Los estudios neoyorquinos Starling Architecture y Emily Lindberg Design han reformado una casa adosada de Brooklyn para una familia joven, combinando dos unidades en una sola vivienda y unificándolas mediante el uso de roble blanco .

Carroll Gardens Townhouse se diseñó anteriormente como una vivienda para dos familias, pero los propietarios necesitaban más espacio para sus hijos en crecimiento, por lo que decidieron conectar las unidades.

Inicialmente se pidió a Starling Architecture y Emily Lindberg Design que convirtieran y mejoraran cosméticamente la casa, y agregaran espacios como un vestíbulo, áreas de estar y de trabajo desde casa, y un gran comedor.

Una vez que el proyecto estuvo en marcha, el alcance se amplió para incluir una revisión completa del diseño, una nueva escalera, un extenso paquete de carpintería y el reemplazo de muebles y obras de arte.

“Además de brindarles a todos un poco más de espacio para trabajar, vivir y crecer, también nos concentramos rápidamente en traer más luz y conexión entre los distintos niveles”, dijo el fundador de Starling Architecture, Ian Starling.

El edificio, que abarca cinco plantas, tiene una superficie habitable total de 3700 pies cuadrados (344 metros cuadrados), con cuatro dormitorios y cuatro baños y medio.

Reorganizar el programa implicó trasladar la cocina del segundo piso desde el centro del plan a la fachada sur, donde recibió mucha más luz.

El comedor ocupa el espacio adyacente, envuelto en paneles de roble blanco europeo que se extienden desde un largo banco incorporado, a través del techo y hasta una mampara de listones frente a las escaleras.

Una mesa de nogal con esquinas redondeadas proporciona suficiente espacio para recibir a amigos y familiares.

El roble blanco continúa en la escalera en todos los niveles y en el piso, hasta un pasillo y el vestíbulo, el tocador, la oficina y el bar a nivel del jardín.

“Toda la madera para la casa procedía de la misma fábrica en Bélgica, donde la fabricaron y terminaron a medida según nuestras especificaciones exactas”, dijo Starling.

“Todos los paneles se cortaron mediante CNC, por lo que pudimos especificar los tamaños exactos de los paneles en función de las dimensiones construidas y cada panel se dividió en anchos de enchapado iguales”.

Los tonos terrosos de la madera ayudaron a guiar las opciones de decoración restantes, que incluyen tonos azules fríos compensados ​​por materiales familiares como pizarra morada y ladrillos de arcilla.

El corcho recubre el espacio de la oficina, mientras que la sala de juegos para niños en el sótano presenta colores más brillantes sin parecer demasiado juvenil.

“Con un nuevo diseño general, los clientes tenían una mentalidad de ‘fuera lo viejo y entra lo nuevo’, y avanzaron con algunos toques de color audaces a lo largo del camino”, dijo Starling.

“Hay pureza en gran parte de la paleta, trabajando con texturas y formas orgánicas en lugar de patrones aplicados”, agregó Lindberg.

Starling Architecture tiene su sede en Brooklyn, mientras que Emily Lindberg Design tiene presencia tanto en la ciudad de Nueva York como en Providence, Rhode Island.

Los dos estudios colaboraron anteriormente en un proyecto similar para amigos de los propietarios de Carroll Gardens Townhouse, quienes los recomendaron para este trabajo.

Las casas adosadas de Brooklyn tienen una gran demanda y los nuevos propietarios no pierden el tiempo en renovar estos edificios históricos para satisfacer sus necesidades.

Los ejemplos completados recientemente incluyen una propiedad en Warren Street , para la cual Studio Vural utilizó casas comerciales de Kioto como punto de referencia, y una casa en Park Slope que fue diseñada para cumplir con los estándares Passive House.

La fotografía es de Eric Petschek .

Créditos del proyecto:

Arquitectura: Starling Architecture
Diseño de interiores: Emily Lindberg
Contratista de diseño: Euro Art Construction
Superficies de madera: Madera Surfaces

El estudio indio FADD Studio ha fusionado dos apartamentos separados dentro de un desarrollo de gran altura en Bangalore para crear una casa familiar multigeneracional .

Los apartamentos vecinos de cuatro dormitorios, apilados uno encima de otro en la torre residencial SNN Clermont , se transformaron en un dúplex de seis habitaciones para una pareja cosmopolita, sus padres y dos hijos pequeños.

Las intervenciones de FADD Studio fueron impulsadas por el deseo de los propietarios de algo nuevo y único.

“Nuestros clientes querían que esta casa fuera contemporánea y libre del alboroto de su casa anterior, que era más anticuada con elementos tradicionales de la generación anterior”, dijo el estudio a Dezeen.

“No querían un lugar común y corriente que se pareciera a cualquier otro hogar con líneas rectas y un anonimato contemporáneo. Querían carácter y estaban abiertos a explorar el lenguaje de las curvas y ciertamente querían algo fuera de lo común”.

El estudio pensó detenidamente en la mejor manera de abrir y vincular los dos apartamentos antes de decidirse por dos puntos de conexión: una escalera cerca de la entrada en el nivel inferior y una sección de doble altura en la sala de estar adyacente para lograr interés visual y facilitar la comunicación. entre miembros de la familia.

Sabiendo que los clientes querían evitar líneas rectas, FADD Studio consideró cuidadosamente la forma de estos elementos de enlace.

“Comenzamos nuestro proceso habitual de buscar inspiración en la naturaleza, desde exoesqueletos de conchas hasta curvaturas de orugas, desde mapas topográficos de diferentes paisajes hasta escamas de peces y desde dunas de arena hasta olas”, decía la práctica.

Esta investigación formó la base para la escalera curva que llega a la sala de estar.

“Tiene una sensación escultórica con la adición de múltiples curvas, talladas en el mármol rojo intenso de cada contrahuella”, dijo el estudio.

La estrecha sección de doble altura de la sala de estar está enmarcada por un corte arqueado en el techo, envuelto en microcemento blanco con un acabado de brillo suave.

Al unir los dos niveles, la pared trasera de doble altura está estriada en un patrón irregular, imitando las suaves ondas y ondas que se pueden encontrar en el techo del vestíbulo de entrada vecino.

“Oculta toda la conducción y permite una transición suave entre las diferentes alturas de techo dentro del apartamento”, dijo FADD Studio.

El enfoque de la empresa con respecto a los suelos fue igualmente inventivo. En el espacio habitable principal, un “borde de cebra” de piedras blancas y negras se lanza y se entrecruza en patrones aparentemente abstractos a lo largo del piso, ayudando a dar definición a las diferentes zonas.

Los espacios intermedios están llenos de una selección de mármoles de color rosa melocotón muy veteados.

“Creamos un patrón de incrustaciones muy parecido a la repetición de escamas de peces o grupos de hongos silvestres superpuestos, pero más abstracto”, dijo FADD Studio.

En la sala de estar de arriba, los muebles se agrupan alrededor de un círculo central rodeado de mármol veteado lineal, que está incrustado en el piso y rodeado por otro borde en blanco y negro.

“El suelo es espectacular, algo audaz y reflexivo, que contribuye al fuerte lenguaje visual y espacial del espacio”, dijo el estudio.

“Los techos y el suelo desafían lo mundano y nos dan a nosotros y a los habitantes del apartamento pura alegría al ver las líneas y curvas continuar infinitamente”.

El melocotón, el blanco y el negro del suelo combinan con la combinación de colores de todo el apartamento.

“Esta paleta de colores es inusual para un hogar indio”, dijo FADD Studio. “Estos colores, junto con las curvaturas inspiradas en la naturaleza y las formas redondeadas dieron como resultado un ambiente minimalista y futurista”.

Con tantas ideas en juego dentro del espacio mismo, los muebles han asumido un papel de apoyo.

La paleta de colores se eligió para combinar con las paredes, de modo que las formas escultóricas y curvas se conviertan en el punto focal, mientras que el algodón boucle y textural aportan interés en términos de tacto.

Otro estudio indio conocido por los interiores de sus apartamentos poco convencionales es The Act of Quad, que recientemente completó una casa con detalles en azul cobalto en Thane y un apartamento en Mumbai con su propio templo .

La fotografía es de Gokul Rao Kadam .

Dezeen ha lanzado una nueva edición de los Premios Dezeen para celebrar la mejor arquitectura, interiores y diseño de China . ¡Comienza tu entrada hoy!

Dezeen Awards China es la primera edición regional de los Dezeen Awards , que ha crecido rápidamente hasta convertirse en uno de los programas de premios con más participantes del planeta y es un referente de excelencia en diseño internacional.

Dezeen Awards China destacará el talento del diseño chino

Lanzados en asociación con Bentley Motors , los Dezeen Awards China destacarán la mejor arquitectura, interiores y diseño chinos, brindando reconocimiento internacional en todo el mundo.

Los Dezeen Awards China serán una celebración del talento del diseño chino. Por tanto, es para arquitectos, diseñadores y estudios con sede en China, más que para proyectos de firmas internacionales que se construyen en China.

Las empresas multinacionales que tienen una oficina en China pueden ingresar libremente, siempre y cuando la mayor parte del trabajo del proyecto haya sido completado por la oficina china.

Al igual que la edición internacional, los Dezeen Awards China están abiertos a estudios grandes y pequeños y celebrarán tanto los nombres establecidos como los estudios emergentes que trabajan hoy en China.

Los jueces incluyen a Rossana Hu, Alex Mok y Michael Young.

Los premios Dezeen Awards China serán juzgados por un jurado estelar compuesto por los mejores arquitectos y diseñadores chinos, así como por nombres internacionales de alto perfil con experiencia trabajando en China.

Los jueces confirmados hasta ahora incluyen a la arquitecta Rossana Hu, el diseñador de interiores Alex Mok y el diseñador Michael Young. Se anunciarán más nombres en las próximas semanas.

Diecisiete categorías que abarcan arquitectura, interiores y diseño.

Hay 17 categorías de proyectos para participar en arquitectura, interiores y diseño. Los ganadores de estas categorías de proyectos se enfrentarán por la oportunidad de ser coronados como uno de los tres ganadores del proyecto del año en arquitectura, interiores y diseño.

Además, seis premios a los Diseñadores Chinos del Año celebrarán a los principales nombres emergentes y establecidos que trabajan en China en arquitectura, interiores y diseño.

Sin embargo, estos premios son solo para nominaciones y nuestros jueces seleccionarán nombres; no es posible participar en estos premios.

Dezeen Awards China está abierto para inscripciones hasta el 24 de agosto de 2023, pero los estudios pueden ahorrar dinero en su inscripción si lo hacen antes del 13 de julio de 2023.

Vaya a dezeen.com/awards/china para obtener más información sobre Dezeen Awards China, incluido cómo participar e información sobre las categorías , los precios de inscripción y las fechas límite .

O escanee el código anterior usando WeChat para acceder a la mini aplicación WeChat para obtener toda la información sobre Dezeen Awards China en chino y descargar los formularios de inscripción.

Se lanzan los Dezeen Awards China en asociación con Bentley

Los Dezeen Awards China se lanzaron en asociación con Bentley , como parte de una colaboración más amplia de tres años que también incluye el patrocinio principal de la edición internacional de los Dezeen Awards, que cerró las inscripciones la semana pasada, y un concurso de diseño para redefinir el futuro del comercio minorista de lujo que lanzado el mes pasado.

“Estamos encantados de trabajar con Bentley para lanzar Dezeen Awards China, nuestro primer programa de premios regional”, dijo la directora de Dezeen Awards, Claire Barrett.

“Esperamos descubrir una gran cantidad de talentos en diseño y promoverlos tanto a nivel local como global, mostrando la creciente posición del país como potencia del diseño”.

“Estamos encantados de trabajar con Dezeen para ofrecer una nueva plataforma global que celebrará tanto los nuevos talentos del diseño chino como los nombres establecidos”, añadió Steven De Ploey, director global de marketing de Bentley.

“Asociarnos con Dezeen de esta manera nos permite recompensar y apoyar a los innovadores de vanguardia en la industria del diseño que se esfuerzan por ofrecer experiencias transformadoras y resolver mejor los desafíos de diseño de nuestra era”.

Los ganadores se anunciarán en diciembre de 2023.

Las inscripciones en los Dezeen Awards China están abiertas hasta el 24 de agosto de 2023

Las listas cortas se anunciarán en octubre y los ganadores se revelarán en una ceremonia en diciembre de 2023.

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El dúo de diseñadores Formafantasma ha presentado una exposición en el Museo Nacional de Noruega en Oslo sobre la historia y el futuro de la producción de lana , que presenta una túnica de 1.700 años y una alfombra hecha de fibras de desecho.

Andrea Trimarchi y Simone Farresin de Formafantasma crearon la exposición Oltre Terra , comisariada por Hannah Eide, para desentrañar la relación pasada y presente de la humanidad con las ovejas y, por extensión, la producción de lana.

La exposición presenta objetos de archivo y contemporáneos, incluidas réplicas a tamaño natural de siete razas diferentes de ovejas y herramientas para esquilar, dispuestos en un estilo diorama dentro de una sola galería en el museo nacional de Noruega.

Entre los primeros animales domesticados por los humanos, las ovejas fueron sacrificadas por primera vez por cazadores-recolectores hace unos 11.000 años.

Esto marcó el comienzo de una relación compleja, según Formafantasma.

“El Museo Nacional de Noruega [que encargó a Oltre Terra] estaba interesado en que hiciéramos un trabajo relacionado con la comunidad local de Oslo , porque la lana era un material extremadamente importante en la cultura noruega antes del desarrollo de la industria relacionada con el petróleo y agricultura”, dijeron Trimarchi y Farresin a Dezeen.

Oltre Terra tenía como objetivo combinar artefactos que normalmente se ven en museos de historia natural con otros que se exhiben más comúnmente en galerías de arte y diseño, con el fin de resaltar la interdependencia entre la evolución biológica y los procesos de producción.

Entre las piezas expuestas se encuentra una alfombra color crema de CC-Tapis hecha de cuatro fibras de lana diferentes extraídas de 12 razas de ovejas italianas.

Esta lana era un sobrante de la producción y normalmente se desechaba por su tosquedad, pero la alfombra pretende ilustrar cómo estas fibras más ásperas todavía se pueden utilizar para fabricar productos que no están en contacto directo con la piel.

También se exhibe una túnica de lana de 1.700 años de antigüedad, que se encontró conservada bajo una zona de hielo de una montaña a 200 millas al noroeste de Oslo en 2011, y velas de lana que se usaban en los barcos de la época vikinga.

En el centro de la instalación se encuentra un vídeo que Formafantasma creó con la artista Joanna Piotrowska . Llamada Tactile Afferents, la película se centra en el sentido del tacto y explora las formas en que los humanos han interactuado con las ovejas a lo largo del tiempo.

La exposición también presenta réplicas de ejemplos notables de la especie, como Shrek, la oveja merina de Nueva Zelanda que, como muchas otras, fue descubierta en la naturaleza con un pelaje demasiado grande en 2004 después de escapar de su rebaño doméstico seis años antes.

Este es un ejemplo de cuando las ovejas necesitan a los humanos, según Formafantasma.

“Muchas personas están en contra de la cría de animales, lo cual, cuando se trata de una cría intensiva, también nos parece extremadamente problemático”, afirman los diseñadores.

“Pero las ovejas en este momento no son como sus ancestros salvajes, los muflones: no pierden pelo de forma natural. Necesitan que los humanos los esquilen”.

El diseño de la exposición hace un guiño al concepto de diorama: modelos en miniatura o a gran escala que se encuentran en los museos, encerrados en vidrio y que normalmente muestran figuras tridimensionales.

Para Oltre Terra, el diorama se “explotó” en secciones y se dejó abierto, en lugar de cubierto con vidrio, para permitir a los visitantes sentirse más conectados con las piezas y cuestionar el límite entre el arte y la ciencia.

“Para nosotros, se trata de unificar narrativas y mostrar cómo se trata de ecologías complejas que deben mostrarse juntas”, dijeron Trimarchi y Farresin sobre la instalación.

“El objetivo de la exposición es explorar esta relación tan íntima pero intrincada entre humanos y animales, en la que los límites entre lo domador y lo domesticado se desvanecen”, continuaron los diseñadores.

Trimarchi y Farresin explicaron que uno de los objetivos generales de la exposición era promover la dependencia mutua y el respeto entre humanos y ovejas, especialmente en lo que respecta a las prácticas agrícolas.

“La relación entre humanos y ovejas es mucho más complicada y compleja”, agregaron.

“Al igual que con las relaciones humanas, hay relaciones abusivas y sólo hay relaciones y relaciones constructivas. Lo que estamos haciendo ahora [con el ganado] es, en algunos casos, extremadamente abusivo, pero eso no significa que las ovejas, los animales y los humanos no puedan vivir en un proceso de simbiosis”.

El espectáculo toma su nombre de la etimología de la palabra “trashumancia”, que está formada por la combinación de las palabras latinas trans (a través, ‘oltre’ en italiano) y humus (tierra, ‘terra’) y hace referencia a la práctica de migración del ganado de una zona de pastoreo a otra.

Fundada por Trimarchi y Farresin en 2009, Formafantasma ha presentado anteriormente otras muestras que investigan materiales, incluida una exposición sobre madera con la marca de muebles Artek que se celebró en el Museo del Diseño de Helsinki el año pasado. El estudio también rediseñó su sitio web para reducir las emisiones de dióxido de carbono.

La fotografía es de Ina Wesenberg .

Créditos del proyecto:

Equipo de Formafantasma: Sara Barilli, Alessandro Celli y Gregorio Gonella
Comisaria: Hannah Eide

Oltre Terra se exhibirá en el Museo Nacional de Noruega del 26 de mayo al 1 de octubre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

Esculturas en forma de silla y una linterna de papel en forma de donut se encontraban entre los objetos exhibidos dentro de un apartamento de Copenhague durante los 3 Días de Diseño .

Yoonede –derivada de la palabra “unidad”– fue una exposición colectiva que presentó el trabajo de 20 artistas, diseñadores y marcas.

La idea detrás de la exposición era promover la colaboración, mostrando el trabajo de todos juntos. Algunos diseñadores también formaron equipo con otros participantes en sus exposiciones.

Se exhibieron objetos en las habitaciones y el patio de un apartamento en Gammel Mønt, una calle en el corazón de la capital danesa.

Line Øhlenschlæger , uno de los tres fundadores de Yoonede, dijo a Dezeen: “La única estipulación que hicimos a los artistas, diseñadores y marcas involucradas fue que debían estar dispuestos a combinarse con otros que pueden estar o no en el mismo nivel”.

“Normalmente, cuando haces una exposición colectiva, tienes un diseñador en una esquina y un diseñador en otra esquina, pero la idea aquí era unir a todos”, dijo.

Øhlenschlæger, que trabaja como director de arte, organizó la exposición en colaboración con la diseñadora de productos Sofie Østerby y la arquitecta de interiores Maaria Repo .

El trío, que son antiguos colegas, llevaba mucho tiempo queriendo trabajar juntos en una exposición y decidieron invitar a unirse a otros creativos a los que admiraban.

Solo esperaban que unos pocos dijeran que sí, por lo que se sorprendieron al ver que la lista llegaba a 20 participantes.

La contribución de Øhlenschlæger a la exposición es una serie de mesas circulares, sostenidas por volúmenes de tres puntas hechos de acero o aluminio.

Østerby creó una mesa de centro escultórica utilizando wengué, una madera dura africana, mientras que Repo exhibió un cuenco con un distintivo acabado de esmalte veteado.

MBADV , una colaboración continua entre las diseñadoras Maria Brunn y Anne Dorthe Vesyter, estuvo detrás de las esculturas en forma de silla, una de roble y la otra de piedra.

La linterna de papel, de la diseñadora de iluminación Laura Fiig , estaba suspendida sobre un banco realizado por Studio Oro con resina epoxi y travertino.

Los diseñadores Anne Brandhøj y Signe Fensholt combinaron habilidades en madera y cerámica para crear una serie de esculturas con forma de tótem, mientras que Atelier Madirazza presentó un gran espejo con marco de mármol.

El ebanista Antrei Hartikainen aportó una estantería esbelta y curvada, así como jarrones de vidrio soplado.

Otras piezas clave incluyeron una lámpara de araña minimalista de Kasper Kjeldgaard y un tejido de Bettina Nelson.

Las marcas expuestas incluyeron Kusiner , que presentó alfombras de lana, y la marca de audio danesa Iril , que mostró sus altavoces minimalistas.

La exposición continuó afuera, donde macetas de terracota de la marca tradicional Bergs Potter se encontraban junto a esculturas de la artista Josefine Winding .

Los fundadores planean ejecutar Yoonede como una plataforma de exhibición, para que pueda continuar más allá de este debut de 3 Días de Diseño.

“La exposición se basa en el deseo de reunir a los creativos, aprender de las diferencias de los demás y compartir la pasión por el diseño, el arte y los objetos”, dijo Østerby.

“Estamos mostrando un individualismo inspirador y al mismo tiempo permitimos que se destaque una cohesión fuerte y curada”, añadió Repo.

La fotografía es cortesía de Yoonede.

Yoonede estuvo en exhibición del 7 al 9 de junio de 2023 como parte de 3 Days of Design . Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener información, además de una lista de otros eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

Un trampolín de tres niveles se encuentra junto a una palmera metálica dentro de esta tienda temporal que el diseñador Willo Perron ha creado para la marca de lencería SKIMS de Kim Kardashian en Londres.

El primer espacio comercial físico de la marca en el Reino Unido, en los grandes almacenes Selfridges de Londres, sigue la misma fórmula que su tienda debut en París . Aquí, las superficies estaban revestidas con paneles de plástico brillante con suaves curvas termoformadas para sugerir la forma del cuerpo humano.

Pero para esta ventana emergente temporal de verano, Perron abandonó la paleta de colores carnosos típica de la marca en favor de un tono azul pálido que recuerda a una piscina con mucho cloro.

Los paneles de plástico resultantes son tan brillantes que parecen casi mojados, ya que forman todo, desde marcos de espejos y bancos hasta paneles de pared y el mostrador monolítico de caja registradora de la tienda, que tiene grabado el logotipo de SKIMS .

En el corazón de la tienda se encuentra una enorme réplica de un trampolín de tres niveles, con una base escalonada y trampolines formados con trozos del mismo plástico azul celeste.

Los tubos de cromo brillante actúan como pasamanos y se repiten en toda la tienda en forma de particiones cuadriculadas y rieles para ropa, curvándose alrededor de las columnas de los grandes almacenes catalogados como Grado II.

Para completar el ambiente junto a la piscina, se encuentra una escultura de palmera de metal a juego, integrada en el largo banco que recorre el frente de la tienda.

Para exhibir pilas de toallas SKIMS de color nude enrolladas, Perron también agregó dos plataformas independientes más pequeñas con los mismos escalones y pasamanos cromados que la plataforma de buceo, pero sin los trampolines.

La tienda, que ocupará el espacio emergente de la planta baja de Selfridges, The Corner Shop, hasta el 8 de julio de 2023, ofrecerá la colección principal de trajes de baño y bikinis de la marca, junto con ediciones limitadas y combinaciones de colores de temporada.

Los clientes también podrán comprar helado a juego con su traje de baño, almacenado en congeladores de color azul celeste, cortesía de la empresa londinense de helados Chin Chin Labs .

“Estoy encantado de traer SKIMS Swim a Londres por primera vez y hacerme cargo de The Corner Shop en Selfridges con nuestra experiencia emergente más conceptual hasta la fecha”, dijo la cofundadora y directora creativa de SKIMS, Kim Kardashian.

“Tenemos seguidores en todo el mundo”, añadió. “A medida que entramos en la siguiente fase del comercio minorista de SKIMS, espero conectarme con estos clientes a través de experiencias de compra innovadoras a escala global”.

Regresando por segundo año, la oferta de trajes de baño de SKIMS está orientada a brindar varios niveles de cobertura para diferentes tipos de cuerpo y requisitos de modestia.

Esta es una extensión del impulso de la marca para crear ropa interior y modeladoras inclusivas que funcionen para personas de diferentes tamaños y habilidades, luego del lanzamiento de su Colección Adaptativa el año pasado .

Durante los próximos tres años, la marca planea abrir una lista de tiendas independientes en todo el Reino Unido y la UE.

El estudio de diseño Nina+Co ha utilizado materiales basados ​​en los ingredientes utilizados en productos naturales para el cuidado de la piel para la primera tienda de Big Beauty en Hackney, Londres .

Para su primer espacio comercial, la fundadora de Big Beauty, Lisa Targett Bolding, quería crear un espacio que fuera una extensión del espíritu de la marca. Trabajó en estrecha colaboración con Nina+Co , que optó por incorporar materiales de desecho y biomateriales como el micelio en el diseño.

Según la fundadora de Nina+Co, Nina Woodcroft, cada elección de material tenía como objetivo minimizar los residuos o reactivar los productos de desecho.

“Lisa estaba decidida a traspasar los límites del uso de materiales y la circularidad y está dispuesta a correr riesgos, lo cual es necesario cuando se experimenta con materiales y procesos nuevos”, dijo a Dezeen.

“Hay muchos materiales y soluciones excelentes que necesitamos desesperadamente para generalizarlos, pero hacerlos comercialmente viables puede ser un proceso lento y largo”, continuó.

“El objetivo de Nina+Co es cerrar esta brecha, mostrar cuán bellos y útiles pueden ser estos materiales y procesos, y trabajar para cambiar las actitudes hacia los residuos y considerar el final de su uso”.

Los bordes de piedra en bruto, el patinado del metal y los tonos terrosos se combinaron con formas redondeadas, suaves y de gran tamaño para crear un efecto calmante en todo el espacio donde, además del área comercial, hay una sala de tratamiento privada para masajes y tratamientos faciales.

El espacio principal fue diseñado para ser flexible y albergar eventos, con asientos dispuestos alrededor de una gran mesa de piedra de travertino , que se obtuvo en un 50 por ciento de materiales rescatados y en un 50 por ciento de recortes.

El travertino utilizado para la mesa central se mantuvo en las grandes losas en las que se encontró, con una forma mínima en algunos bordes, en un intento por reducir el desperdicio y conservar la integridad para futuras aplicaciones.

Además de la piedra natural recuperada, Nina+Co utilizó bloques de corcho expandido a los que se les dio forma de unidades de almacenamiento y acero recuperado , que se transformó en estanterías.

Muchos de los materiales elegidos se basaron en los minerales e ingredientes utilizados en el cuidado natural de la piel, como arcilla, algas y extractos de hongos.

Se cultivó micelio para formar pedestales y patas utilizando la especie reishi. El hongo reishi y la arcilla también se utilizaron para pigmentar cortinas de un biotextil de algas, que tienen pequeñas burbujas de aire atrapadas que parecen espuma de mar o burbujas de baño.

El biotextil de algas, junto con la tela de cáñamo , se colgó como telón de fondo para el escaparate que da sombra al interior.

Cuando se le preguntó sobre los desafíos de trabajar con micelio, Woodcroft dijo que “cada proyecto tiene sus contratiempos. El micelio necesita condiciones precisas para crecer y es difícil evitar la contaminación sin instalaciones de laboratorio serias”.

“Inoculamos desechos orgánicos con esporas de hongos, luego el hongo digiere el sustrato y se une con pequeños hilos de hifas en una forma homogénea dentro de un molde; cuando se seca suavemente, el micelio se vuelve inerte y nos quedan muebles orgánicos y fuertes que, en última instancia, son compostables”, explicó.

“Hay mucho más por explorar con micelio y tengo la intención de hacerlo”.

También como parte de la renovación, el estudio eliminó el piso de madera existente y la base, que se vendieron localmente y las ganancias se destinaron a organizaciones benéficas.

Luego, el concreto gris debajo se tiñó de un marrón más cálido usando sulfato de hierro, un fertilizante de césped común. Para la cocina y el baño se utilizaron baldosas de corcho con un acabado de cera dura natural. Las paredes y el techo se recubrieron con una pintura a la cal a base de arcilla, minerales y pigmentos naturales.

Según Woodcroft, cada área de la tienda cuenta una historia de exploración y experimentación de materiales.

El espacio ofrece, como dice la marca, “un sentido de procedencia, conexión y reverencia” por los componentes naturales de los productos para el cuidado de la piel en los estantes.

La fundadora de Big Beauty, Lisa Targett Bolding, dijo a Dezeen: “Nina se preocupa profundamente por la sostenibilidad y esa pasión se muestra en cada centímetro de la tienda. No hemos tenido una sola persona que haya entrado sin comentar sobre la energía del espacio, solo para profundizar su obsesión una vez que escuchan la historia detrás de cada pieza, cada fabricante y cada material”.

“Nuestro objetivo es reducir el desperdicio en la industria de la belleza y, para lograrlo, cambiar el comportamiento del consumidor, es necesario inspirar a la gente, no regañarla. Eso es lo que ha conseguido este espacio (y Nina). Estamos haciendo que la sostenibilidad sea sexy y todos se sientan muy bien consigo mismos y comprando con la conciencia tranquila una vez que se sumergen en este espacio”, continuó.

Nina+Co tiene experiencia previa trabajando con materiales antiguos y pioneros como micelio de hongos, algas y bioplásticos . El estudio de diseño trabajó en el acondicionamiento de Silo, un restaurante zero Waste en el suburbio londinense de Hackney Wick, y más recientemente en la tienda de gafas MONC también en la capital británica .

La fotografía es de Anna Batchelor.