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El estudio madrileño Lucas y Hernández-Gil ha completado una casa familiar que aprovecha cada centímetro al máximo, con detalles que incluyen una pared de almacenamiento amarilla, una cocina de pasillo y un armario oculto.

JJ16 es un piso de tres habitaciones en el madrileño barrio de Salamanca, pero hasta hace poco se había utilizado como oficina.

Lucas y Hernández-Gil , especialista en arquitectura de interiores, reconvirtió la propiedad en residencia para una familia formada por una madre, tres hijos adolescentes y su perro.

El desafío no era sólo hacer que volviera a sentirse como un hogar, sino también crear espacio para la personalidad de todos dentro de los 165 metros cuadrados.

Los diseñadores lograron esto combinando estrategias de ahorro de espacio con detalles llamativos, proporcionando funcionalidad y carácter.

“Todos tenían una idea clara de lo que necesitaban, lo que se tradujo directamente en los espacios”, dijeron los fundadores del estudio Cristina Domínguez Lucas y Fernando Hernández-Gil Ruano.

“Lejos de generar un conflicto, los diferentes colores y materiales dan a la casa una riqueza, una heterogeneidad armónica”, dijeron a Dezeen.

Optimizar el diseño de JJ16 fue crucial pero difícil dada la irregularidad del plano.

La estrategia de Lucas y Hernández-Gil fue conseguir que cada espacio, incluidos los pasillos, fuera lo más útil posible.

La cocina ahora ocupa un espacio de conexión entre el vestíbulo de entrada y la sala de estar, liberando espacio en la parte delantera del apartamento para un espacioso dormitorio principal.

Mientras tanto, el pasillo que conduce al baño principal y al tercer dormitorio incorpora una mini biblioteca y un área de servicios públicos.

“El principal desafío fue la profunda distribución y el largo pasillo”, dijeron los arquitectos.

“Damos contenido a la circulación creando espacios dentro de él. Esta resultó ser una de las mejores decisiones de diseño del proyecto”.

Las particiones curvas crean variedad dentro del diseño de JJ16. El más grande de ellos separa la sala de estar del dormitorio principal, pero se pueden encontrar otras curvas en el segundo dormitorio y en el baño con ducha.

Muchos espacios tienen sus propios colores, que contrastan con los tonos blancos brillantes que normalmente dominan el interior.

La pared de la estantería de color amarillo brillante es la más llamativa, mientras que la cocina adyacente ofrece un efecto de dos tonos con tonos de rosa suave y gris, y acabados en cromo mate.

Las habitaciones tienen una sensación minimalista, pero cuentan con coloridos vestidores y baños. Se eligió el naranja brillante para el vestidor oculto, ubicado en el tercer dormitorio con camas gemelas, mientras que el morado intenso agrega una sensación de lujo en el dormitorio principal.

Las superficies del piso brindan más interés visual. Los espacios habitables cuentan con parquet de roble, mientras que los baños están acabados con baldosas de cemento estampadas.

Este enfoque audaz del color y la textura es una característica común en el trabajo de Lucas y Hernández-Gil, cuyos otros proyectos recientes incluyen el bar Naked and Famous inspirado en la puesta de sol y la elegante Casa A12 .

“El acercamiento al color es una constante en nuestro proceso de diseño”, dijeron Lucas y Hernández-Gil Ruano.

“Se trata de activar espacios y lograr un ambiente doméstico cálido y alegre”.

La fotografía es de José Hevia .

Créditos del proyecto

Arquitectura: Lucas y Hernández-Gil
Colaboradores: Lucía Balboa, María Domínguez, Sara Urriza

Klein Dytham Architecture ha tenido como objetivo contrarrestar el esnobismo de la música rock con su diseño para la tienda insignia de la marca de guitarras Fender en Tokio , cuyo objetivo es dar la bienvenida a las personas que podrían sentirse juzgadas en otras tiendas de guitarras.

La tienda Fender se encuentra en los cuatro pisos inferiores del edificio Ice Cubes con paredes de vidrio, un espacio de 12.000 metros cuadrados en el vecindario de Harajuku que anteriormente albergaba una tienda HM.

Es la primera tienda insignia del mundo de la marca estadounidense de 77 años de antigüedad, uno de los nombres más reconocibles en el mundo de las guitarras y es especialmente conocido por modelos eléctricos como la Stratocaster.

Para el proyecto, Fender pidió a Klein Dytham Architecture que creara un espacio que contrarrestara la percepción de que las tiendas de guitarras son intimidantes, especialmente para las mujeres y los guitarristas más nuevos.

Esperaba que la tienda ofreciera una experiencia minorista sofisticada e inmersiva que fomentara la navegación pausada y comunicara la herencia de la marca.

Klein Dytham Architecture respondió al encargo con un diseño de tienda que considera que crea “un destino de descubrimiento”, con exhibiciones en una galería, un espacio para eventos, una cafetería y un “bar de cuidados” para reparaciones.

El primer piso alberga el área de exploración principal, que cuenta con bancos de madera ondulados y expositores que pretenden reflejar las curvas y los materiales de una guitarra Fender. Estos contornos se imitan aún más en la iluminación de arriba.

El área también cuenta con mesas personalizadas con forma de púa donde el personal puede colocar las guitarras que han retirado del exhibidor para mostrárselas a los clientes. Entre las guitarras se encuentran percheros que sostienen la colección de ropa urbana F is for Fender.

El segundo piso, realizado en una suave paleta de grises, es principalmente un espacio de exposición llamado Galería de Artistas.

Aquí, fotografías y vídeos a gran escala muestran a músicos famosos en acción, cada uno junto a una vitrina transparente que alberga su Fender preferido.

También hay exhibiciones dedicadas a Fender de diseño japonés y estadounidense respectivamente, y una sala de amplificadores insonorizada donde los clientes pueden probar guitarras y amplificadores.

En el tercer piso, más oscuro y melancólico, otro espacio de exposición, la Master Builders Gallery, se centra en el trabajo de artesanos específicos, mientras que dos salas VIP y una tienda personalizada están amuebladas con cómodos sofás y brindan un escenario para discutir construcciones a medida.

También en este piso hay una colorida exhibición de 400 muestras de acabados de guitarra que ocupa toda una pared.

El último piso es el sótano, que alberga un espacio para eventos, una cafetería y el bar Fender, y donde Klein Dytham Architecture se esforzó por crear una sensación más acogedora con una alfombra y bancos en forma de púa.

Uniendo los pisos hay una escalera de caracol con una galería de fotos estilo salón de la fama en el interior, así como una pantalla LED vertical de tres pisos de altura en la fachada de vidrio exterior que se usará para contenido relacionado con Fender.

“Concebido como un centro y una casa club para todo lo relacionado con Fender, este proyecto lleva la noción de una tienda insignia y un comercio minorista experiencial más allá del siguiente nivel”, dijo a Dezeen el cofundador de Klein Dytham Architecture, Mark Dytham.

Dytham comenzó la práctica con su colega graduada del Royal College of Art, Astrid Klein, en Tokio en 1991. Algunos de sus trabajos recientes incluyen la casa club PokoPoko para el hotel Risonare Nasu en el Japón rural y una tienda Cartier con una intrincada fachada de madera en Osaka.

Fotografía de Nacása Partners .

El estudio de arquitectura Bindloss Dawes ha reorganizado una casa en Chelsea, añadiendo un patio de luces de altura completa con una espectacular escalera de roble y acero para forjar “una sensación de volumen y teatro”.

Inicialmente, el cliente encargó a Bindloss Dawes crear simplemente una cocina y una sala de estar más espaciosas en la planta baja de esta propiedad típica de Londres y mejorar su relación con el jardín.

Pero a medida que avanzaba el proyecto, se pidió al estudio que ampliara su cometido a toda la residencia para crear un esquema más holístico.

“Chelsea Mews House destaca que no siempre se necesitan grandes espacios”, dijo Bindloss Dawes a Dezeen. “Se trata de crear algo pragmático y hermoso que los clientes atesoren”.

“Esta es una pequeña casa adosada y la hemos elevado incorporando luz natural y dándole una sensación de volumen y teatro”.

Como parte de la renovación, Bindloss Dawes actualizó la casa de tres pisos de un diseño oscuro y estrecho de dos dormitorios a un diseño simplificado de un dormitorio, aprovechando al máximo el incómodo plano trapezoidal con sus paredes y uniones angulares.

Trabajando dentro de las limitaciones de planificación de un área de conservación en el Royal Borough de Kensington y Chelsea, Bindloss Dawes bajó el nivel de la planta baja para crear un espacio más impresionante.

“Excavar 50 centímetros abrió la oportunidad de crear nuevos volúmenes, lo que en un espacio reducido contribuye en gran medida a mejorar la calidad espacial”, dijo el estudio.

Esta amplitud recién creada en el nivel inferior se acentúa con la adición de un patio de luz que atraviesa los tres pisos de la casa, conectándolos a través de una escalera personalizada mientras atrae la luz del sol hacia el sótano.

“La configuración anterior no le hizo ningún favor a la casa”, dijo Bindloss Dawes. “Tiene huesos maravillosos que hemos celebrado abriéndonos y creando un vacío, que atrae la luz directamente a las profundidades del espacio”.

Mientras tanto, una sutil extensión de vidrio se proyecta aproximadamente 50 centímetros más allá de la fachada trasera hacia el jardín para aumentar la sensación de luz y espacio sin alterar significativamente el exterior.

Según Bindloss Dawes, una paleta de materiales bien pensada y sobria fue crucial para el éxito del proyecto.

“Al abrazar la simplicidad, maximizar la luz y el espacio y emplear una cuidadosa selección de materiales, hemos creado una casa que equilibra la funcionalidad con la elegancia”, dijo el estudio.

Se utilizó yeso pulido veneciano con acabado Marmorino de Calfe Crimmings en las paredes de toda la casa, creando una sensación de tacto.

El hormigón expresado aporta un elemento de conexión a tierra al nivel del sótano, con zócalos de hormigón que se extienden perfectamente hasta los escalones que conducen al jardín del patio.

También se utilizó hormigón para formar el primer tramo de la nueva escalera de tres pisos, mientras que los niveles superiores están acabados en roble europeo a juego con la barandilla.

Los balaustres de acero fueron pintados en el mismo blanco con base gris de Farrow Ball que también se utilizó en la carpintería y los techos de toda la casa.

Para eliminar las interrupciones visuales del patio de luz, se incorporaron estratégicamente puertas corredizas al nivel del dormitorio.

“El proyecto ejemplifica cómo un diseño muy detallado pero simple puede funcionar con gran efecto dentro de espacios reducidos de la ciudad”, dijo Bindloss Dawes.

El propietario, un talentoso artesano y metalúrgico, diseñó y creó personalmente los accesorios de iluminación, añadiendo un toque personal a la casa.

Los proyectos anteriores de Bindloss Dawes, fundada por Oliver Bindloss y George Dawes en 2018, incluyen un granero de madera para un coleccionista de Porsche clásicos .

El estudio tiene su sede en Bruton, un pueblo de Somerset que ha atraído a una multitud cada vez más metropolitana en los últimos años después de que la galería de arte contemporáneo Hauser Wirth abriera un puesto de avanzada en el área en 2014.

La fotografía es de Building Narratives .

Diseñadores como Bethan Laura Wood y Maarten Baas han contribuido con una gama de sillas e iluminación “a veces discordantes” para una exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco .

Llamada Piezas de conversación: muebles contemporáneos en diálogo, la exposición en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) presenta 45 piezas de mobiliario y decoración “que priorizan el significado y la elección de materiales sobre la función y la practicidad”.

“Las obras expuestas son a veces discordantes, a menudo audaces y siempre inician conversación”, dijo el museo.

Extraídas íntegramente de la colección SFMOMA, algunas de las piezas fueron elegidas únicamente por su apariencia alternativa, como un sillón de cuero y plástico de otro mundo del diseñador surcoreano Jay Sae Jung Oh .

Se seleccionaron otros muebles por sus comentarios sobre cuestiones sociales. Por ejemplo, una pieza del arquitecto estadounidense Germane Barnes es una silla de porche rematada con un respaldo de gran tamaño con forma de peine de madera fresada.

Llamada Uneasy Lies the Head that Wears the Crown, la pieza fue descrita por Barnes como una representación del cabello negro, destinada a resaltar cómo el cabello negro “a menudo es vigilado y mal visto en lugar de celebrado como debería [ser]”.

También participaron en la exposición el diseñador holandés Baas y el arquitecto italiano Gaetano Pesce.

Baas creó una silla azul brillante cubierta con arcilla, mientras que Pesce aportó una silla de tela y resina de aspecto orgánico llamada Seaweed, que se asemeja a grupos de algas enredadas.

Una serie de diseños de iluminación acompañaron el mobiliario. La diseñadora británica Bethan Laura Wood creó una lámpara de araña delgada de vidrio y metal llamada Criss Cross Kite.

“Una lámpara de araña suele ser una luz central muy elegante”, dijo Wood, reflexionando sobre su trabajo.

“Definitivamente quiero jugar con esta idea de fantasía dentro del objeto”.

También se exhibió la lámpara de cerámica Unique Girl de la diseñadora estadounidense Katie Stout . La pieza de iluminación se caracteriza por una figura abstracta que, según el diseñador, pretende ser un comentario sobre la domesticidad y la feminidad.

Todos los muebles de la exposición estaban dispuestos sobre una alfombra de color rojo intenso intercalada con espacios de forma amorfa para formar un camino serpenteante.

Los libros de los diseñadores expuestos, así como los textos que informan su trabajo, se amontonaron en el suelo junto a sus respectivos muebles.

“Para los diseñadores que aún no tenían un libro sobre su práctica, envolvimos un libro grande en papel negro para señalar [la idea de] ‘un libro o una beca faltante'”, dijo la curadora del SFMOMA, Jennifer Dunlop Fletcher.

“Descubrimos que la mayoría de los libros que faltaban eran para diseñadoras”, añadió.

“Conversation Pieces, que genera diálogo en toda la galería, presenta sillas y lámparas que sorprenden y atraen la atención sin pedir disculpas”, dijo SFMOMA.

El año pasado, el museo de San Francisco presentó una exposición del trabajo del arquitecto Neri Oxman , mientras que recientemente se convirtió en el primer museo en adquirir un módulo de la torre cápsula japonesa Nakagin.

Piezas de conversación: muebles contemporáneos en diálogo se exhibió en el SFMOMA del 20 de agosto de 2022 al 25 de junio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

Las imágenes son cortesía de SFMOMA.

El estudio de diseño de interiores Hauvette Madani ha convertido una suntuosa cocina de color rojo vino en el centro de este apartamento neutral en París .

El apartamento Republique está ubicado en un edificio típico de la época Haussmann en el distrito 11 de la capital francesa y pertenece a una familia con dos hijos.

Desde el principio de la renovación , los clientes pidieron que la casa orbitara alrededor de una cocina atmosférica “espectacular”.

Hauvette Madani respondió utilizando una combinación de colores llamativa, haciendo que todos los gabinetes de linóleo de la cocina y su isla de desayuno curvada tengan un color rojo vino. El mismo tono también se aplicó al techo pero en laca brillante.

“Queríamos un color oscuro pero alegre y terminamos decidiéndonos por este rojo sustancial”, dijeron a Dezeen los fundadores Samantha Hauvette y Lucas Madani. “También nos encanta el hecho de que la excentricidad [del color] combine con el resto del tranquilo y suave apartamento”.

También se introdujeron en el espacio elementos decorativos brillantes, como un salpicadero de espejo envejecido y una luz de latón, y una columna de soporte se envolvió en acero inoxidable.

El piso de madera original de la habitación se recubrió con travertino y baldosas de mármol Emperador.

Una puerta con marco de travertino da a la sala de estar adyacente, donde las paredes fueron pintadas de color beige avena, a juego con un sofá de terciopelo con forma de frijol de la marca francesa Pierre Augustin Rose .

También se utilizaron un par de mesas de centro de roble con bordes retorcidos y una edición en color terracota de la silla Ribbon del diseñador francés Pierre Paulin para vestir el espacio.

El comedor de al lado está centrado por una mesa ovalada de travertino, alrededor de la cual se han dispuesto asientos de cuero con estructura de acero. En la parte trasera de la habitación hay una cómoda alta y blanca con nichos revestidos de roble donde se pueden exhibir adornos u obras de arte.

Una lámpara de araña de cristal de Murano cuelga del techo, donde se conservaron cuidadosamente las molduras ornamentadas.

En el proyecto también Hauvette Madani renovó el dormitorio de los padres, que ahora cuenta con iluminación al estilo de los años 30 y una cabecera de roble hecha a medida. Esto rodea la parte trasera de la habitación y tiene cortes arqueados que se adaptan a las mesitas de noche.

En el baño privado también se instalaron un tocador de madera de nogal y un espejo italiano antiguo.

A menudo considerada el corazón del hogar, la cocina es el lugar donde los arquitectos y diseñadores disfrutan jugando con el color.

Otros ejemplos incluyen la cocina dentro de Plaster Fun House de Sans-Arc Studio , donde una isla de desayuno de terrazo rosa contrasta con los gabinetes de color azul huevo de pato.

Y la cocina de este apartamento belga de Carmine Van Der Linden y Thomas Geldof cuenta con armarios de madera de abedul teñidos de un tono verde turbio.

La fotografía es de Yannick Labrousse .

El diseñador neoyorquino Michael Groth colaboró ​​con una cooperativa de artesanos marroquíes para crear los tapices de las paredes de este bar y restaurante propiedad de los trabajadores en West Village .

La apertura de la nueva ubicación de Donna en Cornelia Street sigue al cierre de su local en Williamsburg en diciembre de 2020 como resultado de la pandemia de coronavirus.

El restaurante y bar, que sirve un menú panlatino con influencias mediterráneas y cócteles de inspiración filipina, ahora es una cooperativa propiedad de trabajadores, con el propietario original, Leif Young Huckman, actuando como asesor.

Para reflejar este cambio, Groth , con sede en Brooklyn, pretendía imbuir el diseño del nuevo puesto de avanzada con referencias a la ubicación anterior y al mismo tiempo hacer un guiño al modelo de negocio revisado de Donna.

Obtuvo influencias de los movimientos artísticos constructivistas de América Latina del siglo XX y, en particular, del trabajo de los artistas Sandu Darie , Pedro Álvarez y Lygia Clark .

Donna está decorada con yeso encalado en tonos tierra, aplicado a las paredes con patrones geométricos que hacen eco de la identidad visual de la marca.

Los ladrillos expuestos están pintados de blanco, formando un fondo liso para los tapices circulares de lana que Groth creó en colaboración con la cooperativa de artesanos marroquí The Anou .

Según Groth, estos ayudan a amortiguar la acústica, mientras que el yeso de cal ayuda a regular la humedad.

Las mesas están hechas de pisos de abeto Douglas recuperados y se utilizó madera contrachapada teñida para construir los asientos tipo banqueta que envuelven el perímetro.

Los estantes y los pisos de la barra fueron reutilizados por el inquilino anterior de la unidad, mientras que las tapas de las barras fueron fabricadas por Brooklyn Stone and Tile , otra cooperativa propiedad de los trabajadores.

“El uso de materiales nuevos se limitó a aquellos que son naturales y biodegradables, teniendo en cuenta los efectos holísticos de la extracción de recursos, la salud y la equidad humanas y los ciclos circulares de los materiales”, dijo el equipo de Donna.

Las luces colgantes encima de la barra tienen pantallas hechas de micelio de hongo , lo que según el equipo presenta “un enfoque ambientalmente holístico para la creación de materiales que refleja poéticamente el modelo de negocio equitativo de Donna”.

El panorama gastronómico de la ciudad de Nueva York se vio alterado durante la pandemia, y muchos establecimientos de comida y bebida se vieron obligados a adaptarse o cerrar.

Como resultado, surgieron refugios para cenar en las aceras por toda la ciudad, como lo documentan estas fotografías de John Tymkiw .

La fotografía es de Nicolás Ruiz.