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El estudio de diseño mexicano Mestiz ha abierto una sala de exposición y un taller dentro de un edificio histórico en San Miguel de Allende , donde sus colaboraciones en colores brillantes con artesanos locales ocupan un lugar destacado.

El espacio de estudio está ubicado en Pasaje Allende, en el corazón de la ciudad central de México, reconocido por su arquitectura y escena artística de la época colonial.

El fundador de Mestiz, Daniel Valero, colabora con una variedad de hábiles artesanos locales para crear muebles y artículos para el hogar utilizando artesanías ancestrales.

“En nuestro estudio, las asociaciones no son de corta duración; están diseñados para durar”, dijo. “Hemos fomentado relaciones a largo plazo con artesanos, donde aprender y crear son un proceso continuo”.

Piezas de la colección de Mestiz llenan el interior del estudio, que ocupa un edificio de piedra remodelado y diseñado como un “hábitat salvaje” lleno de personalidad.

“Alguna vez fue una cocina”, explicó Valero, “y ahora es un espacio que respeta la idea de la cocina mexicana, infundiéndola en nuestro santuario creativo”.

El estudio consta de tres espacios principales. En la sala de exposición, las vigas de madera originales y el techo de ladrillo están expuestas, y el yeso áspero y mantecoso cubre las paredes.

Las repisas y podios revestidos con azulejos brillantes brindan lugares para exhibir artículos pequeños como vasijas puntiagudas y cuadros enmarcados.

Muebles más grandes, como una mesa triangular y sillas con respaldos tupidos, están dispuestos en el suelo.

Mientras tanto, obras de arte textiles decoran las paredes y enormes lámparas de color rosa fibroso cuelgan del techo.

“Nuestras creaciones no son sólo piezas; son historias”, dijo Valero.

“Creemos en la elaboración de diseños que entablen diálogos profundos con el contexto y la historia de cada comunidad con la que trabajamos”.

El taller está situado en un cobertizo al lado del edificio, donde las paredes de piedra en bruto son visibles en dos lados y otras superficies no se tratan.

Los bancos pintados de rojo para ensamblar artículos y almacenar materiales naturales (palma, madera, lana, mimbre y cerámica) están rodeados de diseños parcialmente terminados.

Una sala de almacenamiento en tonos rosados ​​también está repleta de productos, desde luces de mimbre suspendidas del techo hasta tótems altos en azul, rosa y morado en las esquinas.

“Nuestra práctica es un testimonio vivo de la fusión de tradiciones”, dijo Valero. “Nuestras piezas son la encarnación del sincretismo cultural, donde convergen diversas influencias para crear algo completamente nuevo”.

El rico espíritu creativo de San Miguel de Allende también se presenta en el hotel Casa Hoyos de la ciudad, donde coloridos azulejos y artesanía local llenan una antigua mansión colonial española.

Otros diseñadores mexicanos que continúan las tradiciones locales a través de su trabajo incluyen a Fernando Laposse, quien utiliza desechos de maíz para crear un material de marquetería , y Christian Vivanco, quien lanzó una colección de muebles de ratán con Balsa.

La fotografía es de Pepe Molina .

Para celebrar los 15 años de Gallery Fumi , la galería de Londres acoge la exposición Growth + Form de “arte funcional”, que presenta muebles escultóricos e iluminación con formas orgánicas.

La exposición Growth + Form incluye nuevas obras de 16 de los 28 artistas y diseñadores anteriores de Gallery Fumi, que responden a temas de transformación, regeneración y patrones de crecimiento biológico.

Fue diseñado por el diseñador arquitectónico Leendert De Vos y curado por la historiadora del diseño Libby Sellers , quien invitó a antiguos artistas y diseñadores a exhibir nuevas piezas en una exhibición grupal.

El título y el tema de la exposición se inspiraron en el libro Sobre la forma y el crecimiento del biólogo escocés D’Arcy Wentworth Thompson, que analiza la armonía matemática de las formas en crecimiento en biología.

Respondiendo a este punto de partida biológica, a lo largo de la exposición se pueden ver muebles e iluminación con formas orgánicas y materiales naturales.

La artista danesa Stine Bidstrup creó una lámpara de araña escultórica titulada Light Entanglements, formada por racimos retorcidos de vidrio soplado a mano.

Se combinaron diferentes longitudes de palos pintados para crear Marmaros Metamorphosis II, una pieza de pared decorativa circular con una superficie texturizada en forma de mechón del escultor Rowan Mersh .

“Revisando el comienzo de su carrera, cuando Mersh usaba materiales baratos para experimentar con técnicas, en este trabajo usando palos de colores lacados, crea formas con los detalles y el nivel de habilidad que alcanza actualmente cuando usa materiales preciosos”, dijo Gallery Fumi.

Mientras la galería celebra su 15º aniversario, Sellers comparó su crecimiento con la formación de cristales, el material está asociado con los 15 aniversarios.

“El cristal, que ha crecido a partir de pequeñas partículas hasta convertirse en una forma sólida de belleza geométrica, es a la vez una metáfora poética del propio desarrollo de la Galería Fumi durante los últimos 15 años y una oportunidad para explorar la afinidad creativa entre la ciencia, el arte y la naturaleza intrincada de las construcciones”. dijo Vendedores.

“Después de todo, ¿no es ésta una definición de diseño? ¿La unión del conocimiento, la creación de formas, la exploración material y la belleza?” Agregaron los vendedores.

“Las obras son vibrantes y activas: brotan, giran, se retuercen, giran, transfiriendo material y forma a objetos de belleza”.

También se exhibió un gabinete de madera cubierto con tejas pintadas a mano del diseñador berlinés Lukas Wegwerth , quien también creó un jarrón de sal de cristal titulado Crystallization 183.

“Sellers identificó la cristalización 183 como la más significativa para la exposición, ya que no solo se celebra normalmente el 15º aniversario con cristal, sino que el proceso de crecimiento de los cristales es una metáfora poética del crecimiento de Fumi como galería”, dijo Gallery Fumi. .

Otras piezas expuestas incluyen una lámpara de pie escultural de cobre con base de piedra del estudio de diseño londinense JamesPlumb y una silla del diseñador británico Max Lamb elaborada a partir de un solo tronco de tejo.

“Aprovechando la afinidad creativa entre la ciencia y el arte, las piezas creadas para la muestra mostrarán formas orgánicas fluidas, materiales naturales y estructuras geométricas”, dijo Gallery Fumi.

Otros diseñadores que muestran trabajos incluyen al escultor estadounidense Casey McCafferty , el diseñador italiano Francesco Perini , el estudio de diseño Glithero , el diseñador de materiales chino Jie Wu , el ceramista alemán Johannes Nagel , el artista finlandés Kustaa Saksi , la artista británica Leora Honeyman , la artista española Saelia Aparicio , el artista británico Sam Orlando Miller , estudio de diseño Study O Estudio de diseño de muebles y portátiles Voukenas Petrides .

Galería Fumi fue fundada en 2008 por Valerio Capo y Sam Pratt. Anteriormente ha exhibido trabajos que incluyen una colección de iluminación Jesmonite de la diseñadora británica Lara Bohinc y un banco de edición limitado de JamesPlumb fabricado con técnicas de tratamiento medievales .

La fotografía es cortesía de Gallery Fumi.

La exposición Growth + Form se exhibe en la Galería Fumi de Londres, Reino Unido, del 7 al 30 de septiembre de 2023. Consulta la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

El arquitecto mexicano Ludwig Godefroy ha completado la renovación de una casa y estudio “simple” en México para él y su familia que está integrado con un jardín adyacente.

Godefroy y su socio renovaron una antigua residencia, centrándose en la orientación de la casa hacia el espacio verde preexistente del sitio.

“Casa SanJe es un proyecto muy simple”, dijo Godefroy. “La idea principal detrás del proyecto era reconectar la casa con su jardín, abriendo grandes ventanales en toda la planta baja. En esta casa el interior y el exterior siempre están conectados”.

Casi la mitad de la plaza está dedicada al jardín, mientras que la otra mitad contiene la residencia del arquitecto.

“Casa SanJe era una casa mexicana común y corriente de los años 80, sin ningún estilo, una casa sencilla con baldosas en el piso y acabados de yeso texturizado en las paredes”, dijo Godefroy.

El arquitecto reemplazó los materiales anteriores por concreto , madera y tezontle -una piedra volcánica roja- para “calmar la atmósfera de la casa”.

El nivel del suelo de la casa contiene dos entradas protegidas por puertas de hierro.

Un aparcamiento se encuentra junto a la primera entrada del edificio, al que se accede a través de un patio poblado de piedra, parterres y una escultura de hormigón y ladrillo.

Una segunda entrada se encuentra más hacia el jardín y conduce a un vestíbulo en el centro del plano a nivel del suelo.

El programa interior circula alrededor del vestíbulo, con la cocina, el comedor y la sala de estar ubicados frente al estudio y la biblioteca del arquitecto.

Los espacios de cocina y estudio se ubicaron a lo largo de la pared trasera de la casa, con ventanas delgadas colocadas periódicamente entre gabinetes y estantes.

En el lado opuesto, Godefroy instaló grandes puertas y ventanas que abren el salón directamente al jardín.

Gran parte del mobiliario interior estaba hecho de hormigón castado, como el sofá del salón, la mesa del comedor, las mesas auxiliares, las estanterías de la cocina y una isla. Y algunos están integrados directamente en el suelo.

El estudio de Godefroy también contiene estanterías de hormigón y un escritorio de hormigón que corre a lo largo de la pared.

En el mismo espacio, una pared fue revestida con cálidos paneles de madera, mientras que un techo abovedado se encuentra encima del escritorio del arquitecto. Al lado hay una chimenea.

Como algunos de los proyectos anteriores de Godefroy , se cortaron aberturas geométricas en las paredes interiores.

Un muro expuesto de piedra volcánica roja recorre la pared trasera de la casa.

Ubicada entre la cocina y la sala de estar, una escalera de madera conduce al segundo piso, que contiene dormitorios y un baño principal.

El baño principal contiene un corte circular hundido en el piso, con múltiples cabezales de ducha para bañarse.

En una esquina, un grifo deja caer agua sobre un elemento escalonado.

Se utilizó hormigón para el techo, las paredes y el suelo.

Se colocaron plantas nativas por toda la casa, con una gran maceta semicircular hecha de concreto colocada sobre la entrada de la casa.

“Queríamos que el espacio fuera atemporal, fuera de cualquier tendencia o decoración, simplemente hecho de material simple, capaz de envejecer en lugar de dañarse con la acción del tiempo”, dijo el arquitecto.

Godefroy completó recientemente una serie de proyectos en la Ciudad de México y sus alrededores, incluida una casa brutalista en forma de cubo y un hotel que recuerda el diseño de un templo oaxaqueño .

La fotografía es de Edmund Sumner .

En este lookbook , seleccionamos ocho apartamentos que demuestran que los sótanos son los nuevos áticos, desde un apartamento art déco en París hasta un escondite de estilo ciencia ficción en Madrid.

A menudo asociadas con un espacio limitado y poca luz natural, las casas sótano no siempre han sido particularmente codiciadas.

Pero a medida que las ciudades del mundo se vuelven más caras, más concurridas y más calurosas, la vida subterránea puede ser una opción relativamente asequible, privada y templada.

A continuación se muestran ocho de los mejores apartamentos en el sótano presentados anteriormente en Dezeen.

Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Para obtener más inspiración, consulte los lookbooks anteriores que presentan interiores tipo cueva , vestíbulos de entrada residenciales y puertas corredizas .

Bóveda desenterrada, Reino Unido, por Daab Design

El estudio de arquitectura Daab Design se convirtió en una antigua bóveda de almacenamiento de arte en Londres en un sótano de dos dormitorios.

Los elementos de la época georgiana se restauraron meticulosamente como parte de la renovación y se combinaron con una paleta de colores relajantes de cremas, verdes y azules, convirtiendo lo que antes era un interior oscuro y estrecho en un espacio habitable moderno.

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La ballena, Francia, de Clément Lesnoff-Rocard

La Ballena toma su nombre de los enormes elementos estructurales que salpican esta casa en el sótano de un edificio de apartamentos parisino , que recordaron al arquitecto Clément Lesnoff-Rocard estar dentro de un enorme animal.

Lesnoff-Rocard despojó el apartamento para revelar las gruesas vigas de hormigón, mientras que amplios espejos de vidrio, latón y formas geométricas inyectan una discreta sensación de art déco .

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Casa Yurikago, España, por Mas-aquí

El estudio de arquitectura Mas-aqui utilizó medios niveles en la renovación de este apartamento semisótano en Barcelona para maximizar el espacio.

El nivel inferior, que antes no se utilizaba, se excavó para crear una escalera que condujera a un nuevo dormitorio de invitados con un arco estructural sobre la cama y un muro de contención de hormigón visto.

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Apartamento Ilioupoli, Grecia, junto a Point Supreme

Hundido en el suelo en la parte inferior de un edificio de apartamentos en Atenas , este pequeño apartamento de un dormitorio era anteriormente un espacio de almacenamiento.

Point Supreme buscó retener la sensación de “cueva mágica” del interior dejando superficies de concreto en bruto expuestas y usando acabados de piso, cortinas y tabiques corredizos en lugar de paredes para separar el espacio.

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Casa H, Taiwán, por KC Design Studio

El sótano de la Casa H en Taipei se inclina hacia su entorno subterráneo con una paleta de colores oscuros y de mal humor proporcionada por pisos de concreto, paredes de yeso gris y accesorios y accesorios negros o grises.

Para filtrar más luz natural y aire fresco en el sótano, KC Design Studio talló varias aberturas en el techo, acomodando una escalera y un patio interior.

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Apartamento Tibbaut, España, de Raúl Sánchez

El arquitecto Raúl Sánchez convirtió un sótano encimadado debajo de una casa en Barcelona en un apartamento subterráneo utilizando paneles curvos de pino laminado.

La partición se enrolla alrededor de una sala de estar central, separando cada una de las habitaciones pero sin llegar al techo para garantizar que la arquitectura original del edificio permanezca visible, además de permitir que la luz natural se propague por todo el espacio.

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Casa A12, España, de Lucas y Hernández-Gil

Este apartamento en el semisótano de Madrid presenta elementos divertidos al estilo de Stanley Kubrick, como cortinas plateadas brillantes, paredes decorativas en azul cobalto y un patio interior con césped naranja.

Lucas y Hernández-Gil diseñaron el espacio para que fuera un “mundo de trabajo y ocio” donde los propietarios pudieran escapar de la calle de arriba.

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Estudio LI, Francia, por Anne Rolland Architecte

Una habitación secreta se encuentra debajo de este estudio hundido creado por Anne Rolland Architecte en un espacio abandonado hace mucho tiempo en una casa parisina del siglo XVII.

Al que se accede a través de una trampilla mecánica y se le otorga luz natural a través de una ventana en el piso de la cocina, el antiguo pozo de lodo fue restaurado para crear una sala de música y un cine en casa.

Más información sobre Estudio LI ›

Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Para obtener más inspiración, consulte los lookbooks anteriores que presentan interiores tipo cueva , vestíbulos de entrada residenciales y puertas corredizas .

Esculturas elaboradas a partir de bolsas de aire BMW recicladas y traviesas de roble aparecen en la exposición Atlas 2000 del artista Frederik Molenschot, que se exhibe en la galería Carpenters Workshop de París.

Atlas 2000, que marca la primera exposición individual del artista holandés, presenta obras esculpidas a mano que están directamente influenciadas por paisajes naturales, dijo Molenschot.

El título de la muestra hace referencia al diario visual que el artista ha creado desde sus estudios en la Design Academy Eindhoven en 2000.

Distribuidas en la planta baja minimalista de la sucursal parisina de Carpenters Workshop Gallery , las esculturas fueron elaboradas con diversos materiales y van desde lo funcional hasta lo abstracto.

Buoy Airbag es una escultura colgante amorfa en tonos azul pálido creada a partir de bolsas de aire recicladas procedentes de vehículos BMW.

“La pieza profundiza en la intrincada conexión entre el transporte de carga y el cambio climático , con bolsas de aire recicladas que simbolizan una roca de hielo ártico derritiéndose flotando en el mar”, dijo el artista a Dezeen.

“Quiero explorar cómo se utilizan los materiales de lujo y cómo se convierten en lo que son”, añadió. “[Así que] procesé los airbags usados ​​al estilo ‘alta costura’, para obtener un acabado de muy alta calidad”.

Molenschot también diseñó Gingerblimp, una escultura de luz LED bulbosa de bronce caracterizada por una pátina plateada y un interior cepillado en oro.

El artista explicó que la escultura es una versión divertida de la raíz de jengibre del mundo natural y también hace un guiño a los dirigibles artificiales que forman parte del Desfile anual del Día de Acción de Gracias de la ciudad de Nueva York.

Se recuperaron viajes de ferrocarril de roble reciclado para crear una mesa de comedor y una silla gruesa, que recibieron el nombre de Bridge Beat para “rendir homenaje a la cautivadora estructura de los puentes”.

También forma parte de esta serie un escritorio de bronce negro y sillas formadas por líneas cuadriculadas dispuestas en formaciones triangulares.

“Cada material fue seleccionado deliberadamente, ofreciendo propiedades y texturas únicas que complementan los aspectos conceptuales de las obras de arte”, explicó Molenschot.

“Cada pieza está esculpida a mano en nuestro estudio”.

Según Molenschot, las formas de las piezas varían tanto como su paleta de materiales. En una esquina de la galería, se colocó un guante de bronce con pompones debajo de una lámpara texturizada en forma de rama, mientras que en la exposición también se presenta ropa de gran tamaño.

“Esta exposición individual ocupa un lugar especial en mi corazón, ya que representa todo mi recorrido artístico desde mi época en la Academia”, reflexionó Molenschot.

“Es una invitación a explorar mi visión de nuestro mundo. Mi ‘atlas’ es un compendio de investigaciones, fotografías, diseños y bocetos que me han formado como artista”.

Conocido por sus esculturas de bronce a gran escala, Molenschot ha estado representado por Carpenters Workshop Gallery desde 2008. La galería, que también tiene ubicaciones en Londres y Estados Unidos, exhibió anteriormente una muestra de muebles totalmente de mezclilla del diseñador Harry Nuriev.

El fallecido diseñador de moda Karl Lagerfeld también estrenó su primera exposición de esculturas en la sucursal de París.

Atlas 2000 se exhibirá en Carpenters Workshop Gallery del 1 de junio al 16 de septiembre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.