Mariette Sans-Rival Studio aporta la filosofía de escenografía al hotel Apollo Palm
Mariette Sans-Rival Studio, con sede en París, ha utilizado cortinas del suelo al techo, iluminación de latón y muebles personalizados para equipar este hotel boutique , ubicado en dos edificios de estilo Bauhaus en el centro de Atenas .
La fundadora del estudio, Mariette Sans-Rival , con experiencia en escenografía, tomó referencias de la cultura marinera griega al diseñar los interiores del hotel Apollo Palm .
“Como mi primer proyecto de arquitectura y diseño de interiores, me apoyé en gran medida en mi experiencia en el mundo de la ópera y el teatro en vivo para crear una perspectiva única, estableciendo paralelismos entre la escenografía y la atmósfera acogedora de un hotel”, dijo Sans-Rival.
Situada en el animado barrio de Psyrri, cerca de la antigua Ágora y la Acrópolis de la ciudad, la propiedad de 48 llaves está pensada como refugio tanto para viajeros como para lugareños.
Para albergar el hotel Apollo Palm, Sans-Rival combinó un par de edificios encalados del siglo XX y al mismo tiempo creó un patio apartado en el centro, donde los huéspedes pueden disfrutar de bebidas y platos del Patio Wine Bar and Bistro a la sombra de las hojas de palmera. .
Un bar de cócteles en la azotea, que también sirve brunch los fines de semana, tiene una vista despejada de la Acrópolis y alberga eventos musicales, noches de cine y fiestas al atardecer.
Durante la renovación de los edificios de estilo Bauhaus, que cuentan con líneas limpias y balcones curvos, el estudio también restauró una gran vidriera que se extiende por varios pisos.
Un mostrador de recepción curvo envuelto en latón combina con los accesorios de iluminación que se encuentran en todo el hotel Apollo Palm, bañando los espacios con un brillo dorado.
“Me desafiaron a crear emociones a través de una visión narrativa en un entorno completamente nuevo, construyendo historias en el lugar naciente y desarrollando patrones recurrentes para hacer que el hotel fuera autónomo y vivo”, dijo el diseñador.
En las habitaciones, las cortinas que van desde el suelo hasta el techo ondean sobre los grandes ventanales y, en algunos espacios, también continúan alrededor de las paredes.
Su combinación de colores, en gran parte blanco y crema, se acentúa con el amarillo soleado, el melocotón suave o el verde pálido, que se utilizan en la ropa de cama, la tapicería y las lujosas alfombras.
Algunas de las habitaciones cuentan con paredes de espejos detrás de las camas, mientras que otras están amuebladas con escritorios y tocadores reflectantes.
Sans-Rival diseñó a medida gran parte de los muebles de Apollo Palm, incluida la gama Lucie de sillas y taburetes que se caracterizan por recortes geométricos en sus coloridos marcos de madera.
“Comencé a dibujar formas inusuales, lo que finalmente me llevó a crear la exclusiva colección de muebles Lucie para el hotel”, dijo.
A finales de este año, el hotel también abrirá un bar y local de música nocturno llamado Studio Olala, que estará abierto tanto para huéspedes como para lugareños y estará disponible para alquilar para eventos privados.
Atenas está experimentando actualmente un auge en su escena creativa, a medida que los artistas acuden en masa a la ciudad por el buen clima y el costo de vida relativamente barato, así como un aumento en el turismo de aquellos que eligen quedarse más tiempo en tránsito hacia las populares islas griegas.
Como resultado, la ciudad ha visto una ola de nuevos hoteles, incluido el industrial pero sensual Mona Atenas y la casa de huéspedes Esperinos llena de obras de arte locales y muebles modernos.
Esta cafetería del sur del Bronx que sirve un menú centrado en el chocolate está diseñada por Studio Tre, con sede en la ciudad de Nueva York, para reflejar las raíces caribeñas de la marca.
Colores vivos, hojas de palmera, referencias a la arquitectura española y papeles pintados hechos con anuncios aparecen en la segunda cafetería del fabricante de chocolate Chocobar Cortés .
Chocobar Cortés es una empresa familiar de cuarta generación que cultiva cacao y fabrica chocolate desde 1929, primero en República Dominicana y luego en Puerto Rico.
En 2013, abrieron su primer café-restaurante en el Viejo San Juan (Viejo San Juan), la capital histórica de Puerto Rico, donde cada plato o bebida incorpora chocolate de alguna manera.
La segunda ubicación en El Bronx trae el concepto a la ciudad de Nueva York y sigue el modelo de las tiendas generales “colmadito” que se encuentran en el Viejo San Juan como un guiño a sus orígenes.
“El diseño abraza la calidez del Caribe y las texturas, colores y patrones reconocibles del vecindario Viejo San Juan de la primera ubicación”, dijo Ernesto Gloria de Studio Tre .
El espacio de 150 metros cuadrados (1,600 pies cuadrados) en Alexander Avenue presenta una variedad de elementos tomados de los colmaditos, incluido el piso de baldosas de cemento en forma de tablero de damas.
Un trío de arcos que forman nichos para la barra trasera y una apertura a los baños hacen eco de la arquitectura colonial española.
Estos arcos fueron pintados en el tono amarillo característico de la marca, a juego con el frente del mostrador de la cafetería y juntos agregaron calidez y vitalidad al espacio.
“Moldes de barras de chocolate retirados reutilizados como elemento de diseño sobre el mostrador de la cafetería”, dijo Whitley Esteban de Studio Tre, quien viajó con Gloria a San Juan al inicio del proyecto para conocer la empresa y sus valores.
Se eligieron paneles de madera conopial y herrajes de bronce en la barra como homenaje a las grandes puertas que se encuentran en la ciudad vieja.
En las paredes del café, se aplicó yeso de color gris verdoso pálido sobre revestimientos de madera, y se exhibe una mezcla de fotografías históricas y una rotación de obras de artistas locales y caribeños.
Los baños están revestidos con un collage de dibujos animados de colores brillantes y anuncios antiguos, mientras que por los parlantes suenan jingles de radio.
El café también alberga una serie de eventos y programación cultural para la comunidad queer del barrio, creando un “espíritu de aceptación y celebración”.
“Al imbuir este espíritu caribeño en el diseño, junto con el espíritu vibrante y artístico del vecindario del Bronx, los interiores del restaurante establecen a Chocobar Cortés como la alegre celebración de la cultura, el chocolate y la comunidad que es”, dijo Glora. .
Las chocolaterías y cafeterías son populares en todo el mundo y sus interiores varían drásticamente según el contexto.
Otras en todo el mundo incluyen una que ocupa una casa centenaria en Kioto y otra en São Paulo donde se muestran los procesos de producción.
La startup estadounidense Recompose ha abierto una funeraria en Seattle diseñada por el estudio de arquitectura Olson Kundig , donde los restos humanos se convierten en abono y se convierten en un suelo rico en nutrientes que puede nutrir nueva vida vegetal.
Ubicada en un almacén reformado en el distrito SoDo de la ciudad, la instalación es una de las primeras en hacer uso de una práctica floreciente conocida como reducción orgánica natural, o compostaje humano, que fue legalizada en el estado de Washington en 2019.
En este caso, el cuerpo del difunto se coloca sobre un lecho de materiales vegetales dentro de un recipiente de acero inoxidable , construido específicamente para acelerar el proceso natural de separación.
En el transcurso de 60 días, sus restos se convierten en un metro cúbico de tierra fértil, suficiente para llenar la caja de una camioneta. Luego, los seres queridos pueden llevarse este abono a casa y utilizarlo para nutrir su jardín, plantar árboles en memoria del difunto o donarlo a un área de conservación local.
El objetivo es ofrecer una alternativa menos contaminante a la cremación o el entierro, que genera enormes emisiones y consume muchos recursos, y en su lugar crear una práctica funeraria significativa que permita a las personas retribuir a la naturaleza.
“Los clientes nos han compartido que la idea de que su persona se convierta en tierra es reconfortante”, dijo a Dezeen la fundadora de Recompose, Katrina Spade.
“Hacer crecer nueva vida a partir de esa tierra es algo profundo y el pequeño ritual de plantar, utilizando tierra creada a partir del cuerpo de un ser querido, es muy tangible”.
Las instalaciones insignia de Recompose de 19,500 pies cuadrados en Seattle tienen capacidad para una serie de 31 recipientes de compostaje cilíndricos, apilados dentro de una estructura de acero hexagonal.
Esta construcción vertical ayuda a conservar el espacio en un intento por superar el problema del uso de la tierra asociado con el entierro tradicional y hacer factible el compostaje humano incluso en áreas urbanas densas.
“Se puede pensar en Recompose como el equivalente urbano al entierro natural: devolvernos a la tierra sin requerir mucho terreno”, dijo Spade, un arquitecto capacitado que desarrolló las vasijas como parte de una residencia en el estudio de Olson Kundig en Seattle .
El edificio en sí fue diseñado en colaboración con el estudio de arquitectura para reimaginar la experiencia de estar en una funeraria, haciendo el proceso más transparente e incorporando elementos de la naturaleza en lugar de iconografía religiosa abierta.
En un espíritu de regeneración, se conservó gran parte de la estructura original del almacén. Los cálidos pisos de madera y una pared con plantas dan vida al vestíbulo central, mientras que se insertan tiras de vidrio verde en las paredes para brindar vislumbres del espacio íntimo de la ceremonia más allá.
Aquí, los seres queridos pueden participar en una “ceremonia de inhumación”, similar a un funeral tradicional.
“El Gathering Space tiene ventanas de vidrio de colores desde el piso hasta el techo que dejan entrar la luz, de manera similar a la forma en que la luz se filtra entre los árboles en un bosque”, dijo el director de diseño de Olson Kundig , Alan Maskin.
“De cierto modo, Recompose es una funeraria al revés. Hay una sugerencia de transparencia y apertura sobre la muerte, incluida la capacidad de ver y comprender todo el proceso, que es muy diferente de la experiencia de una funeraria tradicional”.
Durante la ceremonia, un sencillo atril de madera permite a los dos compartir palabras sobre sus seres queridos mientras el cuerpo del difunto se envuelve en una mortaja de algodón y se presenta sobre una cama de color verde oscuro llamada cuna.
Imitando el ritual de arrojar tierra sobre un ataque, los invitados pueden colocar sobre su persona flores y materiales vegetales, que ayudarán a su transformación en tierra.
La funeraria también cuenta con salas dedicadas para aquellos que desean brindar un cuidado más práctico a sus difuntos antes de la ceremonia, bañando el cuerpo o recitando oraciones y canciones.
Al final del servicio, la cuna se mueve a través de un llamado recipiente umbral incrustado en la pared y hacia el invernadero, donde se unirá a los otros recipientes del conjunto.
“Se puso mucho cuidado al considerar la experiencia del cuerpo”, dijo Maskin. “Incluso hay un poco de poesía inscrita en el interior del recipiente de transición utilizado durante las ceremonias”.
“Ese poema no es para los vivos; sólo es visible dentro del recipiente”.
Cada recipiente del conjunto contiene una mezcla de materiales vegetales desarrollados por Recompose que incluye astillas de madera, paja y una planta parecida al trébol llamada alfalfa, con proporciones adaptadas según el cuerpo y el peso de la persona.
En el transcurso de 30 días, los microbios naturales que se encuentran en las plantas y el cuerpo descompondrán los restos, filtrando los olores desagradables y bombeando aire fresco (ya veces humedad) al recipiente, que gira intermitentemente para acelerar el tratamiento. .
Al final de este proceso, los fragmentos de hueso restantes se trituran con un cremador y los implantes médicos se retiran para reciclarlos.
La tierra restante se coloca en un recipiente de curado para que se seque durante otras dos a seis semanas antes de que amigos o familiares puedan recogerla.
A diferencia de la cremación, este proceso no requiere grandes cantidades de energía ni combustibles fósiles, dice Recomponer, mientras que el contenido de carbono en el cuerpo humano se secuestra en el suelo en lugar de liberarse a la atmósfera.
El proceso también prescinde de las grandes cantidades de productos químicos de embalsamamiento y de materiales con elevadas emisiones, como el acero y el hormigón, que se necesitan para los entierros.
En total, el proceso de “transformar el cuerpo de su ser querido en tierra” ahorra alrededor de una tonelada métrica de emisiones de CO2 por persona en comparación con el entierro o la cremación, afirma Recompose.
Desde 2019, varios estados de EE.UU. UU. han seguido los pasos de Washington y han legalizado la reducción orgánica natural; Nueva York se unió a Colorado, Oregón, Vermont y California el mes pasado.
Esto ocurre a medida que la gente es cada vez más consciente del impacto ambiental oculto de la industria del cuidado de la muerte y avanza hacia prácticas funerarias alternativas, desde la cremación líquida hasta las cápsulas funerarias que crecen hasta convertirse en árboles .
“Los miembros de la generación del baby boom han comenzado a experimentar la muerte de sus padres y creo que muchos se preguntan: ¿eso es lo mejor que podemos hacer?”, dijo Spade.
“Pero lo interesante es que no se trata sólo de personas mayores”, añadió.
“Más del 25 por ciento de nuestros miembros de Precompose [plan de pago anticipado] tienen menos de 49 años. Creo que esto se debe a que la crisis climática también ha influido. La gente se pregunta por qué nuestras prácticas funerarias no se han tenido en cuenta en lo que respeta a nuestras emisiones de carbono. huella”.
Recompose planea expandirse a Colorado en 2023 y California en 2027, mientras que la empresa rival Earth Funeral ha puesto su mirada en Oregón .
La fotografía es de Mat Hayward/Getty Images para Recompose a menos que se indique lo contrario.
El estudio de diseño mexicano Mestiz ha abierto una sala de exposición y un taller dentro de un edificio histórico en San Miguel de Allende , donde sus colaboraciones en colores brillantes con artesanos locales ocupan un lugar destacado.
El espacio de estudio está ubicado en Pasaje Allende, en el corazón de la ciudad central de México, reconocido por su arquitectura y escena artística de la época colonial.
El fundador de Mestiz, Daniel Valero, colabora con una variedad de hábiles artesanos locales para crear muebles y artículos para el hogar utilizando artesanías ancestrales.
“En nuestro estudio, las asociaciones no son de corta duración; están diseñados para durar”, dijo. “Hemos fomentado relaciones a largo plazo con artesanos, donde aprender y crear son un proceso continuo”.
Piezas de la colección de Mestiz llenan el interior del estudio, que ocupa un edificio de piedra remodelado y diseñado como un “hábitat salvaje” lleno de personalidad.
“Alguna vez fue una cocina”, explicó Valero, “y ahora es un espacio que respeta la idea de la cocina mexicana, infundiéndola en nuestro santuario creativo”.
El estudio consta de tres espacios principales. En la sala de exposición, las vigas de madera originales y el techo de ladrillo están expuestas, y el yeso áspero y mantecoso cubre las paredes.
Las repisas y podios revestidos con azulejos brillantes brindan lugares para exhibir artículos pequeños como vasijas puntiagudas y cuadros enmarcados.
Muebles más grandes, como una mesa triangular y sillas con respaldos tupidos, están dispuestos en el suelo.
Mientras tanto, obras de arte textiles decoran las paredes y enormes lámparas de color rosa fibroso cuelgan del techo.
“Nuestras creaciones no son sólo piezas; son historias”, dijo Valero.
“Creemos en la elaboración de diseños que entablen diálogos profundos con el contexto y la historia de cada comunidad con la que trabajamos”.
El taller está situado en un cobertizo al lado del edificio, donde las paredes de piedra en bruto son visibles en dos lados y otras superficies no se tratan.
Los bancos pintados de rojo para ensamblar artículos y almacenar materiales naturales (palma, madera, lana, mimbre y cerámica) están rodeados de diseños parcialmente terminados.
Una sala de almacenamiento en tonos rosados también está repleta de productos, desde luces de mimbre suspendidas del techo hasta tótems altos en azul, rosa y morado en las esquinas.
“Nuestra práctica es un testimonio vivo de la fusión de tradiciones”, dijo Valero. “Nuestras piezas son la encarnación del sincretismo cultural, donde convergen diversas influencias para crear algo completamente nuevo”.
El rico espíritu creativo de San Miguel de Allende también se presenta en el hotel Casa Hoyos de la ciudad, donde coloridos azulejos y artesanía local llenan una antigua mansión colonial española.
Otros diseñadores mexicanos que continúan las tradiciones locales a través de su trabajo incluyen a Fernando Laposse, quien utiliza desechos de maíz para crear un material de marquetería , y Christian Vivanco, quien lanzó una colección de muebles de ratán con Balsa.
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