El estudio de interiores Fettle se basó en la arquitectura neobarroca de este edificio eduardiano en el Soho de Londres al convertirlo en un club para miembros , además de hacer un guiño a la colorida historia de la zona de los años cincuenta y sesenta.

Propiedad de Maslow’s, el grupo detrás del club Fitzrovia Mortimer House , 1 Warwick presenta muebles e iluminación de mediados de siglo junto con diseños personalizados que reimaginan los muebles de la época.

La mezcla incluye elementos alegres como sillones con patas extendidas e iluminación de ratán con bordes festoneados.

“Durante este período de la historia, Soho era mucho más valiente de lo que lo encontramos hoy, por lo que queríamos restar importancia a los acabados más elevados que normalmente encontrarías en un club de miembros”, dijo a Dezeen el director de Fettle, Andy Goodwin .

“Hemos hecho referencia a la naturaleza menos pulida del Soho en este período con acabados de paredes de yeso en bruto y ladrillo visto”.

Fettle yuxtapone estas referencias con algunas influencias de la propia mansión neobarroca, reelaborando su sensación de comodidad asegurada de una manera contemporánea con paneles de madera de ricos tonos y elaborados candelabros.

“Queríamos asegurarnos de hacer referencia a este período en el diseño final”, dijo Goodwin. “Simplificamos un estilo de arquitrabe y zócalo barroco eduardiano tradicional dentro de la carpintería hecha a medida que se diseñó para la planta baja y el primer piso”.

“Por lo general, los edificios de una edad similar tenían características comunes, incluidos patrones geométricos llamativos en el piso dentro de las entradas. Y como tal, reinventamos un patrón de la época en el vestíbulo de 1 Warwick”.

Fettle se basó en la historia del edificio y la zona y trabajó arduamente para garantizar que el club se sintiera fresco, acogedor y contemporáneo.

“Hemos mezclado muebles, iluminación y accesorios de una variedad de épocas diferentes y hemos seleccionado un espacio que se siente relajado y residencial en su estética”, continuó.

“Sin embargo, al diseñar muebles específicamente para el proyecto, tomamos como referencia diseños más tradicionales. Observamos los detalles a través de una lente moderna para que el espacio se sienta familiar pero contemporáneo”.

Distribuido en seis pisos, la gloria suprema de 1 Warwick es el bar y restaurante de la azotea Yasmin, con su terraza envolvente y vistas al Soho.

Aquí, los taburetes de bar tapizados en mohair rosa se apoyan contra una barra revestida de madera con cubierta de mármol, mientras que el menú es del Medio Oriente, inspirado en la época del chef ejecutivo Tom Cenci en Estambul.

Dos espacios de salón, la sala de estar y el estudio contiguo, se encuentran en el corazón del club, donde Fettle utilizó una paleta de tonos tierra, junto con paredes de ladrillo visto y alfombras con motivos geométricos para aportar una sensación de calidez al interior.

“Queríamos dejar que las características arquitectónicas existentes fueran visibles dentro del diseño final para crear un fondo más neutro, sobre el cual colocamos opciones divertidas en los muebles y accesorios”, dijo Goodwin.

“Usamos telas profundas, saturadas y coloridas para las piezas tapizadas y buscamos mezclar mohair y terciopelos con cueros más vibrantes y telas estampadas para darle una sensación ecléctica al espacio”, dijo Goodwin.

Durante el día, 1 Warwick ofrece espacios que se adaptan a diferentes tipos de estilos de trabajo, desde estudios privados y escritorios alquilables hasta el Pied-à-Terre, un espacio de trabajo de planta abierta con mesas largas estilo biblioteca y cómodos sillones.

En la planta baja, se encuentra el bistró y bar del barrio Nessa , abierto a todos y que ofrece una versión divertida de los clásicos británicos, mientras que el bar, más íntimo y con forma de herradura, sirve su propio menú de platos pequeños.

Con una paleta de colores cálidos y otoñales y una mezcla de materiales de ladrillo visto, paneles de madera y mesas con cubierta de mármol, el ambiente aquí es acogedor y sencillo.

Fundada en 2013, Fettle tiene una larga trayectoria en el diseño hotelero con proyectos anteriores, incluido el Hotel Schwan Locke en Munich , que fue concebido como un homenaje al modernismo alemán temprano.

En otras partes de Londres, el estudio también fue responsable de diseñar el bloque de apartamentos The Gessner para que pareciera un hotel, con una cafetería y una zona de coworking.

La fotografía es de Simon Brown.

El director creativo de Loewe, Jonathan Anderson, creó el premio artesanal anual de la marca para decodificar las asociaciones de “chintz” y “pastiche” de la disciplina, le dice a Dezeen en esta entrevista .

La casa de moda de lujo Loewe anunció recientemente el sexto ganador de su premio anual de artesanía en NYCxDesign , que celebra las artes aplicadas y la innovación en la artesanía moderna.

Una escultura de huevo puntiaguda del ceramista japonés Eriko Inazaki fue seleccionada para el premio 2023 entre más de 2.700 candidaturas.

“Se convirtió en cretona”

Anderson creó el Premio de Artesanía de la Fundación Loewe en 2016 en un esfuerzo por honrar los orígenes de la marca en el siglo XIX como un colectivo artesanal de fabricación de cuero.

En declaraciones a Dezeen en la ceremonia de entrega del premio en el Museo Noguchi de Brooklyn, explicó que también quería redefinir la comprensión contemporánea de la producción artesanal.

“Creo que a partir de los años 80, [la artesanía] se había convertido en algo vinculado a mediados de siglo, era un pastiche”, dijo Anderson.

“En Gran Bretaña, por ejemplo, se invirtió mucho dinero en artesanías y en el Arts Council para impulsar esta idea de hacer, y luego tal vez en algún momento se convirtió en cretona”.

“La razón por la que configuré el premio fue para intentar decodificarlo”, le dijo a Dezeen. “Era como si no se hubiera comercializado correctamente. El trabajo estaba ahí, pero la plataforma no”.

Los jóvenes creativos están volviendo a interesarse por la artesanía, sugirió.

“Creo que los más jóvenes están empezando a darse cuenta de que, por muy interesante que sea ser un artista contemporáneo, puede ser igualmente interesante ser fabricante de alfombras, hacer cerámica o trabajar con madera”, dijo Anderson.

“Es una forma menos disminuida de las artes”.

“Probablemente soy un adicto a las compras”

Antes de ser nombrado por Loewe en 2014, Anderson fundó su sello homónimo, JW Anderson .

Aunque se diferencian por lo que Anderson describe como una “angustia” en JW Anderson y una “perfección extrema” en Loewe, las dos marcas comparten un énfasis en el arte, el diseño, la artesanía y los interiores.

Sus colecciones en Loewe a menudo incorporan elementos de artes aplicadas, incorporando colaboradores y artesanos, como el artista del metal Elie Hirsch, que creó chaquetas de cobre macizo y peltre para su colección Otoño Invierno 2023.

Loewe también presentó durante la semana del diseño de Milán una colección de sillas de madera decoradas creadas por artesanos de todo el mundo.

“Para mí el arte siempre será un lenguaje, sin importar en qué marca pertenezca”, dijo. “Porque creo que esta es una forma de explicarle al consumidor lo que amo o las cosas que me fascinan”.

El amor del diseñador norirlandés por la artesanía y el arte se extiende a la concepción de los interiores de las tiendas de sus dos marcas.

JW Anderson presentó recientemente su primera tienda insignia en Milán durante la semana del diseño de Milán, diseñada por Anderson en colaboración con 6a Architects .

“A veces siento que caí en la moda pero al final la parte interior es lo que más amo”, dijo.

“Lo que me encanta de los interiores es que son un tipo de entorno singular. Mientras que la moda es como un período transitorio que transcurre en diferentes entornos. En los interiores me gusta bastante el control que puedes tener dentro del espacio”.

Describió su amor por comprar artículos para aparecer en las tiendas.

“Creo que probablemente soy un adicto a las compras”, dijo. “Podría estar en una subasta o en una galería y decir: ‘Oh, eso es perfecto para Corea o es perfecto para…’”.

“Creo que simplemente añade este elemento y el placer que tiene el consumidor de entrar a una tienda y ver una silla Rennie Mackintosh original “.

Anderson considera que para Loewe el diseño de las tiendas es a veces más importante que los desfiles de moda.

“Creo que las tiendas pueden ser algo más que estos vehículos comerciales”, dijo. “Creo que para mí la tienda es tan importante como hacer un espectáculo. Es incluso más importante porque tienen que durar más”.

“Estoy en una posición muy afortunada en Loewe, donde yo decido todo”, añadió. “Tengo un equipo de arquitectura interno, pero yo decido cada obra de arte, decido cada manija de puerta, cada accesorio”.

Sin embargo, esto no incita a Anderson a pasar permanentemente de la moda a los interiores.

“Lo disfruto porque probablemente sea más como un hobby”, dijo. “Es algo que me distrae de lo que hago como trabajo diario, pero lo hago por la etapa de Loewe o JW Anderson.

“Pero nunca lo vería como algo en lo que diría: ‘oh, voy a ser diseñador de interiores’”, continuó. “Hay otras personas que realmente son muy buenas en eso. Creo que soy bueno en eso hasta cierto punto, pero cambio de opinión demasiado rápido. Me gustaría hacerlo durante un día y luego volvería a hacerlo”.

El retrato es de Scott Trindle .

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El estudio de diseño londinense Pirajean Lees hizo referencia al pasado pastoral de Mayfair y creó una serie de espacios que hacen un guiño a la idea de una casa señorial georgiana al diseñar el restaurante 20 Berkeley.

Pirajean Lees pretendía construir una historia en torno al espacio y su secuencia de muchas salas pequeñas, aprovechando al mismo tiempo el enfoque culinario británico basado en productos agrícolas del restaurante .

“El restaurante está situado en el corazón de Mayfair, un lugar que alguna vez estuvo en la cúspide de la ciudad y el campo”, dijo Pirajean Lees a Dezeen.

“La historia agrícola de la zona y su conexión con las tierras rurales circundantes prevalece en todo el proyecto y es fundamental para la experiencia gastronómica”.

Pirajean Lees quería poner la naturaleza y la artesanía en el centro de este proyecto de diseño para alinearlo con el espíritu de Creative Restaurant Group , los fundadores del restaurante.

“Esto nos llevó a aprovechar la fuerte conexión de una imaginada casa solariega georgiana de Mayfair y sus tierras rurales, que se habrían utilizado para cultivar productos”, dijo el estudio.

“Una escalera central conduce a las habitaciones que normalmente se encuentran en una casa familiar tradicional, como el salón, la sala de música, la despensa, el invernadero y el salón. Cada habitación tiene su propio carácter y pertenece a una misma propiedad”.

En la planta superior se encuentran la recepción y los comedores principales, ricamente diseñados.

El nivel del sótano alberga una sala privada de 14 asientos con su propio salón y comedor exclusivo, junto con la cocina, la bodega y el bar principal, The Nipperkin.

El diseño de los interiores hace referencia al movimiento artístico y artesanal de finales del siglo XIX y principios del XX.

“En 20 Berkeley, hemos desarrollado una historia en capas de detalles hechos a mano y acabados táctiles que rezuman elegancia”, dijo Pirajean Lees.

“La expresión del proyecto tiene sus raíces en las tradiciones de la artesanía y en cómo el proceso de fabricación de objetos y muebles decorativos debe mostrar la belleza tanto de sus materiales como de su construcción”.

La estética resultante es detallada, con una paleta de tonos ricos y cálidos que incluyen ámbar, ocres y rojos oscuros, utilizados en tapicería y revestimientos de paredes texturizados. Las baldosas del suelo han sido hechas a mano en Gales y cuentan con arcilla incrustada con fósiles.

Se utilizó carpintería a medida en todo el espacio, incluso para los paneles de las paredes, los techos con clavijas y una escalera de roble inglés.

El proyecto también presenta elementos hechos a medida que se agregaron para brindar una sensación de opulencia a los distintos espacios.

Estos incluyen una despensa, de madera pintada, que proporciona un fuerte punto focal del piso superior. Aquí, los chefs preparan platos en la isla de despensa, “invitando a los huéspedes a presenciar el oficio de los chefs, como lo harían en su casa, mientras los invitan a cenar”, dijo Pirajean Lees.

En el invernadero, un armario para encurtidos hecho a medida, de madera de sapeli y mármol, sirve como “una agradable curiosidad”, utilizado por los chefs para guardar tarros de verduras para sus recetas.

Las mesas y sillas del comedor hechas a medida estaban hechas de roble, mientras que las sillas estaban tapizadas de forma tradicional para ofrecer el máximo confort.

“Los elementos hechos a medida y artesanales aportan profundidad al proyecto, anclándolo en su fuerte narrativa y creando interiores atemporales”, dijo Pirajean Lees.

Las vidrieras hechas a mano en un estudio del norte de Londres son otra de las características del restaurante.

Utilizadas en la recepción y el salón, las vidrieras se han colocado estratégicamente, de espaldas a la concurrida barra central para dar una sensación de movimiento y energía.

Frente a las ventanas, calienta la luz que entra en las habitaciones para crear una atmósfera inmersiva.

“Las vidrieras introducen sombras y reflejos, que cambian a lo largo del día y son diferentes en cada habitación”, dijo Pirajean Lees.

“Según cada uno de nuestros proyectos, los acabados, la carpintería y las superficies a medida se han creado cuidadosamente para garantizar un uso óptimo del espacio por parte del restaurador y sus invitados”.

Otros proyectos de hospitalidad del estudio incluyen un ornamentado restaurante de sushi en Dubai con interiores inspirados en el Japón de la década de 1920 y un club de miembros en Londres, ubicado dentro del icónico local de música Koko .

La fotografía es de Polly Tootal .

El artista argentino Tomás Saraceno ha cambiado el sistema eléctrico y de climatización de la galería Serpentine de Londres , en un esfuerzo por hacer una exposición para todas las especies cercanas.

Titulada Web(s) of Life , la exposición presenta algunas de las obras más recientes y conocidas del artista centradas en el medio ambiente, al tiempo que abarca intervenciones en el edificio mismo.

Estas intervenciones tienen como objetivo hacer que el edificio Serpentine South que alberga la exposición sea más poroso y receptivo a su entorno en los Jardines de Kensington, desafiando las perspectivas antropocéntricas que sólo consideran los intereses de los humanos y no los de otros seres.

Esculturas hechas para el disfrute de una variedad de animales diferentes se colocan en los terrenos, la fachada y el techo del edificio, así como en el interior del edificio, mientras que dentro de las galerías con poca luz se encuentran complejas redes tejidas por múltiples tipos de arañas que trabajan “en colaboración” con Saraceno. .

“Se ve que muchas arquitecturas actuales de alguna manera no incluyen tanto lo que está sucediendo en el planeta”, dijo Saraceno, quien se formó como arquitecto. “Estoy muy feliz de pensar que por primera vez en el Serpentine hay muchos pabellones de telaraña”.

“Se trata un poco de tratar de pensar cómo la arquitectura animal podría entrar en el discurso y cómo necesitamos tener una forma mucho más equilibrada y equilibrada de construir ciudades hoy en la Tierra”, dijo a Dezeen.

Para que el interior de la galería sea más cómodo para las arañas y otros insectos, se apagó el equipo que controla la temperatura y la humedad del edificio y se abrieron algunas puertas para permitir el libre movimiento tanto del aire como de la vida animal.

Dado que la exposición se desarrollará durante todo el verano británico, esto podría significar cierta incomodidad para los visitantes humanos, pero dentro de ciertos límites. Según la curadora en jefe de Serpentine, Lizzie Carey-Thomas, la galería permitirá al personal de su piso decidir cuándo las condiciones son demasiado calurosas para trabajar de manera segura o para que los visitantes pasen un rato agradable.

En ese momento, la galería cerrará en lugar de encender el aire acondicionado, animando a los visitantes a disfrutar de las instalaciones al aire libre en el parque y bajo los árboles.

Otra intervención de Saraceno se presenta en forma de un nuevo panel solar en el techo del Serpentine, que alimentará todas las películas y luces de la exposición.

Los efectos destructivos de la minería del litio en el medio ambiente y las comunidades indígenas son un tema clave de la exposición. Por eso Saraceno y el Serpentine están evitando el uso de una batería de litio y en su lugar adoptan la intermitencia de la energía solar adaptando el uso de energía de la exposición al nivel de luz solar exterior.

En días nublados o parcialmente nublados, las películas se proyectarán con menos frecuencia y las luces se atenuarán. En días particularmente sin sol, las películas pueden cambiar a solo audio, mientras que algunas luces se apagan por completo.

“La ironía es que en los días de calor extremo y mucho sol, tendremos plena potencia pero no podremos abrir la exposición”, dijo Carey-Thomas.

Como el edificio Serpentine South está catalogado como patrimonio, tanto Carey-Thomas como Saraceno dicen que el proceso para realizar modificaciones fue complejo y prolongado, ya que la aprobación de los paneles solares tomó dos años y otros planes para quitar ventanas y puertas se abandonaron rápidamente.

Las obras de la exposición incluyen las esculturas Cloud Cities de Saraceno , que cuentan con compartimentos diseñados específicamente para diferentes animales como pájaros, insectos, perros, erizos y zorros.

El artista también proyecta una película que documenta una de las entregas de su proyecto Aerocene , que consiste en fabricar un avión totalmente libre de fósiles y propulsado exclusivamente por aire calentado por el sol, sin necesidad de baterías, helio, hidrógeno o litio.

En la película, el equipo de Aerocene completa el primer vuelo pilotado con energía solar del mundo, volando una escultura en globo sobre las salinas altamente reflectantes de Salinas Grandes.

También hay una obra creada específicamente para niños, llamada Cloud Imagination, a la que se accede a través de una puerta con forma de perro que es demasiado pequeña para que la mayoría de los adultos entren.

Saraceno y Serpentine describen la exposición Web(s) of Life como creada “en colaboración” con una gran cantidad de contribuyentes diferentes, tanto humanos como no humanos.

Estas incluyen las comunidades de Salinas Grandes y Laguna de Guayatayoc en Argentina, los adivinos de arañas en Camerún, las comunidades alrededor del proyecto Arachnophilia de Aerocene y Saraceno, y las formas de vida encontradas en los Parques Reales que rodean el Serpentine, que continuarán evolucionando las obras durante los próximos tres meses.

El artista y la galería también quieren extender el espíritu de la exposición a la venta potencial de las obras de arte mediante el desarrollo de un esquema llamado propiedad común parcial o, espera Saraceno, “administración común parcial”, lo que significa que cualquier comprador sería “copropietario” de las obras. trabajar junto con una especie o comunidad designada.

Otra obra de arte reciente que ha explorado ideas de intermitencia en la energía y el diseño es Solar Protocol , que analiza el potencial de una Internet alimentada por energía solar.

La fotografía es del Estudio Tomás Saraceno.

Tomás Saraceno In Collaboration: Web(s) of Life se llevará a cabo en Serpentine South en Londres, Reino Unido, del 1 de junio al 10 de septiembre de 2023 y culminará con un festival de un día de duración el sábado 9 de septiembre que incluirá un vuelo Aerocene dependiendo del clima. Para obtener más información sobre eventos, exposiciones y charlas, visite la Guía de eventos de Dezeen .

Los detalles de época se mezclan con intervenciones contemporáneas dentro de estos apartamentos renovados en París , construidos a mediados del siglo XIX durante la reconstrucción de la capital francesa por parte de Georges-Eugène Haussmann.

En su papel de prefecto del departamento del Sena bajo Napoleón III, el barón Haussmann fue responsable de crear la red de bulevares que aún hoy definen el paisaje urbano de la ciudad.

Los homogéneos edificios de apartamentos que flanquean estos bulevares fueron diseñados según estrictas normas, todos ellos de piedra de color crema con un empinado tejado abuhardillado de cuatro lados y no más de seis plantas.

Aunque Haussmann fue menos prescriptivo con respecto a los interiores del edificio, generalmente cuentan con techos altos y pisos de parquet junto con molduras elaboradas y boiserie.

Siga leyendo para conocer seis ejemplos de cómo arquitectos y diseñadores de interiores han llevado estos apartamentos al siglo XXI, incluido un loft para amantes de los libros y dos apartamentos combinados para formar una casa familiar en el Marais.

Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Para obtener más inspiración, consulte los lookbooks anteriores que presentan dormitorios con interiores minimalistas , cocinas de hormigón y baños revestidos de mármol .

Apartamento Wood Ribbon de Toledano + Arquitectos

En la renovación de este apartamento, que había permanecido prácticamente intacto desde finales del siglo XIX, se conservaron detalles originales como el suelo de parqué y las yeserías ornamentadas del techo.

Pero el estudio local Toledano + Architects derribó varias paredes divisorias para crear un plano de planta más abierto, atravesado por una pared serpenteante de madera contrachapada que divide aproximadamente el apartamento en tres zonas y al mismo tiempo proporciona almacenamiento táctico en la sala de estar y la cocina.

“Realmente quería mejorar esta dicotomía entre lo antiguo y lo contemporáneo”, dijo a Dezeen la fundadora Gabrielle Toledano. “Es muy relevante en una ciudad como París donde ambos están en un diálogo constante”.

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Apartamento Canal Saint Martin por Rodolphe Parente

El diseñador de interiores francés Rodolphe Parente hizo sólo unas pocas intervenciones arquitectónicas menores al reformar este apartamento en Canal Saint-Martin, dejando al descubierto largas puertas selladas y creando un comedor y una cocina híbridos.

En cambio, modernizó el apartamento contrastando detalles originales como molduras con detalles contemporáneos inesperados, colores y la colección de arte “radical” del propietario.

En el dormitorio, una alfombra de color púrpura intenso contrasta con las paredes de color caramelo, mientras que en la sala de estar, los paneles de las paredes de época resaltan la modernidad del sofá y la mesa de centro brillante.

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Apartamento XIV de Studio Razavi

Tras eliminar varios tabiques, la oficina francesa Studio Razavi creó un nuevo diseño para este apartamento insertando un bloque de muebles multifacético hecho de paneles de fibra de madera en los huecos restantes.

Su perfil escalonado crea líneas de visión entre las diferentes áreas de la casa mientras enmarca algunas de las molduras del techo de estilo Hausmann originales del edificio.

Pintado en un gris pizarra apagado, el bloque de muebles cumple una función diferente en cada habitación: actúa como mueble de almacenamiento en la cocina, soporte para TV en la sala de estar y escritorio en el estudio.

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Apartamento Marais de Sophie Dries

Dos apartamentos se convierten en una residencia de 100 metros cuadrados en este proyecto de renovación que la arquitecta francesa Sophie Dries completó en el moderno Marais para una familia de cuatro.

Los detalles de época se pintaron en blanco sencillo, lo que contrasta con las nuevas incorporaciones, como las sillas Hans J. Wegner y las cortinas de lino teñido de la sala de estar.

“El estilo Haussmann fue refinado y simplificado para introducir líneas minimalistas que se adaptaban mejor a una familia moderna”, explicó Dries.

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Introduzca el Diamante por Atelier 37.2

Un baño adicional se encuentra dentro del volumen de madera de abedul de tres metros de altura en el centro de esta residencia en la capital francesa, diseñado por el estudio local Atelier 37.2 .

Las líneas nítidas de la estructura en forma de diamante contrastan con las ornamentadas molduras del techo y las paredes pintadas de blanco del apartamento.

“Esta tensión genera un potencial ficticio que juega con la imaginación de los habitantes”, afirmó el estudio.

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Loft del Arsenal por h2o Architectes

Este loft de tres habitaciones está ubicado dentro del techo abuhardillado de un edificio de la época Haussmann en el distrito de Arsenale, que originalmente sirvió como cuarto de servicio para los apartamentos de abajo.

La firma parisina h2o Architectes abrió su plano de planta para aprovechar al máximo las vistas del último piso e instaló estanterías de madera para definir diferentes áreas y albergar la extensa biblioteca del propietario amante de los libros del apartamento.

Su construcción de madera crea una conexión visual con los pisos de parquet originales, mientras que la pintura blanca utilizada para iluminar las paredes y otros elementos estructurales continúa en algunas secciones del piso.

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Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Para obtener más inspiración, consulte los lookbooks anteriores que presentan dormitorios con interiores minimalistas , cocinas de hormigón y baños revestidos de mármol .

La pareja de arquitectos Leandro García y Amanda Dalla-Bona han renovado un apartamento de la década de 1970 en Curitiba , Brasil, reconfigurando el diseño y eligiendo muebles eclécticos.

Fue necesario reemplazar toda la electricidad y la plomería, y se replanteó el plano para crear “un lugar para hacer una pausa y retirarse”.

Se reemplazaron tres dormitorios por dos para dejar espacio a una sala de estar y comedor más grande, que podría integrarse con la cocina existente.

Se conservaron y restauraron elementos originales, incluidos los marcos de las ventanas y el suelo de parquet de imbuia, y se introdujeron una variedad de materiales nuevos.

El Apartamento Brigadeiro pertenece a la familia de Dalla-Bona desde los años 80: fue la casa de sus padres cuando estaban recién casados ​​y donde nació su hermana mayor.

Después de mudarse cuando planeaban tener su segundo hijo, los padres alquilaron el espacio de 108 metros cuadrados durante 30 años.

Debido a su ubicación central, Dalla-Bona siempre los disuadió de venderlo, ya que ella tenía intenciones de mudarse algún día.

Cuando llegó ese momento recientemente, ella y su socio García decidieron remodelar los interiores para adaptarlos mejor a sus necesidades.

“Desde el apartamento la vista es amplia, una característica poco común en el centro de la ciudad, y ambos quedamos cautivados por la luz natural, el sol y el viento que entraban por las ventanas”, dijo la pareja.

“Caminando unas cuadras llegamos a nuestros cafés y restaurantes favoritos y a nuestro estudio, donde trabajamos juntos”, agregaron.

En la cocina se agregaron encimeras de terrazo y un salpicadero de baldosas hidráulicas, mientras que en la sala de estar quedó expuesta una columna de hormigón.

El resto del salón está iluminado por paredes blancas, alfombras texturizadas y cortinas translúcidas.

Una variedad de muebles antiguos, modernistas y nuevos, en su mayoría de diseñadores brasileños, añaden color y carácter a los interiores.

Los asientos de mediados de siglo de Percival Lafer, Flavio de Carvalho y Geraldo de Barros se encuentran entre las opciones de la pareja, junto con una colección de lámparas, taburetes y mesas.

“En la sala de estar, los muebles -no sólo los sillones, sino también las alfombras, deben ser suaves para sentarse en el suelo- fueron elegidos, ahorrados y colocados para conversaciones y lecturas”, dijeron.

García y Dalla-Bona también diseñaron a medida una mesa de comedor de madera de 4,5 metros de largo para acomodar sus diversas actividades diarias y recibir a sus amigos y familiares en las comidas.

Además de los gabinetes de la cocina y el baño, todo el almacenamiento y los muebles son móviles.

En el baño, el piso y las paredes están cubiertos con pequeños mosaicos blancos, fijados con lechada a juego para una apariencia limpia y minimalista.

Curitiba, en el estado de Paraná, en el sur de Brasil, es sede de varios proyectos completados por García, Dalla-Bona y su equipo, incluida la renovación de un apartamento compacto renovado para un periodista .

El estudio también renovó la casa de vacaciones de una familia cerca de la playa en Matinhos y la llenó con muebles brasileños antiguos.

La fotografía es de Fran Parente .

El estudio de arquitectura Make y el estudio de diseño de interiores BAR Studio han convertido el edificio del Departamento de Educación de Sydney , declarado patrimonio histórico, en el último puesto de avanzada de Capella Hotels.

El proyecto de reutilización adaptativa implicó agregar una extensión moderna con esquinas de vidrio curvadas al techo del edificio, alejada de su fachada de arenisca para respetar la arquitectura barroca eduardiana original.

Con estas cuatro plantas adicionales, el edificio mide ahora once plantas de altura y alberga 192 habitaciones, además de bares, restaurantes y una piscina de 20 metros que ocupa la antigua galería del sexto piso.

Desde que se construyó el Departamento de Educación en el histórico recinto Sandstone de Sydney en 1912, su interior se había visto comprometido con innumerables cambios ad hoc, según Make .

El estudio trabajó para restaurar la sensación de grandeza imaginada por el arquitecto original George McRae , por ejemplo restableciendo el patio interior con jardín en la planta baja.

“Unir la estructura existente de estilo barroco eduardiano con una nueva capa de arquitectura contemporánea es una de las muchas cosas que hacen que este proyecto emblemático se destaque como hotel”, dijo la diseñadora Michelle Evans a Dezeen.

“Ha sido un placer trabajar en Capella Sydney, ya que se basa en nuestra creciente cartera de reutilización y adaptación de edificios existentes y patrimoniales”, añadió.

Recogiendo el testigo de Make, la firma de diseño hotelero BAR Studio tuvo la tarea de crear interiores lujosos pero contemporáneos para el hotel que funcionen a la perfección con la historia del edificio.

“El edificio patrimonial que alberga Capella Sydney nos proporcionó la base para el diseño interior”, dijo el cofundador Stewart Robertson.

Si bien el exterior del edificio estaba prácticamente intacto, en el interior sólo quedaban unas pocas áreas de importancia histórica.

Algunos de estos espacios ofrecieron increíbles oportunidades de reinvención, como la galería del antiguo último piso, convertida en el spa y piscina Auriga.

Mientras tanto, se incorporaron a los interiores referencias a las ventanas originales con marcos de acero a través de un motivo recurrente de formas enmarcadas.

Se utilizó acero con acabados en negro y bronce en todo el edificio para enmarcar puertas, ventanas y mamparas, haciendo una sutil referencia a los orígenes del distrito en la era de la industria.

Esto tiene el propósito práctico de delinear y dividir espacios, pero también aporta una forma restringida de adorno, dijo Robertson.

“Hemos utilizado técnicas de encuadre para crear separación pero también para construir una conexión orgánica entre los espacios públicos”, explicó.

“Queríamos que el color y el acabado se sintieran apropiados para la época original, pero también que estos elementos se leyeran como inserciones nuevas y sofisticadas”.

Una paleta de materiales naturales aporta una sensación de lujo sutil a los dormitorios y espacios comunes.

Se utilizó acero junto con mármol pulido, travertino arenado, revestimientos de paredes naturales y madera clara y oscura.

La paleta de colores también es simple y neutra, y se inspira en la paleta de materiales con paredes de color piedra y tapicería de cuero color canela.

Este enfoque permite que las características patrimoniales se conviertan en el punto focal, junto con una colección de arte de cerámica, pinturas, murales y piezas textiles australianas comisariadas por el consultor de arte The Artling que se exhibe en todo el hotel.

“La paleta de base neutra de piedra color crema y madera oscura y clara se integra con los elementos arquitectónicos y de diseño existentes, pero crea un ambiente cálido y relajante, creando un verdadero santuario de la ciudad circundante”, explicó Robertson.

De acuerdo con el toque ligero de las nuevas intervenciones arquitectónicas, gran parte del mobiliario se basa en el concepto de mobiliario de campaña, tradicionalmente fabricado para campañas militares y, por tanto, fácil de transportar.

“Estas piezas portátiles e ingeniosas llevan las comodidades del hogar a lugares remotos”, dijo Robertson.

Otros hoteles de Capella incluyen el Capella Resort, diseñado por Norman Foster , ubicado en una isla frente a la costa de Singapur, y el Capella Sanya, que ganó el premio AHEAD Asia 2020 al mejor paisajismo y espacios al aire libre .

La fotografía es de Timothy Kay.