La marca suiza On ha abierto su primera tienda en el Reino Unido en Regent Street de Londres , con accesorios de acero y un brazo robótico.
Para su debut en el Reino Unido, On pretendía mostrar la ciencia y la tecnología detrás de sus zapatillas y ropa para correr.
“Nuestro concepto era un museo de ciencia en el que se podía comprar, en el sentido de que una de las principales cosas que queremos compartir es que lo que hacemos está basado en la ciencia”, dijo el jefe de entornos de marca de On, Nicholas Martin.
Es una cultura basada en el desempeño la que está presente en todo lo que hacemos”.
La planta baja de la tienda está definida por tres mesas circulares de acero, que se utilizan para exponer los últimos productos de la marca.
Cada una de las mesas, que se pueden subir y bajar, está rodeada por una pared de acero curva que se puede girar para crear una variedad de diseños dentro de la tienda.
La mesa en la entrada de la tienda también sostiene un brazo robótico que imita la acción de correr para exhibir las zapatillas de correr de On.
“Lo primero que ves es nuestro brazo robótico”, dijo Martin a Dezeen. “Queremos que la gente toque y explore. Entonces de alguna manera puedes ver el movimiento”.
“Y luego también intentamos agregar diferentes capas de narración”, continuó. “Para que puedas comparar los diferentes zapatos”.
El primer piso está definido por un par de gabinetes de acero, descritos por On como una “pared mágica” que recorre toda la longitud de la tienda.
Contiene todos los productos de On en todas las tallas disponibles para que los clientes puedan probarse las zapatillas al instante.
“Nuestro objetivo era revolucionar la forma en que se prueban los zapatos”, dijo Martin. “En nuestras tiendas dejamos que el producto hable por sí solo. Nuestra tecnología es algo que se siente una vez que te pones un producto”.
En contraste con los accesorios de acero, las paredes de la tienda estaban acabadas con arcilla natural procedente de Cornualles, que se aplicó a mano.
En la planta baja y en el espacio para eventos del nivel del sótano, las paredes están pintadas en un tono gris apagado, mientras que en los pisos superiores tienen un acabado en verde.
“Para nosotros, la ingeniería suiza significa amar la tecnología y la naturaleza”, afirma Martin. “La tecnología hace que la tienda luzca elegante, la naturaleza nos ayuda a darle a la tienda un aspecto más imperfecto y cálido”.
“El verde tienda es un guiño al legendario verde de carreras británico: un color culturalmente saturado de movimiento, velocidad e ingeniería”, continuó.
Fundada en 2010, On es conocida por sus zapatillas para correr ligeras. Sus tiendas forman parte de los esfuerzos más amplios de On por desarrollar su marca a nivel internacional.
“Ofrecen un espacio para que nuestros fans, comunidad y nuevos clientes exploren y conozcan la marca”, dijo Martin. “Vemos la tienda como un canal de medios que conecta a nuestros fans con la marca”.
On creó previamente una cabaña de montaña reflectante en los Alpes suizos para marcar el lanzamiento de su primer zapato de senderismo .
Todas las fotografías son cortesía de On, a menos que se indique lo contrario.
La oficina de arquitectura Trewhela Williams ha completado una renovación minimalista de una casa en el norte de Londres , agregando una fachada de madera a medida para animar su elevación que da a la calle.
La casa, que está ubicada en el Área de Conservación del Parque Belsize, originalmente presentaba un garaje en desuso que ocupaba una parte considerable del plano de la planta baja y bloqueaba cualquier conexión con la calle exterior.
Trewhela Williams se incorporó para optimizar la planta baja de la casa y convertir el garaje para proporcionar espacio habitable adicional.
El proyecto se centró en abrir el interior oscuro e insular a las vistas de las tranquilas caballerizas en la parte delantera y un pequeño patio privado en la parte trasera.
Se eliminaron las paredes existentes que rodeaban el garaje para permitir que este espacio se incorporara a una sala de estar de planta abierta que ahora se extiende a lo largo de toda la propiedad.
La antigua puerta del garaje fue reemplazada por una fachada elaborada en roble aceitado de blanco que conserva las proporciones de la antigua puerta pero proporciona un mayor interés visual cuando se ve desde las caballerizas.
“Las puertas de garaje existentes a lo largo de la calle crean una fachada bastante cerrada y vigilada”, dijo Trewhela Williams a Dezeen. “Queríamos crear algo que estuviera visualmente animado y proporcionara una elevación más abierta y atractiva”.
Las aletas de roble en ángulo colocadas frente a la gran ventana funcionan como un brise soleil, permitiendo la entrada de luz natural y proporcionando vistas limitadas de la calle desde el interior mientras se mantiene la privacidad.
Desde la entrada a las caballerizas, las aletas parecen formar un volumen macizo de madera que cubre la ventana. Pero su geometría parece cambiar y volverse más permeable a medida que la gente se acerca a la casa.
La carpintería hecha a medida forma una estructura minimalista que comprende planos, volúmenes y bordes simples que fue influenciada por las esculturas minimalistas de madera del artista estadounidense Donald Judd .
Trewhela Williams especificó una unidad de acristalamiento sin marco con fijaciones ocultas para realzar la simplicidad escultural de la carpintería.
Las ventanas incluyen un mecanismo de falleba que les permite inclinarse para facilitar la ventilación cruzada a través de la casa o abrirse para que las mascotas de la familia puedan salir.
El estudio aplicó una paleta de materiales minimalista centrándose en el tono y la textura para crear un esquema interior minimalista.
Las paredes y los techos están revestidos con un yeso danés de textura sutil que se complementa con el cálido suelo de abeto Douglas y las baldosas de terrazo salpicadas de agregados de mármol.
Una encimera hecha de mármol Mugla blanco turbio se extiende a lo largo de toda la propiedad, desde el vestíbulo de entrada y el área de almacenamiento en la parte delantera hasta la cocina, el comedor y la cómoda parte trasera.
“Si bien el interior es minimalista y muestra rasgos minimalistas en su simplicidad, hay verdadera armonía y belleza en los detalles”, explicó Trewhela Williams.
“Hay muy pocos materiales y detalles dentro de la casa, por lo que cada uno ha sido elegido meticulosamente para armonizar y crear un espacio que se sienta cálido y tranquilo en lugar de ser frío o estéril”.
Un patio existente en la parte trasera de la casa ahora es visible y accesible a través de una abertura ampliada, que ocupa toda la altura y el ancho de la elevación trasera.
Se puede abrir una puerta pivotante mínima para crear una conexión perfecta entre el interior y el patio que también funciona como un patio de luz que atrae la luz natural a los espacios habitables adyacentes.
El patio está pavimentado con baldosas de hormigón de gran formato y está cerrado por paredes cubiertas con yeso de arcilla natural, armonizando con la paleta de texturas del interior.
El patio alberga un banco lineal simple y una maceta cilíndrica, cuyas formas geométricas proporcionan una estructura visual, mientras que un acer solitario añade una explosión de color.
A pesar de estar situada en un área de conservación, el diseño audaz de la nueva fachada fue elogiado por la autoridad de planificación local, que dijo que proporcionaba un precedente positivo para los vecinos que estaban considerando proyectos de conversión similares.
“Fue un gran alivio”, dijo Trewhela Williams. “Muchos proyectos de conversión y ampliación se centran en la parte trasera de la propiedad, pero aquí estábamos trabajando en la parte delantera, por lo que tuvimos que andar con mucho cuidado”.
“Afortunadamente, los planificadores nos apoyaron mucho”, añadió el estudio. “Algunos de los vecinos también nos han contactado para hacer algo similar con sus propiedades, por lo que apreciamos lo que hemos logrado aquí”.
Anteriormente, el estudio creó una extensión de una casa eduardiana en el norte de Londres con una pared de ladrillos que se extiende desde la cocina hasta el jardín.
La diseñadora de muebles con sede en Los Ángeles, Jialun Xiong, completó el interior de su primer restaurante en la ciudad para 19 Town, logrando una apariencia retro-futurista combinando tonos suaves y superficies metálicas .
El restaurante 19 Town , que sirve comida de fusión china, está ubicado en una zona industrial cerca del centro de Los Ángeles.
El nombre es un juego de palabras de una frase en mandarín, que significa un lugar que ofrece comida y vino, según Xiong , quien es originario de Chongqing.
Utilizó una variedad de materiales y sus propios diseños de muebles para darle al espacio una sensación de “lujosa moderación”, mediante la combinación de formas minimalistas y detalles ricos.
“Elaborados con formas rigurosamente minimalistas equilibradas con materiales ricos como yeso veneciano, plata y cuero, los interiores dramáticos del restaurante crean una experiencia gastronómica elevada donde la conexión en torno a la comida ocupa un lugar central”, dijo un comunicado en nombre de Xiong.
El restaurante de 390 metros cuadrados (4200 pies cuadrados) está dividido en cinco áreas, que incluyen el comedor principal, un bar y salón, y tres salones privados.
Cada espacio está diseñado con su propia identidad, incluida la entrada, que cuenta con un mostrador de recepción personalizado de acero inoxidable cepillado y formica.
Detrás, la pared está cubierta con yeso veneciano y los gabinetes de madera contrachapada ofrecen almacenamiento, mientras que una serie de luces colgantes circulares Vibia cuelgan arriba.
Las particiones de bloques de vidrio definen el perímetro del área del comedor principal, que comprende un área central para sentarse con mesas redondas y banquetas personalizadas hechas de acero inoxidable cepillado, cuero verde y vinilo.
“Con vistas a una cocina abierta, el comedor principal evoca un aura de retrofuturismo”, dijo el equipo.
El salón está ubicado a un lado y la barra con mosquitero al otro; ambos continúan el mismo lenguaje de diseño que la sala central, pero con su propio toque.
Xiong utilizó varias piezas de su colección Building Blocks para amueblar estos espacios, como un banco de metal con recubrimiento en polvo plateado con asientos tapizados en cuero blanquecino.
Otros artículos también combinan materiales industriales y naturales, creando un equilibrio entre lo suave y lo duro, lo brillante y lo mate, lo pesado y lo ligero.
Se instala una variedad de diseños de iluminación con elementos en forma de disco, lo que contribuye a la apariencia retrofuturista.
Los espacios de comedor privados están decorados con una paleta monocromática y un enfoque sobrio, en el que el verde proporciona una sutil inyección de color apagado.
El resultado general es una serie de “espacios equilibrados donde el mobiliario, la iluminación y los volúmenes espaciales se consideran juntos como una composición total”.
El minimalismo se ha convertido en una opción de estilo cada vez más popular para los restaurantes chinos, tanto en China como en todo el mundo.
Otros incluyen un restaurante de estofado con gruesas paredes de estuco en Qinhuangdao, un espacio monocromático y silencioso en Ontario y un restaurante con acero inoxidable, latón y policarbonato en Manhattan.
Promoción: el estudio de arquitectura chino Studio8 ha renovado el interior de una villa de la década de 1930 en Hangzhou, China, transformándolo en un restaurante de estofados y un bar de cócteles que celebra la historia del edificio.
El restaurante y bar Gud incluye una terraza en la azotea, comedor en los pisos superiores y bar en la planta baja.
El espacio de 496 metros cuadrados ocupa un edificio de tres plantas construido en 1939, además de una ampliación posterior y la planta baja de una propiedad adyacente.
Aunque la villa había sido objeto de varias renovaciones anteriormente, al diseñar el restaurante Studio8 pretendía mantener las características originales del edificio, incluida la fachada que da a la calle.
Las áreas de servicio, incluida la cocina, el baño y la escalera, están ubicadas en la extensión y el edificio adyacente, dejando todo el espacio de la villa histórica para cenar en el restaurante y el bar de cócteles.
El restaurante Gud se especializa en estofados, lo que llevó a Studio8 a estudiar la cultura de la cocina e introducir aspectos de ella en el diseño interior, creando una “experiencia de museo”.
El diseño del proyecto se basó en tres etapas de elaboración y experiencia de las ollas calientes: el calor del fuego que las cocina, el agua como medio principal de la comida y la elevación del sabor proveniente del vapor.
Studio8 utilizó los temas de “calor, medio y elevación del sabor” para influir en la función, los materiales, las texturas y la luz utilizados en cada espacio.
El bar de cócteles de la planta baja de la villa histórica fue diseñado para ser un espacio animado. Cuenta con un piso rojo, una chimenea, columnas estructurales que exhiben ollas antiguas y sofás de terciopelo rojo.
Parte de la pared de ladrillo original quedó expuesta y un techo con espejos empotrados en el perímetro de la habitación hace que el espacio parezca más grande y lujoso.
“Como primer elemento, el calor es un factor de diseño fundamental en el primer piso, donde las interacciones humanas se planificaron en consecuencia”, dijo Studio8.
“El objetivo era crear un espacio más cálido y acogedor al comienzo de la experiencia del hotpot, donde las personas y amigos se reúnen primero, toman un cóctel y esperan a que todos lleguen”.
En el piso superior se encuentra el comedor principal del restaurante, que cuenta con nichos de ladrillos de vidrio en las paredes donde solían estar las ventanas.
A los lados del comedor, Studio8 abrió el techo para exponer la estructura de madera del techo.
“Después de pasar por la coctelería climatizada, llega el segundo elemento, el agua, el medio que reúne todos los elementos”, dijo Studio8.
“Familiares y amigos se sientan juntos en grupos alrededor de las mesas redondas en el segundo piso para vivir la experiencia gastronómica, un proceso que los arquitectos relacionan con el agua reconstruyendo los átomos de los ingredientes”.
Se eliminó la escalera de madera original del edificio y se agregó una nueva escalera cerrada que conecta los tres niveles del piso en el área del patio.
La escalera tiene mamparas de vidrio en forma de U con doble acristalamiento a lo largo de sus pisos con un “sistema de iluminación para representar la transición continua del flujo de energía”.
Una terraza y un comedor privado se encuentran en el tercer piso de la villa.
“Aquí los clientes se reconectan con la ciudad y pueden mirarla desde diferentes alturas y ángulos, correspondientes al último elemento, el vapor, la elevación del gusto”, dijo Studio8.
“El interior de diseño sencillo muestra la forma geométrica del ático, mientras que los bancos en el techo permiten a los clientes tener una interacción más exclusiva con la ciudad”.
Studio8 está trabajando actualmente en una serie de proyectos de renovación que tienen como objetivo respetar la historia del edificio, incluida la transformación de hoteles y restaurantes.
La fotografía es de Sven Zhang .
Contenido de la asociación
Este artículo fue escrito por Dezeen para Studio8 como parte de una asociación. Obtenga más información sobre el contenido de la asociación Dezeen aquí .
El estudio de arquitectura Snøhetta optó por materiales naturales para el equipamiento de la boutique Holzweiler en Copenhague , incorporando sutiles referencias a la herencia noruega de la marca de moda.
Snøhetta es colaborador de Holzweiler desde hace mucho tiempo y ha diseñado la tienda insignia y la sala de exposición de la compañía en Oslo , así como varias de sus tiendas temporales, decorados de pasarela y su identidad digital.
Para el primer establecimiento internacional de Holzweiler en Copenhague, Snøhetta siguió el concepto de “trazado”, ideando un esquema interior que muestra rastros de las raíces noruegas de la marca junto con la estética minimalista que se encuentra en sus espacios comerciales anteriores.
“Con reminiscencias de un recuerdo o sentimiento que permanece, la idea de ‘huellas’ evoca un sentido emocional de la querida herencia de la marca mientras viaja a una nueva ciudad”, dijo la práctica.
En el centro de la tienda de 100 metros cuadrados hay una escultura alta y hueca de la artista noruega Ingeborg Riseng, a la que los compradores pueden acceder. Sus paredes exteriores onduladas están equipadas con estantes de exhibición y recubiertas con una capa suave de arcilla , mientras que el interior tiene una superficie rugosa y escarpada.
Un pedestal de madera de roble recorre la periferia de la tienda y finalmente se conecta a una partición de madera curva en la parte trasera del plano de planta.
Detrás de la pared se encuentra una zona para cambiarse con cubículos y cortinas creada por el estudio de diseño textil danés Tronhjem Rømer .
La tela está impresa digitalmente con sutiles rayas amarillas y azul pálido, diseñadas para evocar las sombras cambiantes del cielo noruego.
Para contrastar la paleta de materiales mayoritariamente naturales de la tienda, Snøhetta añadió algunos toques finales de estilo industrial, como rieles metálicos para ropa y tiras de iluminación personalizadas, desarrolladas por la marca sueca Ateljé Lyktan .
Tanto los suelos como los techos se conservaron del equipamiento anterior de la tienda.
Otros proyectos recientes de Snøhetta incluyen Bolder Star Lodges, un cuarteto de cabañas de madera con vista a un fiordo en Noruega.
Mientras tanto, en Dinamarca, la práctica empleó técnicas de construcción de barcos para crear un centro comunitario de madera en Esbjerg .
La fotografía es de Magnus Nordstrand, cortesía de Snøhetta y Holzweiler.
La startup estadounidense Recompose ha abierto una funeraria en Seattle diseñada por el estudio de arquitectura Olson Kundig , donde los restos humanos se convierten en abono y se convierten en un suelo rico en nutrientes que puede nutrir nueva vida vegetal.
Ubicada en un almacén reformado en el distrito SoDo de la ciudad, la instalación es una de las primeras en hacer uso de una práctica floreciente conocida como reducción orgánica natural, o compostaje humano, que fue legalizada en el estado de Washington en 2019.
En este caso, el cuerpo del difunto se coloca sobre un lecho de materiales vegetales dentro de un recipiente de acero inoxidable , construido específicamente para acelerar el proceso natural de separación.
En el transcurso de 60 días, sus restos se convierten en un metro cúbico de tierra fértil, suficiente para llenar la caja de una camioneta. Luego, los seres queridos pueden llevarse este abono a casa y utilizarlo para nutrir su jardín, plantar árboles en memoria del difunto o donarlo a un área de conservación local.
El objetivo es ofrecer una alternativa menos contaminante a la cremación o el entierro, que genera enormes emisiones y consume muchos recursos, y en su lugar crear una práctica funeraria significativa que permita a las personas retribuir a la naturaleza.
“Los clientes nos han compartido que la idea de que su persona se convierta en tierra es reconfortante”, dijo a Dezeen la fundadora de Recompose, Katrina Spade.
“Hacer crecer nueva vida a partir de esa tierra es algo profundo y el pequeño ritual de plantar, utilizando tierra creada a partir del cuerpo de un ser querido, es muy tangible”.
Las instalaciones insignia de Recompose de 19,500 pies cuadrados en Seattle tienen capacidad para una serie de 31 recipientes de compostaje cilíndricos, apilados dentro de una estructura de acero hexagonal.
Esta construcción vertical ayuda a conservar el espacio en un intento por superar el problema del uso de la tierra asociado con el entierro tradicional y hacer factible el compostaje humano incluso en áreas urbanas densas.
“Se puede pensar en Recompose como el equivalente urbano al entierro natural: devolvernos a la tierra sin requerir mucho terreno”, dijo Spade, un arquitecto capacitado que desarrolló las vasijas como parte de una residencia en el estudio de Olson Kundig en Seattle .
El edificio en sí fue diseñado en colaboración con el estudio de arquitectura para reimaginar la experiencia de estar en una funeraria, haciendo el proceso más transparente e incorporando elementos de la naturaleza en lugar de iconografía religiosa abierta.
En un espíritu de regeneración, se conservó gran parte de la estructura original del almacén. Los cálidos pisos de madera y una pared con plantas dan vida al vestíbulo central, mientras que se insertan tiras de vidrio verde en las paredes para brindar vislumbres del espacio íntimo de la ceremonia más allá.
Aquí, los seres queridos pueden participar en una “ceremonia de inhumación”, similar a un funeral tradicional.
“El Gathering Space tiene ventanas de vidrio de colores desde el piso hasta el techo que dejan entrar la luz, de manera similar a la forma en que la luz se filtra entre los árboles en un bosque”, dijo el director de diseño de Olson Kundig , Alan Maskin.
“De cierto modo, Recompose es una funeraria al revés. Hay una sugerencia de transparencia y apertura sobre la muerte, incluida la capacidad de ver y comprender todo el proceso, que es muy diferente de la experiencia de una funeraria tradicional”.
Durante la ceremonia, un sencillo atril de madera permite a los dos compartir palabras sobre sus seres queridos mientras el cuerpo del difunto se envuelve en una mortaja de algodón y se presenta sobre una cama de color verde oscuro llamada cuna.
Imitando el ritual de arrojar tierra sobre un ataque, los invitados pueden colocar sobre su persona flores y materiales vegetales, que ayudarán a su transformación en tierra.
La funeraria también cuenta con salas dedicadas para aquellos que desean brindar un cuidado más práctico a sus difuntos antes de la ceremonia, bañando el cuerpo o recitando oraciones y canciones.
Al final del servicio, la cuna se mueve a través de un llamado recipiente umbral incrustado en la pared y hacia el invernadero, donde se unirá a los otros recipientes del conjunto.
“Se puso mucho cuidado al considerar la experiencia del cuerpo”, dijo Maskin. “Incluso hay un poco de poesía inscrita en el interior del recipiente de transición utilizado durante las ceremonias”.
“Ese poema no es para los vivos; sólo es visible dentro del recipiente”.
Cada recipiente del conjunto contiene una mezcla de materiales vegetales desarrollados por Recompose que incluye astillas de madera, paja y una planta parecida al trébol llamada alfalfa, con proporciones adaptadas según el cuerpo y el peso de la persona.
En el transcurso de 30 días, los microbios naturales que se encuentran en las plantas y el cuerpo descompondrán los restos, filtrando los olores desagradables y bombeando aire fresco (ya veces humedad) al recipiente, que gira intermitentemente para acelerar el tratamiento. .
Al final de este proceso, los fragmentos de hueso restantes se trituran con un cremador y los implantes médicos se retiran para reciclarlos.
La tierra restante se coloca en un recipiente de curado para que se seque durante otras dos a seis semanas antes de que amigos o familiares puedan recogerla.
A diferencia de la cremación, este proceso no requiere grandes cantidades de energía ni combustibles fósiles, dice Recomponer, mientras que el contenido de carbono en el cuerpo humano se secuestra en el suelo en lugar de liberarse a la atmósfera.
El proceso también prescinde de las grandes cantidades de productos químicos de embalsamamiento y de materiales con elevadas emisiones, como el acero y el hormigón, que se necesitan para los entierros.
En total, el proceso de “transformar el cuerpo de su ser querido en tierra” ahorra alrededor de una tonelada métrica de emisiones de CO2 por persona en comparación con el entierro o la cremación, afirma Recompose.
Desde 2019, varios estados de EE.UU. UU. han seguido los pasos de Washington y han legalizado la reducción orgánica natural; Nueva York se unió a Colorado, Oregón, Vermont y California el mes pasado.
Esto ocurre a medida que la gente es cada vez más consciente del impacto ambiental oculto de la industria del cuidado de la muerte y avanza hacia prácticas funerarias alternativas, desde la cremación líquida hasta las cápsulas funerarias que crecen hasta convertirse en árboles .
“Los miembros de la generación del baby boom han comenzado a experimentar la muerte de sus padres y creo que muchos se preguntan: ¿eso es lo mejor que podemos hacer?”, dijo Spade.
“Pero lo interesante es que no se trata sólo de personas mayores”, añadió.
“Más del 25 por ciento de nuestros miembros de Precompose [plan de pago anticipado] tienen menos de 49 años. Creo que esto se debe a que la crisis climática también ha influido. La gente se pregunta por qué nuestras prácticas funerarias no se han tenido en cuenta en lo que respeta a nuestras emisiones de carbono. huella”.
Recompose planea expandirse a Colorado en 2023 y California en 2027, mientras que la empresa rival Earth Funeral ha puesto su mirada en Oregón .
La fotografía es de Mat Hayward/Getty Images para Recompose a menos que se indique lo contrario.
El diseñador Keiji Ashizawa utilizó tonos apagados para aprovechar al máximo la luz del sol en este apartamento en el centro de Tokio , que cuenta con piezas de arte y muebles de madera especialmente diseñados para el espacio.
Para la Residencia Hiroo, que lleva el nombre de su ubicación en el barrio Hiroo de la ciudad, Ashizawa quiso resaltar la calidad de la luz del apartamento.
En la cocina y el salón de planta abierta, la luz entra a raudales desde un balcón, y el diseñador aprovechó esta fuente de luz creando una pared recortada para que la luz llegue al pasillo contiguo.
“Creo que se puede ver que aquí tenemos una luz del sol muy agradable”, le dijo a Dezeen durante un recorrido por el apartamento. “Así que no quería usar blanco, ya que sería demasiado brillante; en su lugar, usé tonos apagados y sutiles”.
También quería que Hiroo Residence pareciera un lugar tranquilo al que volver a casa en una ciudad ocupada, utilizando materiales naturales para crear un ambiente tranquilo.
“Por fuera hay mucho ruido pero por dentro es muy silencioso, así que elegí tonos apagados que también se fusionan con los materiales; la madera y la piedra”, dijo Ashizawa.
El tranquilo apartamento de 200 metros cuadrados, con vistas al parque conmemorativo de Arisugawanomiya, tiene tres dormitorios y dos baños, además de una cocina y un comedor, un pequeño espacio de trabajo y muchos espacios de almacenamiento.
Antes de diseñar el interior, Ashizawa cambió el diseño del apartamento para hacerlo más abierto, eliminando un pasillo existente para crear un espacio de comedor más grande.
“Nuestro objetivo era diseñar un espacio que sólo pueda crearse elaborando meticulosamente desde el más mínimo detalle hasta los muebles, dando como resultado una atmósfera tranquila, reconfortante e inspiradora con poco ruido, rodeada de materiales naturales elaborados con tacto”, dijo Ashizawa sobre el diseño.
Trabajó con la empresa japonesa de muebles de madera Karimoku en el proyecto, que es el octavo de su serie Karimoku Case Study , en la que colabora con arquitectos en muebles y proyectos de interiores a medida.
Como resultado, se utilizó madera en toda la Residencia Hiroo, con roble teñido de blanco cubriendo muchos de los pisos.
Ashizawa también trabajó con Karimoku para crear marcos de ventanas y puertas correderas de madera, que se colocaron por todo el apartamento para añadir privacidad sin ocupar demasiado espacio.
Los muebles combinan con los detalles interiores de madera e incluyen dos piezas creadas especialmente para el proyecto: un aparador con listones de madera decorativos y una silla de comedor con asiento tejido inspirado tanto en los diseños de Shaker como en las sillas escandinavas clásicas .
En el dormitorio de Hiroo Residence, los paneles de pared de madera añaden una sensación táctil y más natural, que se refleja en los estantes y cajones incorporados en el vestidor del baño.
Los armarios también se utilizaron para ocultar diferentes funciones en la cocina, donde un gran mueble de madera ocupa toda una pared.
Incluso los detalles más pequeños de la vivienda, como la larga lámpara de la cocina, se fabricaron con este material.
Obras de arte en madera del estudio de arte danés Atelier Plateau y la artista Sara Martinsen , que fueron creadas especialmente para el espacio, decoran las paredes.
Karimoku ha trabajado con Ashizawa en varios proyectos, incluida su segunda sala de exposición que acaba de abrir en Kioto, Japón , y el estudio de caso de la residencia Azabu, donde el diseñador hizo referencia al diseño estadounidense de mediados de siglo .
