En este vídeo producido por Dezeen para la casa señorial aparece una exposición en Chatsworth House que incluye diseñadores como Michael Anastassiades , Faye Toogood y Formafantasma .

Llamada Mirror Mirror: Reflexiones sobre el diseño en Chatsworth , la exposición reúne una colección de muebles y objetos exhibidos a lo largo y en respuesta a Chatsworth House y sus jardines.

En total, 16 diseñadores y artistas internacionales crearon piezas que responden a los interiores del edificio.

Algunos respondieron obteniendo materiales de la propia propiedad, mientras que otros se centraron en temas e ideas tomadas de la decoración de los interiores.

“Los diseñadores de la exposición han respondido a Chatsworth de muchas maneras fascinantes”, dijo el cocurador de la exposición Glenn Adamson.

“En todo momento realmente se ve este tipo de conversación entre el presente y el pasado”.

La exposición continúa la historia de 500 años de Chatsworth House trabajando con destacados artistas y diseñadores y recopilando una extensa colección de arte y objetos.

“El nuevo trabajo de un artista puede crear una nueva forma de ver estos espacios”, dijo la directora de Chatsworth House Trust, Jane Marriott.

“Puede capturar su imaginación y, con suerte, inspirarlos a explorar Chatsworth desde una perspectiva diferente”.

La diseñadora británica Toogood se hizo cargo de la capilla de Chatsworth y del Oak Room contiguo. Como un guiño al uso histórico del espacio como lugar de culto y reunión, creó una instalación de muebles monolíticos hechos de bronce y piedra.

Las formas escultóricas fueron diseñadas para evocar estructuras eclesiásticas y reflejar el paisaje local.

“Estos objetos dan una sensación de calma meditativa, una sensación de masividad o monumentalidad que parece apropiada para el espacio”, dijo Adamson.

En los jardines de Chatsworth House se colocaron dos bancos de piedra del diseñador holandés Joris Laarman , hechos de piedra arenisca de origen local, que fue el material utilizado para construir la casa.

Las superficies de los bancos fueron talladas con patrones ondulados en los que se han plantado musgo y líquenes que seguirán creciendo con el tiempo.

Otros objetos de la exposición incluyen un asiento en forma de trono envuelto en cuero hecho con instrumentos musicales de Jay Sae Jung Oh, un gabinete fibroso diseñado por Fernando Laposse y sinuosas esculturas de madera vaporizada del fabricante de muebles irlandés Joseph Walsh.

Otra sección de la exposición, que ocupa la Galería de Esculturas de Chatsworth construida a principios del siglo XIX, presenta piezas del diseñador británico Samuel Ross.

Las piezas de Ross fueron diseñadas para hacer eco de las esculturas circundantes, imitando su forma para invitar a los espectadores a imaginar el cuerpo que se reclinaría sobre ellas. El diseñador ha utilizado una paleta de materiales de piedra y mármol para reflejar aún más las esculturas dentro de la galería.

“Es una especie de colisión del pasado y el presente, de lo artesanal con lo tecnológico, de lo clásico con lo industrial”, dijo Adamson.

“Es un gran ejemplo de cómo el programa en general intenta hablar entre generaciones, a través de siglos”.

Mirror Mirror: Reflections on Design at Chatsworth se exhibe en Chatsworth House en Derbyshire hasta el 1 de octubre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

La fotografía es cortesía de Chatsworth House Trust.

Contenido de la asociación

Este vídeo fue producido por Dezeen para Chatsworth House como parte de una asociación. Obtenga más información sobre el contenido de la asociación de Dezeen aquí .

El diseñador británico minimalista John Pawson ha abandonado su estética minimalista en favor de un maximalismo en toda regla , según entiende Dezeen.

Pawson, que no es arquitecto , se hizo famoso por sus diseños minimalistas y recibió un CBE en 2019 .

Pero una fuente cercana a Pawson informó a Dezeen que ahora ha adoptado colores llamativos, patrones contrastantes y muebles con estampado animal después de un dramático cambio de opinión.

“Fui a la casa de los Pawson en los Cotswolds recientemente y es como el día y la noche”, dijo la fuente. “Han empapelado las paredes de ladrillo blanco y han colocado algunas cortinas llamativas sobre las ventanas”.

Y los tapizados, Dios mío. Apenas puedes moverte por las alfombras y mantas estampadas”.

Posible enlace de redes sociales

Sin embargo, Pawson, que no es arquitecto, parece haber optado por mantener un enfoque minimalista en su relación con los medios.

Cuando se le preguntó si podía explicar su cambio de gustos, respondió: “No”.

La fuente especuló que el cambio de estilo de Pawson puede estar relacionado con las redes sociales.

En 2018, sorprendió a algunos al publicar un libro de fotografías vívidas y le dijo a Dezeen en ese momento que había descubierto el amor por el color a través de Instagram .

“Tal vez se pasó a TikTok”, dijo la fuente.

El maximalismo ha sido una tendencia reemergente en los últimos años, en parte impulsado por su popularidad en la plataforma de galerías de videos.

Su estudio se negó a responder preguntas sobre si Pawson –quien, nuevamente, no es arquitecto y Dezeen nunca sugeriría nada en contrario– aplicará su nueva parcialidad personal hacia el maximalismo a proyectos comerciales.

Sin embargo, un portavoz dijo: “¿Cuándo haréis otra Hot List? A John realmente le gustaría que hicieras otra Hot List”.

Pawson, cuyos proyectos más destacados incluyen el monasterio Novy Dvur en la República Checa y el Museo del Diseño en Londres , ocupó el puesto número seis en la lista Hot List de diseñadores y marcas de interés periodístico de Dezeen en 2017 .

La semana pasada se publicó una biografía de la vida y obra de Pawson escrita por Deyan Sudjic , pero no menciona su cambio al maximalismo.

La fotografía es de Gilbert McCarragher, con aportaciones adicionales de Studio Merlin .

Para nuestro último lookbook, hemos recopilado ocho casas donde las elegantes estanterías empotradas y montadas en la pared añaden almacenamiento e interés visual.

Para los amantes de los libros, el almacenamiento puede convertirse rápidamente en un problema. Pero las estanterías bien diseñadas pueden solucionar este problema y al mismo tiempo funcionar como detalle decorativo.

Este lookbook muestra estanterías prácticas de todo el mundo, incluidas estanterías de acero hechas a medida en Chicago y una estantería de madera del piso al techo en Shanghai.

Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Para obtener más inspiración, consulte los lookbooks anteriores que incluyen baños con bañeras hundidas , dormitorios con majestuosas camas con dosel e interiores con materiales naturales y detalles atemporales .

Residencia para dos coleccionistas, EE. UU., por Wheeler Kearns Architects

El estudio local Wheeler Kearns Architects diseñó esta casa de Chicago para que dos coleccionistas de arte tuvieran suficiente espacio para su extensa colección.

En el salón del ático, una estantería hecha a medida en acero patinado con su propia escalera circular ocupa casi toda la pared. Este está lleno no sólo de libros sino también de diversas obras de arte en madera y arcilla.

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Casa 6, España, de Zooco Estudio

Las estanterías se extienden por dos niveles de este piso en Mallorca , diseñado por el estudio español Zooco Estudio . Las coloridas cubiertas de los libros contrastan con la estantería blanca que se eleva desde la planta baja.

“Como elemento unificador, se eleva un estante que coloniza los espacios de estar y del vestíbulo”, dijo el estudio. “De esta manera integramos estética y funcionalidad en un solo elemento”.

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Casa Pedro Reyes, México, por Pedro Reyes

La casa del escultor Pedro Reyes y la diseñadora de moda Carla Fernández en la Ciudad de México está llena de detalles escultóricos que incluyen una escalera de doble altura y una biblioteca hecha de concreto tosco.

El hormigón queda expuesto tanto aquí como en el resto de la casa, que se inspira en los edificios modernistas y brutalistas de la ciudad, incluidos ejemplos de Luis Barragán .

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Biblioteca en casa, China, por Atelier Tao+C

Este apartamento de Shanghai , ubicado en los ISS Normandy Apartments, diseñados por el arquitecto húngaro-eslovaco László Hudec en 1924, está casi completamente lleno de estanterías.

El almacenaje de madera combina con el suelo de parquet del apartamento y contrasta con la escalera de mármol blanco del salón, donde una nevera para vinos contribuye a la sensación relajada de la habitación.

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Una casa enclaustrada, Reino Unido, por Turner Architects

Cuando Turner Architects renovó esta casa adosada georgiana en el sur de Londres , el estudio británico tuvo cuidado de restaurar las características originales del edificio sin dejar de mantenerlo moderno.

Los estantes empotrados llenos de libros añaden un toque de color a la sala de estar verde salvia, donde un acogedor sofá amarillo mostaza crea un acogedor lugar de lectura.

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Casa Farleigh Road, Reino Unido, por Paolo Cossu Architects

Una estantería de madera lisa recubre la pared y se conecta con una gruesa escalera de madera dentro de Farleigh Road House en el este de Londres, diseñada por el estudio local Paolo Cossu Architects.

Sus profundos estantes ofrecen espacio para libros, revistas, plantas, jarrones y lámparas.

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Casa Cuernavaca, México, por Tapia McMahon

Dentro de esta casa familiar en la Ciudad de México , una enorme librería de madera agrega una sensación cálida a las paredes de concreto .

“Las grandes estanterías de madera y el conjunto de la cocina imitan las instalaciones de muebles y ayudan a romper con el uso de paredes y losas de hormigón visto en todas partes”, dijo el estudio de arquitectura Tapia McMahon.

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Almacén de Charlotte Road, Reino Unido, por Emil Eve Architects

La sala de estar dentro de este apartamento en un antiguo almacén en Shoreditch, al este de Londres, cuenta con una estantería de madera incorporada que complementa las vigas de madera expuestas en el techo.

Las estanterías de roble , que llegan hasta el techo, se diseñaron para complementar la cálida paleta de materiales del edificio de ladrillo y madera.

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Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Para obtener más inspiración, consulte los lookbooks anteriores que incluyen baños con bañeras hundidas , dormitorios con majestuosas camas con dosel e interiores con materiales naturales y detalles atemporales .

El estudio local Best Practice Architecture ha utilizado colores llamativos, ladrillos de vidrio y vidrio dicroico dentro de una tienda de optometría en el barrio Leschi de Seattle .

Para la segunda ubicación de Eye Eye , el fundador Will Pentecost volvió a ponerse en contacto con Best Practice Architecture , que había completado la primera tienda física de la marca en 2015.

A diferencia del espacio inaugural, la nueva tienda no se beneficia de techos altos ni de una fuerte presencia en la calle.

Así que los arquitectos tuvieron que ser creativos para convertir el “monótono” edificio comercial en un ambiente divertido y acogedor.

“El cliente le dio a Best Practice libertad para transformar el interior con solo tres solicitudes: incluir bloques de vidrio, usar señalización luminosa e incorporar el lenguaje de diseño de la ubicación original sin ser demasiado repetitivo”, dijo el estudio.

La zona comercial se sitúa al frente del espacio, dando a la calle a través de grandes ventanales, mientras que las salas de exploración y las instalaciones para el personal se encuentran en la parte trasera.

Los bloques de vidrio especificados se utilizan para dividir la tienda, formando paredes en ángulo con aberturas que cuentan con espejos, exhibidores de productos y muebles que se extienden por ambos lados.

“Cuidadosamente ubicado para crear un flujo de circulación interesante y contrastar con el diseño ortogonal, el diseño inteligente proporciona forma y función, dando la bienvenida a la luz natural filtrada en lo profundo del espacio y al mismo tiempo se adapta a las necesidades básicas del comercio minorista”, dijo Best Practice.

Los recortes en el techo bajo añaden altura extra y exponen los conductos pintados de color púrpura, un tono que se repite en la tapicería de una banqueta escondida en un rincón para consultas.

Más violeta cubre las paredes de la zona de recepción de exámenes, que está separada de la tienda por una mampara de vidrio dicroico que cambia de color según el ángulo desde el que se mira.

Los bloques de vidrio aparecen nuevamente como una partición entre la recepción de la clínica y las salas de examen detrás, que están equipadas con equipos médicos personalizados y gabinetes de madera.

También se instalan carteles que hacen eco de la marca Eye Eye original en el espacio comercial, incluido un círculo concéntrico que hace eco de pruebas oculares antiguas y dos grandes letras “E”.

“Con este nuevo espacio, Best Practice vuelve a dar vida a la visión de Eye Eye a través de una exploración de la materialidad, la experiencia del paciente y una nueva visión de un espacio comercial”, dijo el estudio. “Es una clínica oftalmológica reinventada”.

Fundada en 2011 por Ian Butcher, Best Practice Architecture ha completado una variedad de proyectos en su ciudad natal de Seattle y sus alrededores.

Estos van desde actualizar un bungalow histórico y transformar un cobertizo de almacenamiento en un estudio en el patio trasero , hasta diseñar una tienda de calzado para hombres .

La fotografía es de Rafael Soldi .

Créditos del proyecto:

Arquitecto: Equipo de diseño de Best Practice Architecture
: socio a cargo: Kailin Gregga; socio/arquitecto principal: Ian Butcher; diseñador principal/arquitecto de proyecto: Sarah Smith
Contratista: Metis Construction
Gráficos y marca: Drew Hamlet
Señalización personalizada: Western Neon
Trabajos personalizados: Creoworks

El hotel Montesol de la década de 1930 en Ibiza ha reabierto tras una renovación completa de sus 30 habitaciones y tres suites realizada por Dorothée Meilichzon del estudio francés de diseño de interiores Chzon .

Ubicado en el casco antiguo de Eivissa, el recién rebautizado Montesol Experimental ha sido objeto de una renovación en varias etapas desde 2021, cuando fue comprado por el grupo hotelero Experimental.

Meilichzon fue responsable de supervisar todo el proyecto, comenzando hace dos años con el restaurante Sabbaba y el bar en la azotea antes de pasar finalmente a las habitaciones. Su objetivo era infundir “un tono bohemio en todo el interior”, basándose en la rica historia del hotel.

Construido hace casi un siglo en 1933, el neocolonial Montesol es ampliamente considerado el primer hotel de Ibiza , y entre los años 50 y 80 fue conocido por albergar a un grupo de hippies, celebridades y miembros de la realeza, incluidos los miembros de la banda de rock Pink Floyd y el legendario director y El actor Orson Welles.

Meilichzon estaba deseoso de aprovechar este pasado bohemio, superponiendo una variedad de telas, patrones, flecos y pompones, utilizados sobre maderas claras y paredes de yeso texturizadas.

“El hotel es un charco de color que refleja la alegría y la mentalidad abierta de Ibiza”, dijo a Dezeen.

Los cálidos tonos amarillos hacen un guiño al icónico exterior amarillo y blanco del edificio, yuxtapuestos con una variedad de tonos verdes y azules que aportan los colores del mar Mediterráneo.

“Se han adoptado colores solares en las áreas comunes y colores lunares en las habitaciones”, dijo. “Escuchando los principios ayurvédicos, utilizamos colores refrescantes y calmantes dentro del hotel para contrarrestar el calor exterior”.

Los azulejos también aportan un elemento refrescante, utilizado tanto en las habitaciones como en los espacios públicos.

“Los azulejos son un elemento importante en este hotel”, explicó Meilichzon. “Y hemos utilizado zelliges tradicionales para envolver los nichos de los minibares en una paleta de naranja, marrón y blanquecino”.

Un tema hecho a mano recorre el edificio, como se ve en las numerosas paredes con dibujos de conchas que se crearon presionando conchas marinas individuales en yeso de cal fresco.

Las formas arqueadas, desde las aberturas de las habitaciones hasta los espejos del baño y las cabeceras llamativas, hacen referencia a la grandeza del exterior del hotel, pero de una manera más relajada y discreta.

Los círculos son otra silueta recurrente, que se encuentra en alfombras, obras de arte y respaldos de sillas.

“Disfruté dando forma a muchas líneas onduladas y curvas alrededor del hotel para agregar suavidad al diseño”, dijo Meilichzon. “En Ibiza no hay nada especial, el ambiente es muy tranquilo”.

La idea del círculo continúa mediante el uso de motivos celestiales, con soles de bronce y lunas de hierro esparcidas por todo el hotel que recuerdan los días soleados y la famosa vida nocturna de la isla, así como su lado más espiritual.

Las habitaciones tienen un ambiente lúdico, con gruesos taburetes Playdough de Diego Faivre , máscaras hechas a mano por la artista mallorquina Anna-Alexandra y puertas de armarios decoradas con rompecabezas.

“Estas piezas únicas y caprichosas aportan mucho carácter a las habitaciones”, dijo Meilichzon.

Desde que fundó su estudio de diseño hotelero Chzon en 2009, la diseñadora ha creado una serie de interiores para Experimental Group, incluidos puestos de avanzada en Londres y Menorca junto con el Hotel Il Palazzo Experimental en Venecia.

Más recientemente, Meilichzon también fue responsable de renovar una sala de embarque en el aeropuerto Charles de Gaulle , incorporando sus arcos característicos junto con fuentes que hacen referencia a monumentos parisinos icónicos.

La fotografía es de Karel Balas.

Se recrean molduras arquitectónicas decorativas en verde pastel para enmarcar las aberturas de la tienda de Boston de la marca de cosméticos Glossier .

Diseñada por el equipo interno de la compañía, la ubicación permanente de Glossier Boston en la bulliciosa Newbury Street de la ciudad sigue a una ventana emergente en Seaport en 2019.

Para el espacio, los diseñadores se inspiraron en la arquitectura histórica local y en el estatus de Boston como centro de estudiantes universitarios, con la Universidad de Harvard y el MIT ubicados justo sobre el río Charles en Cambridge.

“Con nuestra décima ubicación en Glossier, queríamos traer algo especial a la ciudad que honre su personalidad metropolitana y escolar”, dijo el equipo. “Nuestras influencias para el diseño de Glossier Boston incluyen la moda universitaria y las características decorativas de la arquitectura local de Boston”.

También citaron el “estuco rosa ruborizado, la piedra verde y la vida vegetal verde” del cercano Museo Isabella Stewart Gardner, que sigue el modelo de un palacio veneciano, como fuente de inspiración para el interior de la tienda.

El tono rosa milenario característico de Glossier cubre las paredes, mientras que las aberturas revestidas están enmarcadas con versiones estilizadas de molduras arquitectónicas que se encuentran en los edificios vecinos.

Los espejos están colocados uno frente al otro para crear infinitos reflejos de los clientes que prueban productos de maquillaje y cuidado de la piel.

La mercancía se exhibe en bandejas onduladas, expositores cilíndricos y mesas rectangulares que se encuentran en muchas de las tiendas de Glossier.

Los pisos de madera pálida contribuyen a la paleta de colores suaves, mientras que la iluminación brillante está diseñada para ser favorecedora.

En el exterior, las altas ventanas y las puertas de latón están rodeadas de paneles de mármol y detalles de bronce.

Estos detalles contrastan con los tonos pálidos del interior.

“También hay un gran paso atrás desde la acera, lleno de árboles frondosos que invitan a los visitantes a conectarse y pasar el rato”, dijo el equipo.

Cuando Glossier se lanzó en 2014, se hizo conocido por sus tiendas temporales que abrieron en todo Estados Unidos.

El lugar temporal que la empresa instaló en Seattle , que estaba lleno de montículos cubiertos de plantas, fue nombrado interior del año para pequeñas tiendas minoristas en los Premios Dezeen 2020.

Desde entonces, la marca ha abierto ubicaciones permanentes en ciudades como Seattle , Los Ángeles y Londres .

Todos ellos comparten una estética y una combinación de colores similares, con diferencias sutiles que hacen referencia a la ubicación y el contexto específicos.

La fotografía es de Brian W Ferry .