Yinka Ilori impregna el bar Courvoisier de la belleza natural de la región de Cognac
Un dosel ondulado emerge como una fuente de esta barra de coñac emergente dentro de Selfridges en Londres , diseñada por la diseñadora local Yinka Ilori para imitar las brillantes aguas del río Charente en la región francesa de Cognac.
El bar pertenece a la marca de coñac Courvoisier y fue diseñado para capturar su ciudad natal de Jarnac y la región circundante, donde el brandy de coñac se elabora con uvas blancas de uno de los seis “crus” o áreas designadas.
Ilori quería llevar este entorno bucólico a los grandes almacenes Selfridges de Londres, usándolo para informar los colores y patrones que aparecen en todo el espacio.
“Mi objetivo era capturar la esencia de Jarnac: la calidez del sol, las ondas del agua, las hermosas flores silvestres y la belleza natural de los alrededores”, dijo a Dezeen.
“El diseño rinde homenaje a la magia y la naturaleza de Jarnac, creando un espacio que encarna su espíritu”.
La ubicación de la ciudad a orillas del río Charente es la influencia más destacada, que se ve en los suelos de color azul pálido, el patrón sinuoso y ondulado de las paredes y, lo más importante, en el propio bar.
Aquí, un mostrador circular estaba rematado con un dosel azul ondulado que parece brotar de un pilar central, con el mismo patrón continuando hasta la base.
“Quería que la gente se sintiera rodeada de agua, que fluyera tanto por encima como por debajo de ellos, creando una sensación de inmersión y tranquilidad”, dijo Ilori.
“El diseño del dosel pretende hacer referencia al flujo natural del agua, haciendo que los visitantes se sientan como si estuvieran en medio de un río sereno”.
La encimera festoneada de la barra retoma la forma sinuosa de las olas pero proporciona un contraste colorido gracias a su acabado lacado en rojo.
Otra característica recurrente en todo el espacio es una forma de flor de dibujos animados que hace un guiño a los campos de flores silvestres de Jarnac y se encuentra en los puestos de bebidas y los bancos tapizados en la zona de asientos.
Para crear una conexión visual entre las olas azules y las flores de color ranúnculo, Ilori incorporó un degradado de atardecer que se desvanece del amarillo al lila suave y envuelve varios expositores cilíndricos, así como la base de la barra.
“Me llamaron la atención los gradientes del cielo en Jarnac y quise capturar esta imagen única”, dijo Ilori.
Estos tres motivos repetidos, que abarcan la tierra, el cielo y el agua, también aparecen en el diseño de la botella de edición limitada que Ilori creó para el coñac Very Superior Old Pale (VSOP) de Courvoisier.
Las botellas están disponibles en cuatro colores diferentes y se exhiben en todo el bar, que permanecerá abierto durante tres semanas, hasta el 11 de septiembre.
El proyecto forma parte de la colaboración continua de Ilori con Courvoisier como “embajador de la alegría” de la marca.
El año pasado, el diseñador creó un comedor inmersivo para Courvoisier en Nueva York , diseñado para transportar a los comensales a una interpretación surrealista de Jarnac.
El colorido trabajo de Ilori a menudo se considera parte del movimiento New London Fabulous e incluye un colorido parque de patinaje en Lille y el pabellón The Color Palace en el Festival de Arquitectura de Londres .
Una variedad de muebles monolíticos dirigen el flujo de movimiento alrededor de esta boutique de moda en Chicago, diseñada por el estudio surcoreano WGNB .
El espacio para la marca de estilo de vida SVRN tiene como objetivo resaltar los productos a la venta como obras de arte e ideas, en lugar de simplemente como prendas.
“El diseño espacial de la tienda SVRN comenzó con nuestra interpretación de la identidad y narrativa de la marca SVRN a través de la perspectiva oriental”, dijo WGNB .
“Mientras que la perspectiva occidental mira el objeto en sí, la perspectiva oriental se centra más bien en la relación circundante del objeto”.
La tienda de 390 metros cuadrados (4200 pies cuadrados) en North Aberdeen Street, en el área de Fulton Market, está dividida en dos secciones: la planta de ventas principal y una trastienda, que están conectadas por un pasillo estrecho.
Una selección de materiales monocromática y discreta crea una atmósfera serena en ambos espacios, mientras que los elementos arquitectónicos dictan caminos decididos que los conectan.
Barandillas negras atraviesan las paredes, perforando particiones verticales curvas y planas hechas de materiales que incluyen hormigón, acero y termomadera teñida de negro.
Los bancos curvos que actúan como accesorios y asientos se equilibran sobre grandes piedras de forma irregular.
En conjunto, todos estos elementos sugieren múltiples rutas serpenteantes que los clientes pueden seguir a través de la tienda.
En la trastienda, la curvatura de los bancos se corresponde con una abertura circular en el techo de acero inoxidable cepillado, mientras que una zona redonda de alfombra se asienta en el suelo.
El acero laminado en caliente continúa a lo largo de tres paredes, creando una sensación de ciencia ficción en ciertas áreas de la habitación.
Se utilizan pinturas de yeso de microcemento para contrastar el metal, añadiendo una textura más rugosa a las superficies lisas.
“En general, el uso de los materiales son manifestaciones de la identidad y las narrativas de la marca SVRN”, dijo WGNB.
La cuarta pared en el espacio trasero está reservada para exhibir zapatos, que se ubican en estantes de alturas desiguales que se recortan contra la luz de fondo.
“La distribución espacial de la tienda considera la corriente que la circulación del cliente crea en el espacio con los objetos y la apertura”, dijo el estudio.
“Y la tensión visual la crea el cambio constante de vista de los clientes mientras navegan por la tienda”.
Se pueden encontrar boutiques de moda minimalistas en todo el mundo, y muchas marcas optan por un interior simple y minimalista para permitir que los productos brillen.
Los ejemplos recientemente completados incluyen la tienda Holzweiler de Snøhetta en Copenhague y una tienda de Jonathan Simkhai en el SoHo de Nueva York de Aruliden.
WGNB, que ganó el premio Dezeen al Diseñador de Interiores Emergente del Año 2021, también creó interiores monocromáticos para la tienda insignia de la marca de moda Juun.J y una tienda de suministros de golf , ambas en Seúl.
La fotografía es de Yongjoon Choi .
Créditos del proyecto:
Construcción/contratista general: Helios Construction Services
El estudio de arquitectura Worrell Yeung ha renovado un edificio histórico de hierro fundido en Soho para una organización artística llamada Canal Projects, que alberga exposiciones “en un espacio inconfundiblemente neoyorquino”.
Ubicado entre Soho y Tribeca, este hito de cinco pisos fue construido en 1900 como un centro de fabricación, presentando una fachada blanca decorativa, ventanas de guillotina y una escalera de incendios externa, todo típico del vecindario.
Worrell Yeung renovó los niveles de la calle y el sótano para crear un hogar para Canal Projects , una organización artística sin fines de lucro que alberga exposiciones, charlas, actuaciones, lecturas y proyecciones para la comunidad.
El estudio tuvo cuidado de conservar la mayor cantidad posible del carácter del edificio, resaltando las características existentes como la mampostería original y los radiadores de vapor, y restaurándolos cuando fuera necesario.
Los visitantes llegan a través de un nuevo umbral de entrada en Canal Street, donde paneles de bronce patinado se alinean en las altas paredes en un espacio destinado a ofrecer un momento de pausa.
Subiendo un corto tramo de escaleras se encuentra el espacio de la galería principal: una sala grande, abierta y flexible que se puede programar de acuerdo con las necesidades de la organización.
“Diseñamos los cimientos para que fueran una serie de espacios que se comprimirían y expandirían, colapsarían y desplegarían y se moverían entre la oscuridad y la luz”, dijo el cofundador de Worrell Yeung, Jejon Yeung.
Rodeada por 14 grandes ventanas en dos lados y con techos de más de 13 pies (cuatro metros) de altura, esta habitación es espaciosa y llena de luz.
Los nuevos pisos de roble blanco complementan los detalles industriales, incluidas cinco columnas de hierro fundido y cinco columnas de acero con alas anchas que fueron expuestas y restauradas.
“De manera similar a brindarles a los artistas una plataforma distintiva, queríamos que los espectadores experimentaran el arte en un espacio inconfundiblemente de la ciudad de Nueva York”, dijo Max Worrell, el otro cofundador de Worrell Yeung.
“Los transeúntes podrán vislumbrar exposiciones desde la calle a través de las ventanas a lo largo de las calles Canal y Wooster, y los visitantes del interior podrán ver obras de arte con el contexto de la ciudad visible en el fondo”, dijo Worrell.
También en la planta baja hay oficinas privadas para los curadores y un baño público de color naranja brillante.
Junto a un mostrador de recepción independiente del artista Zachary Tuabe, una escalera conduce al nivel del sótano, que tiene una superficie ocupable mucho más pequeña.
Más oscuro y cerrado, el espacio del sótano presenta ladrillos originales, mampostería y vigas de madera en el techo, y ofrece un espacio de exhibición muy diferente que es adecuado para proyecciones de películas.
La luz de las rejas de acero de la acero ilumina un extremo del espacio, donde se crea un área de biblioteca mediante estantes del piso al techo que giran según sea necesario.
Un área de despensa está escondida en un nicho detrás de un conjunto de puertas de establo y está completamente coloreada en naranja brillante para combinar con el baño de arriba.
“Queríamos que los artistas se enfrentaran a un lugar que proporcionara suficiente neutralidad para su trabajo, pero que también fuera claramente inseparable del Soho Cast Iron District”, dijo Yeung.
“Esta es una tipología de edificio único en la ciudad de Nueva York y un contexto rico en capas dentro del cual exhibir”.
Canal Projects se abrió al público en septiembre de 2022, con una exposición titulada Pray organizada por la directora artística y curadora principal Summer Guthery.
La muestra cuenta con obras del artista Korakrit Arunanondchai , radicado en Bangkok y Nueva York, y del artista y cineasta estadounidense Alex Gvojic .
Worrell Yeung se fundó en 2015 y ha trabajado en una variedad de proyectos en Nueva York y sus alrededores.
El estudio construyó recientemente una casa en el lago revestida de madera con techos voladizos en Connecticut, mientras que los esfuerzos anteriores han incluido una renovación en Hamptons , un apartamento tipo loft en Chelsea y el ático en el edificio Dumbo Clocktower .
La fotografía es de Naho Kubota .
Créditos del proyecto:
Arquitectura y diseño de interiores: Worrell Yeung Equipo de proyecto de Worrell Yeung: Max Worrell, fundador y director; Jejon Yeung, fundador y director; Beatriz de Uña Bóveda, gerente de proyecto; Yunchao Le, diseñador del proyecto Ingeniero estructural: Silman (Geoff Smith, Nick Lancellotti) Diseñador de iluminación: Lighting Workshop (Doug Russell, Steven Espinoza) Ingeniero eurodiputado: Jack Green Associates (Larry Green) Expedidor/consultor de códigos: Anzalone Architecture (James Anzalone) Contratista: Hugo Construcción (Hugo Cheng, Kong Leong)
La artista de visualización Charlotte Taylor habla por primera vez en esta entrevista de cómo está traduciendo su trabajo de diseño digital en proyectos de arquitectura construida .
Taylor es la fundadora del estudio de diseño 3D Maison de Sable , donde colabora con otros diseñadores 3D en representaciones de interiores y edificios imaginarios y fantásticos.
Recientemente, los diseños de Taylor se han vuelto menos impulsados por la fantasía y más cercanos a espacios reales, y algunos de ellos se construirán como proyectos de arquitectura física.
“A largo plazo, me gustaría dedicarme más a la arquitectura”, dijo Taylor a Dezeen.
Al no haber seguido una formación formal en arquitectura, el diseñador cree que debería haber caminos más no tradicionales para diseñar edificios.
“No me formé en arquitectura en absoluto”, dijo. “Creo que sería fantástico si hubiera más entradas en arquitectura porque es una carrera muy difícil de abordar”.
“Me gustaría pensar que hay esperanza de que se pueda construir espacios físicos a través de medios no convencionales”.
Uno de los diseños de Taylor que se construirá es la Casa Atibaia , una casa que fue concebida originalmente como un proyecto imaginario en colaboración con el diseñador Nicholas Préaud .
El dúo imaginó la casa situada junto al río Atibaia en São Paulo , creando un modelo digital de parte de la orilla del río basado en información de Google Maps.
A partir de esto, Taylor y Préaud diseñaron una casa de fantasía de concreto y vidrio levantada sobre enormes rocas, cuyo interior aparece en la portada del primer libro de Taylor, Design Dreams , publicado el mes pasado.
Aunque originalmente no estaba previsto construir el proyecto, Taylor ahora está en el proceso de encontrar un terreno adecuado para actualizar el diseño.
Taylor también ha colaborado con el diseñador arquitectónico Andrew Trotter en una casa en Utah, que forma parte del diseño más amplio de Trotter para un hotel y centro de retiro llamado Paréa .
La casa, que actualmente está en construcción, fue diseñada para integrarse en el paisaje desértico con grandes tramos de acristalamiento y paredes acabadas en yeso de cal.
Según Taylor, sus diseños ficticios han recibido una respuesta mixta por parte de los arquitectos, y algunos dicen que “en el mundo real, no funciona así”.
Pero para Taylor, no tener un título en arquitectura y explorar el diseño espacial digitalmente sin estar limitado por los requisitos de iluminación, ruido, seguridad y presupuesto le permite tener más creatividad.
“Para mí actúa como una especie de campo de juego creativo en el que puedo probar todos estos conceptos y ver cómo funcionan visualmente”, dijo Taylor.
“Luego, al llevar eso al mundo físico y trabajar con ingenieros y arquitectos, se reduce”.
“Creo que no tener educación en arquitectura te hace encontrar diferentes soluciones o ideas para llevar al mundo real que no habrían surgido simplemente diseñando un espacio real”, agregó.
La diseñadora mencionó que su ícono del diseño, Carlo Scarpa, tampoco llegó a ser arquitecto autorizado.
“Mi ícono, Carlo Scarpa, nunca obtuvo su calificación completa, por lo que hay pequeñas historias que me inspiran, pero el pensamiento general es bastante rígido: esta entrada en particular está un poco mal vista por lo que he experimentado”, dijo Taylor.
Después de haber aprendido la mayor parte de sus habilidades de diseño experimentando con el diseño digital y colaborando con otros diseñadores, Taylor se describe a sí misma como “autoestudiante” y anima a otros diseñadores a crear trabajos que consideren que mejor los represente.
“Esfuércese por crear una cartera que le entusiasme y le represente al máximo”, afirmó Taylor.
“Aprendí creando un portafolio y trabajando con diseñadores y arquitectos 3D; es una tarea que requiere mucha investigación”.
El libro Design Dreams de Taylor presenta diseños en 3D de edificios e interiores creados por ella y otros artistas.
La selección incluye entornos de fantasía, así como representaciones de interiores que parecen espacios reales y tangibles.
“[El libro] se convirtió en un espacio en el que compartir mis proyectos personales, los artistas con los que trabajo y los trabajos que admiro en el campo de los interiores y la arquitectura”, dijo Taylor.
Aunque la mayoría de las imágenes ya se comparten ampliamente en línea, al recopilarlas todas en un solo volumen, Taylor espera que los lectores disfruten perderse en el formato impreso.
“De la misma manera que la página de Instagram actúa donde la gente va a perderse en las imágenes, tenerla en un formato físico significa que puedes dedicar más tiempo a los detalles que en la pantalla de un teléfono”, dijo.
“Tomar algo digital que no existe en el mundo físico y imprimirlo fue muy importante para mí, verlo de esa manera”, añadió el diseñador.
Aunque trabajan en el ámbito digital, Taylor sostiene que los creadores visuales en 3D desempeñan un papel en las tendencias del diseño de interiores.
“Las tendencias artísticas que ocurren en 3D se abren paso gradualmente en los espacios interiores, y es realmente interesante ver el efecto Pinterest”, dijo.
“A la gente le encanta coleccionar imágenes y crear su moodboard ideal con ellas, y estos espacios realmente contribuyen a eso. La gente está construyendo sus propias ideas y haciendo que la arquitectura y los interiores sean más accesibles en lugar de algo muy profesional”.
En sus propios diseños visuales de interiores, Taylor incluye elementos de su hogar real para hacer que los espacios parezcan más identificables que las representaciones arquitectónicas tradicionales.
“Todo depende de la construcción de las imágenes, tienen ese tipo de iluminación y familiaridad, y siempre ponemos pequeños accesorios que a menudo serán cosas de mi casa”, dijo.
“Estos pequeños detalles lo hacen habitado y más identificable frente a la visualización arquitectónica tradicional, que puede ser muy estéril y no estéticamente identificable”.
Taylor también trabajó anteriormente en varios proyectos de NFT , incluida una obra de arte en video basada en una escultura de diseño OMA y cápsulas de NFT que contienen imágenes digitales de proyectos de arquitectura de fantasía .
Las imágenes son de Charlotte Taylor a menos que se indique lo contrario.
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