las conexiones visuales entre la cocina y el comedor, y la sala de estar y el dormitorio, se mantienen mediante grandes aberturas marcadas utilizadas en lugar de puertas.
“Cada espacio tiene su propio carácter, según la hora del día y cómo entra la luz natural a través de las ventanas de altura completa”, dijo Sheft Farrace.
En su mayor parte, la casa está decorada en un estilo mucho más sencillo que el opulento exterior del edificio, principalmente con suaves tonos neutros y escasos muebles.
Ciertas opciones de materiales en la cocina y el baño se relacionan mucho más con las coloridas fachadas, incluido el roble blanco, el mármol Verde Aver y la cuarcita Florida Brush para hacer eco de los azulejos exteriores de color naranja, verde y azul.
Las esquinas curvas de las encimeras de la cocina y los herrajes alargados de los gabinetes también evocan el diseño de los años 30.
“A primera vista, su estilo contrasta marcadamente con el edificio histórico en el que se encuentra, pero en todo el espacio hay guiños sutiles al exterior art déco y, en última instancia, se siente como si perteneciera”, dijo Sheft Farrace. “Nos sentimos honrados de haber contribuido con un pequeño capítulo a la larga e histórica historia de un hito de Los Ángeles”.
El centro de Los Ángeles se ha transformado dramáticamente de una zona prohibida a un vecindario popular y próspero en los últimos 20 años.
Este cambio se debe en parte a la apertura de instituciones culturales como el Walt Disney Concert Hall de Frank Gehry y el museo The Broad de Diller Scofidio + Renfro, así como una serie de hoteles de alta gama.
El dúo de diseñadores Formafantasma ha presentado una exposición en el Museo Nacional de Noruega en Oslo sobre la historia y el futuro de la producción de lana , que presenta una túnica de 1.700 años y una alfombra hecha de fibras de desecho.
Andrea Trimarchi y Simone Farresin de Formafantasma crearon la exposición Oltre Terra , comisariada por Hannah Eide, para desentrañar la relación pasada y presente de la humanidad con las ovejas y, por extensión, la producción de lana.
La exposición presenta objetos de archivo y contemporáneos, incluidas réplicas a tamaño natural de siete razas diferentes de ovejas y herramientas para esquilar, dispuestos en un estilo diorama dentro de una sola galería en el museo nacional de Noruega.
Entre los primeros animales domesticados por los humanos, las ovejas fueron sacrificadas por primera vez por cazadores-recolectores hace unos 11.000 años.
Esto marcó el comienzo de una relación compleja, según Formafantasma.
“El Museo Nacional de Noruega [que encargó a Oltre Terra] estaba interesado en que hiciéramos un trabajo relacionado con la comunidad local de Oslo , porque la lana era un material extremadamente importante en la cultura noruega antes del desarrollo de la industria relacionada con el petróleo y agricultura”, dijeron Trimarchi y Farresin a Dezeen.
Oltre Terra tenía como objetivo combinar artefactos que normalmente se ven en museos de historia natural con otros que se exhiben más comúnmente en galerías de arte y diseño, con el fin de resaltar la interdependencia entre la evolución biológica y los procesos de producción.
Entre las piezas expuestas se encuentra una alfombra color crema de CC-Tapis hecha de cuatro fibras de lana diferentes extraídas de 12 razas de ovejas italianas.
Esta lana era un sobrante de la producción y normalmente se desechaba por su tosquedad, pero la alfombra pretende ilustrar cómo estas fibras más ásperas todavía se pueden utilizar para fabricar productos que no están en contacto directo con la piel.
También se exhibe una túnica de lana de 1.700 años de antigüedad, que se encontró conservada bajo una zona de hielo de una montaña a 200 millas al noroeste de Oslo en 2011, y velas de lana que se usaban en los barcos de la época vikinga.
En el centro de la instalación se encuentra un vídeo que Formafantasma creó con la artista Joanna Piotrowska . Llamada Tactile Afferents, la película se centra en el sentido del tacto y explora las formas en que los humanos han interactuado con las ovejas a lo largo del tiempo.
La exposición también presenta réplicas de ejemplos notables de la especie, como Shrek, la oveja merina de Nueva Zelanda que, como muchas otras, fue descubierta en la naturaleza con un pelaje demasiado grande en 2004 después de escapar de su rebaño doméstico seis años antes.
Este es un ejemplo de cuando las ovejas necesitan a los humanos, según Formafantasma.
“Muchas personas están en contra de la cría de animales, lo cual, cuando se trata de una cría intensiva, también nos parece extremadamente problemático”, afirman los diseñadores.
“Pero las ovejas en este momento no son como sus ancestros salvajes, los muflones: no pierden pelo de forma natural. Necesitan que los humanos los esquilen”.
El diseño de la exposición hace un guiño al concepto de diorama: modelos en miniatura o a gran escala que se encuentran en los museos, encerrados en vidrio y que normalmente muestran figuras tridimensionales.
Para Oltre Terra, el diorama se “explotó” en secciones y se dejó abierto, en lugar de cubierto con vidrio, para permitir a los visitantes sentirse más conectados con las piezas y cuestionar el límite entre el arte y la ciencia.
“Para nosotros, se trata de unificar narrativas y mostrar cómo se trata de ecologías complejas que deben mostrarse juntas”, dijeron Trimarchi y Farresin sobre la instalación.
“El objetivo de la exposición es explorar esta relación tan íntima pero intrincada entre humanos y animales, en la que los límites entre lo domador y lo domesticado se desvanecen”, continuaron los diseñadores.
Trimarchi y Farresin explicaron que uno de los objetivos generales de la exposición era promover la dependencia mutua y el respeto entre humanos y ovejas, especialmente en lo que respecta a las prácticas agrícolas.
“La relación entre humanos y ovejas es mucho más complicada y compleja”, agregaron.
“Al igual que con las relaciones humanas, hay relaciones abusivas y sólo hay relaciones y relaciones constructivas. Lo que estamos haciendo ahora [con el ganado] es, en algunos casos, extremadamente abusivo, pero eso no significa que las ovejas, los animales y los humanos no puedan vivir en un proceso de simbiosis”.
El espectáculo toma su nombre de la etimología de la palabra “trashumancia”, que está formada por la combinación de las palabras latinas trans (a través, ‘oltre’ en italiano) y humus (tierra, ‘terra’) y hace referencia a la práctica de migración del ganado de una zona de pastoreo a otra.
Fundada por Trimarchi y Farresin en 2009, Formafantasma ha presentado anteriormente otras muestras que investigan materiales, incluida una exposición sobre madera con la marca de muebles Artek que se celebró en el Museo del Diseño de Helsinki el año pasado. El estudio también rediseñó su sitio web para reducir las emisiones de dióxido de carbono.
La fotografía es de Ina Wesenberg .
Créditos del proyecto:
Equipo de Formafantasma: Sara Barilli, Alessandro Celli y Gregorio Gonella Comisaria: Hannah Eide
Oltre Terra se exhibirá en el Museo Nacional de Noruega del 26 de mayo al 1 de octubre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
La firma de diseño Studio Kiki ha creado interiores con iluminación cálida para un restaurante italiano en Londres para imitar la atmósfera decadente pero familiar de una trattoria italoamericana de los años 80.
Ubicado en Marylebone High Street, Carlotta es el último proyecto del grupo de restaurantes Big Mamma . Studio Kiki, el equipo de diseño interno del grupo, creó sus interiores para capturar una sensación de “ostentación y glamour de la vieja escuela”, dijo.
“[Carlotta está informada por] los restaurantes de barrio italoamericanos de la década de 1980, donde gente como [el cantante y actor] Frank Sinatra y sus amigos pasaban por allí para comer algo o tomar una copa, y conocían los nombres de los camareros”, dice el dijo el equipo a Dezeen.
Los visitantes ingresan a la trattoria a través de una fachada color burdeos adornada con letreros de neón , que brillan sobre grupos de mesas y sillas delgadas colocadas para cenar al aire libre.
En el interior, una barra dorada se esconde detrás de una cortina de terciopelo rojo. Este espacio está definido por taburetes altos tapizados con textiles con diseños geométricos y una barra curva con tapa de mármol revestida con paneles acanalados iluminados procedentes de Nueva York .
“Queríamos que el bar brillara y tuviera un elemento retroiluminado, para que se sienta increíblemente acogedor tan pronto como entres, convirtiéndolo en la joya central del restaurante”, explicó Studio Kiki.
Más allá del bar, el comedor principal está cubierto con cortinas festoneadas doradas que se inspiran en los casinos milaneses de la década de 1950 y también cuenta con una alfombra de estilo psicodélico cubierta con flores arremolinadas.
Así lo informó la película de 1998 Fear and Loathing in Las Vegas , una road movie de comedia negra basada en el libro del periodista Hunter S Thompson, según los diseñadores.
En el comedor, sillas metálicas curvas y banquetas color burdeos acabadas en cuero anudado abrazan pequeñas mesas circulares hechas de madera oscura y vestidas con lámparas esculturales.
“[En todo el restaurante] nos gustó asegurarnos de que cada mesa tuviera su propia fuente de luz, que puede venir en varias formas, ya sea iluminación arquitectónica, mesas retroiluminadas o una lámpara de mesa inalámbrica hecha a mano”, dijo Studio Kiki .
El comedor principal también incluye arreglos de fotografías enmarcadas. Entre la colección se encuentran fotografías de bodas retro de bodas italianas de los propios padres y abuelos del equipo de diseño.
En la planta baja, un “escondite azul medianoche” forma una guarida subterránea para beber, con un techo cavernoso con rayas de espejo al estilo de los años 80, vajilla ecléctica y una cocina abierta.
Bañados por una luz roja brillante, los baños son igualmente divertidos: una efigie de la Madre de Dios con un halo se colocó encima de un lavabo en forma de fuente, mientras que las paredes con espejos reflejan la lámpara de araña de gran tamaño del techo.
Carlotta se une a otros restaurantes diseñados recientemente con interiores decadentes.
Estos incluyen una cafetería temporal en los grandes almacenes Harrods de Londres de la casa de moda italiana Prada y un bar y restaurante en Canadá con colores vivos y tapicería de cuero inspirados por el autor Truman Capote.
El estudio londinense EBBA Architects ha canalizado el espíritu medioambiental de la plataforma de alquiler de moda Rotaro para su boutique emergente en los grandes almacenes Liberty .
El proyecto tenía como objetivo mostrar que se pueden crear espacios hermosos e interesantes para uso temporal, sin dejar de considerar los impactos ambientales de los materiales y la construcción.
“Somos muy conscientes de nuestro impacto ambiental y creemos que el diseño debe abordar esto, al mismo tiempo que intentamos crear una experiencia única para el visitante”, dijo a Dezeen el fundador de EBBA , Benjamin Allan.
” Rotaro gira en torno al alquiler de moda, como respuesta al desperdicio en la industria”, añadió. “La circularidad es clave para su espíritu y queríamos conectarnos con esto, tanto en el uso del material como en la forma”.
Para definir el espacio de Rotaro dentro de la tienda más amplia, EBBA ha demarcado el área con un par de columnas sustanciales, cada una con una sección transversal semicircular alargada.
“La posición y la forma de las columnas crean la sensación de entrar en un espacio completamente nuevo dentro del contexto histórico de Liberty “, dijo Allan.
Al entrelazar las dos columnas, un par de rieles metálicos tienen la doble función de crear un área de exhibición e introducir un elemento escultórico que define aún más el espacio, con curvas elevadas y de forma libre.
“Los dos rieles giran y envuelven cada una de las columnas, al mismo tiempo que responden al riel opuesto, un poco como una pieza coreografiada”, dijo Allan.
Siguiendo con el tema de la dualidad, en el espacio sólo se han utilizado dos materiales clave: corcho y metal.
EBBA fue influenciada por el trabajo de los artistas Donald Judd y Carl Andre y su elevación de materiales humildes a través de detalles y construcción.
“Siempre buscamos impulsar el potencial de un proyecto, lograr el mayor impacto a través de los medios más simples y también abordar la necesidad de ser económicos”, dijo Allan.
“Esencialmente, el diseño gira en torno a sólo dos materiales que, trabajando juntos, dan una sensación de regularidad en la disposición de los bloques, combinados con las formas escultóricas de los rieles”.
Se utilizó corcho como material principal, recubriendo las dos columnas y creando los fondos que delimitan el área de Rotaro.
EBBA pretendía utilizar un material que tuviera una calidad medioambiental, al mismo tiempo que utilizaba la estandarización de los bloques para establecer parámetros para el diseño.
“Elegimos bloques de una dimensión específica que luego podrían adaptarse para crear tanto las paredes como las columnas”, dijo Allan.
“El corcho es un material natural que tiene una calidez y profundidad inherentes, al mismo tiempo que es increíblemente versátil y fácilmente reciclable”, añadió.
Se utilizó acero inoxidable cepillado para la estructura metálica, y cada riel estaba compuesto por una sola pieza de metal que se dobló y esculpió para envolver las columnas.
La forma curva de este riel se relaciona con la idea de circularidad en el modelo de negocio de Rotaro, al mismo tiempo que aporta adaptabilidad al espacio al permitir que las prendas se muestren de diversas maneras.
“El objetivo principal es mostrar la colección continuamente actualizada y al mismo tiempo agregar un aspecto escultórico que ayude a crear una sensación de espacio”, dijo Allan.
Dentro de la tienda Liberty, profusamente detallada, el proyecto ofrece una respuesta audaz y contemporánea al interior, al tiempo que encuentra puntos en común con el edificio más amplio.
“Los tonos y texturas en la calidez del corcho combinan con la madera y los colores naturales de los espacios interiores de Liberty”, dijo Allan. “Los detalles y la decoración de las columnas originales se relacionan con la naturaleza y la vegetación, que también se relacionan con el uso del corcho y sus cualidades”.
Debido a que el edificio Liberty tiene un estatus de Grado II, no se permitieron fijaciones en la estructura del edificio.
“La ventaja del material de corcho ligero significó que también pudimos adaptar el espacio Rotaro con un impacto mínimo en el edificio más amplio”, añadió.
Para crear un zócalo que proporcione una superficie plana para exhibir objetos, EBBA utilizó la misma forma semicircular de las columnas, pero volteadas de lado.
A este elemento se le ha dado un revestimiento azul ultramar para agregar una sensación de alegría y captar la atención de los visitantes, utilizando uno de los colores clave de Rotaro para conectarse con la identidad de la marca.
Si bien el espacio fue diseñado como un pop-up, EBBA trabajó –a través de la calidad de los materiales y la construcción de las paredes y bloques– para darle una sensación de permanencia.
“Todos nuestros proyectos tienen como objetivo lograr una calidad de permanencia mediante el uso de materiales naturales y el detalle de la construcción”, dijo Allan.
“Creemos que este nivel de calidad ayuda a crear un diseño que se siente útil, incluso para usos temporales”.
Otros proyectos recientes de EBBA Architects incluyen una tienda para Cubitts en un antiguo restaurante de pastel y puré y una ampliación de la casa con materiales de estilo brutalista .
No Comments to Sheft Farrace renueva el loft en el edificio art deco de Eastern Columbia en Los Ángeles