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La arquitecta australiana Emily Sandstrom ha transformado un bungalow deteriorado de los años 30 en Sydney añadiendo una ampliación que se construyó en parte con materiales de demolición.

Sandstrom tenía como objetivo restaurar la casa, que había permanecido intacta durante décadas, y celebrar sus características originales, incluidos los rieles para cuadros y las molduras del techo.

El arquitecto demolió una pequeña cocina trasera, un retrete y un solárium y reutilizó los ladrillos y materiales de la demolición para construir una extensión en forma de U de 45 metros cuadrados, que alberga una cocina y un comedor de planta abierta.

Dos grandes puertas corredizas de vidrio se abren a un patio y dejan entrar luz natural a la extensión de la cocina.

La extensión en forma de U y el patio fueron diseñados para proporcionar una conexión entre las áreas de entretenimiento interiores y exteriores.

Según Sandstrom, los pisos de concreto y los aleros colgantes ayudan a calentar pasivamente la casa en invierno y enfriarla en verano. También se agregaron paneles solares a la casa, lo que significa que no se necesitaron sistemas adicionales de calefacción o refrigeración.

“La forma de U en combinación con los aleros anchos y curvos proporciona calefacción pasiva a la casa durante los meses de invierno y sombra durante el verano”, dijo Sandstrom a Dezeen.

“Esto, en combinación con un suelo de hormigón para la masa térmica, doble acristalamiento y ventanas altas ubicadas para ventilación cruzada, significa que no hay necesidad de sistemas adicionales de calefacción y refrigeración”.

Una gran isla con una encimera hecha de madera australiana reciclada es el punto focal de la cocina, donde un escalón en el nivel del piso separa la “zona de trabajo” en un lado de la isla del resto de la habitación.

“La cocina fue un foco particular en el diseño y un punto central fuerte de la casa”, dijo Sandstrom.

Inspirado en el diseño japonés y los rituales de baño, el baño cuenta con una bañera hundida que se encuentra debajo del nivel del piso.

La plataforma de madera cubre los pisos y oculta los puntos de drenaje de una ducha fija. Las puertas correderas de cristal conducen a un pequeño jardín con una ducha exterior adicional.

“[El baño] fue diseñado para lograr una atmósfera de calma y aislamiento, y el diseño captura muchas perspectivas diferentes del jardín y desvía la mirada de las vistas menos ideales”, dijo Sandstrom.

En toda la casa, el arquitecto quitó las alfombras para descubrir las tablas del piso originales y restauró los elementos originales, incluidas vidrieras, molduras de techo ornamentadas, puertas, molduras y arquitrabes de madera oscura.

La carpintería recién agregada se diseñó para preservar los zócalos, los rieles para cuadros y las molduras del techo de la casa, así como para mantener la escala y el diseño originales de las habitaciones.

Otras casas recientemente terminadas en Australia que han aparecido en Dezeen incluyen una residencia junto al mar en Sydney que se transformó para adaptarse a una familia de cinco y una casa en Melbourne con interiores acabados en madera, terracota y ricos tonos joya .

La fotografía es de Rohan Venn .

Tanques de acero bulbosos cuelgan de donde solían suspenderse los cadáveres en la cervecería ÅBEN en Copenhague , que el estudio local Pihlmann Architects transformó de un matadero a un restaurante y bar .

Ubicada en el Meatpacking District de Copenhague, la cervecería está ubicada en una carnicería de 1932 que se ha utilizado para diversas actividades comerciales desde principios de los años 1990.

Pihlmann Architects mantuvo y restauró muchas de las características originales del matadero como parte de la renovación de la empresa cervecera danesa ÅBEN .

“Convertir el espacio nuevamente en una instalación de producción de alimentos, con todas las medidas pragmáticas que teníamos que tener en cuenta, generó nuestras ideas desde el principio”, dijo a Dezeen el fundador del estudio, Søren Pihlmann. “Recuperar el carácter auténtico del espacio fue clave .”

Dispuesta en un nivel de planta abierta, la cervecería cuenta con el original sistema de rieles enrejados del que solían colgar 980 cadáveres cuando el espacio era un matadero.

Pihlmann Architects reemplazó las carcasas con tanques de fermentación cónicos a los que se accede a través de una pasarela baja de acero galvanizado , también suspendida del techo de dientes de sierra original del edificio protegido .

También se mantuvieron en su lugar grupos geométricos de azulejos blancos que se han conservado desde la década de 1930, haciéndose eco del propósito original de la cervecería.

“Devolver los elementos clave a un estado digno fue más una tarea que decidir qué [elementos] conservar”, señaló Pihlmann.

Los espacios están delimitados por cortinas semitransparentes estilo matadero, que cubren varias áreas de comedor ubicadas alrededor de la cocina abierta central del restaurante, donde los visitantes pueden experimentar de cerca el proceso de elaboración de la cerveza.

Los muebles se mantuvieron simples y “sencillos” para enfatizar los elementos industriales del restaurante, incluidas sillas angulares y taburetes de bar con acabados en aluminio y madera.

“Las paletas [de materiales y colores] son ​​fieles a su funcionamiento, por un lado, y [fieles a] la historia, por el otro”, dijo Pihlmann.

El suelo rojo carmesí recorre toda la cervecería, que ya estaba en su lugar cuando se compró el edificio. Se mantuvo para agregar calidez a los interiores que de otro modo serían clínicos.

Por la noche, la luz eléctrica del restaurante absorbe este color y se refleja en los tanques de fermentación, creando un ambiente más íntimo.

Según el estudio de arquitectura, hacer visibles los procesos de producción de alimentos era el núcleo del concepto de diseño.

“No se trata sólo de la preparación de la comida, sino más bien de cómo se elabora la cerveza”, continuó Pihlmann.

“El espacio que produce miles de litros cada día está abierto para que todos puedan entrar y ver cómo y dónde se produce el producto que consumen”.

“Hoy en día estamos tan desapegados de lo que consumimos que simplemente vamos al supermercado y lo recogemos del mostrador de refrigeración sin tener idea de dónde viene”, añadió.

“No soy tan ingenuo como para pensar que ÅBEN por sí solo cambiará algo, pero estoy convencido de que es importante cambiar este desapego”.

Pihlmann describió su aspecto favorito del proyecto como “cómo los elementos que hemos añadido se someten y utilizan el espacio existente, no sólo visualmente sino también a través de su función estructural”.

“El edificio está construido para soportar una carga enorme”, reflexionó. “En aquel entonces, eran toneladas de carne muerta. Hoy en día son enormes tanques que sirven desde el techo”.

Fundado en 2021, Pihlmann Architects fue incluido en nuestra lista de 15 estudios de arquitectura prometedores de Copenhague compilada para conmemorar el nombramiento de la ciudad como Capital Mundial de la Arquitectura por la UNESCO y la UIA para 2023.

Las conversiones de mataderos anteriores incluyen una escuela de formación para chefs en España que alguna vez se utilizó para matar carne y un centro cultural en Portugal que actualmente está siendo desarrollado por Kengo Kuma y OODA.

La fotografía es de Hampus Berndtson .

El arquitecto Ma Yansong , curador de Blueprint Beijing, una exposición que explora el futuro de la capital china en la Bienal de Beijing de 2022, comparte seis de sus instalaciones más destacadas de la muestra.

Ma, socio fundador del estudio de arquitectura chino MAD , invitó a 20 arquitectos y artistas de diferentes generaciones de todo el mundo a presentar sus visiones para el futuro de la ciudad de Beijing en una variedad de medios que incluyen modelos arquitectónicos, instalaciones, fotografías y videos.

” Blueprint Beijing es un estudio comparativo de la historia y el futuro de Beijing y el mundo”, dijo Ma a Dezeen.

“Hemos recopilado un compendio de eventos, personas e ideologías trascendentales de todo el mundo que han explorado vívidamente el tema del ‘futuro’, como Archigram , Oscar Niemeyer y muchos más, que han tenido un impacto significativo en los arquitectos actuales y han influyó en los cambios en la planificación urbana de Beijing en relación con eventos importantes”.

“Las obras de varios creadores seleccionados aquí atraviesan las dimensiones del tiempo, el espacio y la geografía, y su imaginación creativa personal ha aportado un significado distintivo a la exposición”, añadió.

La exposición también presenta material extraído de archivos históricos sobre ocho arquitectos y colectivos que han mostrado ideas visionarias, así como cuatro películas chinas de ciencia ficción con importancia histórica.

Aquí, Ma ha seleccionado seis de sus aspectos más destacados de Blueprint Beijing para Dezeen:

Restaurante dentro de la pared, por Drawing Architecture Studio, 2023

“La instalación Restaurant Inside the Wall se presenta como una novela gráfica, con un restaurante escondido dentro de la pared como protagonista. Drawing Architecture Studio (DAS) transformó la novela gráfica en una experiencia espacial para fortalecer la atmósfera absurda y de suspenso de la historia, combinando y conectando los elementos reales de varios puestos callejeros.

“A partir de la observación de los espacios urbanos en China, DAS ha descubierto muchos focos inesperados de sabiduría incrustados en las escenas urbanas cotidianas, y los ‘agujeros en las paredes’ al borde de las carreteras son un ejemplo de ello. Esta instalación añade una microscópica nota diaria al gran proyecto urbano de vanguardia para el futuro”.

Filtrar ciudad Ciudad como habitación, por Peter Cook de Cook Haffner Architecture Platform, 2020-2022

“En esta instalación, Peter Cook disecciona dos de sus dibujos, Filter City (2020) y City as a Room (2022), en elementos que se concentran en secuencias.

“Cook utiliza su estrategia característica de crear dibujos conceptuales que permanecen conectados con el entorno construido, al mismo tiempo que avanza hacia un nuevo ‘híbrido’ con visión de futuro, particularmente interiores, que se pueden crear a partir de fragmentos de dibujos e imágenes.

“Como resultado, los espectadores pueden pasar de ser observadores distantes a ser participantes”.

Liminal Beijing, por He Zhe, James Shen y Zang Feng de People’s Architecture Office , 2022

“La instalación de Liminal Beijing, creada por People’s Architecture Office, conecta la ciudad de Beijing en diferentes tiempos y espacios. Presenta un nudo de tubos radiantes, sinuosos y giratorios que pueden interpretarse como tubos neumáticos que transportaban documentos en el siglo XIX o los hyperloops desarrollados hoy, que representan el vínculo entre el futuro y el pasado.

“La vida moderna no sería posible sin el sistema oculto de conductos que suministran calefacción, refrigeración y aire limpio. Los conductos de aire en Liminal Beijing se hacen visibles para que puedan ser explorados y ocupados, y se presentan como fragmentos perdidos de espacio y tiempo”.

Astro Balloon 1969 Revisited x Feedback Space, 2008, de Wolf D Prix de Coop Himmelb(l)au , edición 2022

“Esta instalación se realizó combinando dos de las obras anteriores de Coop Himmelb(l)au: Heart Space – Astro Balloon en 1969 y Feedback Vibration City en 1971, que se mostraron por primera vez de esta forma en la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2008 .

“La instalación resultante es un espacio flotante reflectante, semitransparente y parecido a una nube que traduce los latidos del corazón de los visitantes en una instalación de iluminación.

“A lo largo de su actividad, Coop Himmelb(l)au ha presentado numerosos prototipos ‘arquitectónicos’ futuristas de viviendas que responden a las sensibilidades y actividades de sus habitantes”.

Beijing en la imaginación, por Wang Zigeng, 2023

“El arquitecto chino Wang Zigeng ilustra dos modelos de ciudad que se basaron en imágenes visuales de mandalas en el piso y el techo del espacio de exposición, expresando la tensión entre la ciudad ideal y el caos del mundo real, una realidad paralela tanto del presente como del presente. el futuro.

“Él cree que Beijing es la encarnación de cosmologías antiguas y un prototipo de ciudad ideal a través de la ritualización del espacio urbano: el establecimiento de un orden político y moral como una correspondencia altamente metafórica entre el comportamiento humano y la naturaleza”.

Pao: Una morada para mujeres nómadas de Tokio II, de Toyo Ito , edición Beijing 2022

“Esta instalación explora lo que significa vivir para los habitantes de las ciudades en una sociedad consumista. Incluso hoy en día, la mitad de la población que vive en Tokio vive sola y lo único que se necesita es tener un lugar para dormir. Pao es una estructura ligera y temporal que puede disolverse en el bullicio de la metrópoli.

“Esta es una nueva edición del trabajo anterior de Toyo Ito, Pao: A Dwelling for Tokyo Nomad Women. Al recrear la instalación en Beijing mientras se sale de una pandemia global, Ito espera brindar un espacio para que los visitantes reflexionen sobre el consumismo excesivo que ha seguido dominando el presente”.

La fotografía es de Zhu Yumeng a menos que se indique lo contrario.

Blueprint Beijing se exhibirá en la Sección de Arquitectura de la Bienal de Beijing 2022 en M WOODS Hutong en Beijing hasta el 12 de marzo de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

El estudio de arquitectura MEE Studio ha diseñado los interiores y los muebles de madera a medida para una cafetería y boutique en la galería de arte Nikolaj Kunsthal dentro de una antigua iglesia .

La galería administrada por el municipio, ubicada en una iglesia desconsagrada en el centro de Copenhague, pidió a MEE Studio que diseñara un espacio “animado y funcional”.

Antes de diseñar los espacios interiores, que cuentan con materiales cálidos y táctiles como el cobre y la madera, primero hubo que restaurar las habitaciones de Nikolaj Kunsthal .

“Los espacios se han utilizado para diversos fines desde la década de 1980, incluidas instalaciones artísticas y otros usos cambiantes”, dijo a Dezeen el fundador de MEE Studio, Morten Emil Engel.

“Esto ha dejado los espacios con restos de cableado eléctrico ad hoc, arcos tapiados, ventanas bloqueadas e iluminación arbitraria. Además, no había suministro de agua ni plomería en los espacios que ahora tiene el café”.

El estudio restableció las grandes aberturas de puertas y ventanas del espacio y reemplazó la antigua pintura acrílica por pintura transpirable a base de cal, al tiempo que añadió yeso acústico para mejorar la acústica de los espacios.

En el centro de la cafetería, Engel creó una barra larga que también funciona como taquilla y está hecha de madera maciza de roble.

También se utilizó madera para todos los demás muebles, incluidos bancos, mesas y estanterías escultóricas, que Engel diseñó específicamente para el proyecto utilizando roble europeo procedente de silvicultura sostenible.

“Quería que los bancos hicieran referencia a los bancos de la iglesia, un poco gruesos y pesados”, dijo. “La arquitectura de la iglesia es muy robusta y la torre de la iglesia tiene paredes de dos metros de espesor. Así que los muebles tenían que tener algo de sustancia”.

Engel también intentó dar a las piezas una sensación contemporánea fusionando su “aspecto pesado” con elementos más contemporáneos.

“Todos los muebles tienen carpintería vista y tectónica en roble ahumado, lo que permite al usuario ver cómo están fabricados y ensamblados”, dijo.

“Agregué algunas incrustaciones decorativas en la barra del bar y en los estantes de la boutique. Las incrustaciones se utilizaban tradicionalmente como forma de reparar la madera y quería simbolizar que la reparación puede ser hermosa y sostenible”, añadió.

“De esta manera, se envía el mensaje de que los muebles deben tener una larga vida y ser reparados si envejecen”.

Las paredes blancas de la cafetería y la tienda contrastaban no sólo con el cobre y la madera, sino también con una tela roja burdeos diseñada por el diseñador de moda Raf Simons para Kvadrat , que se utilizó para los cojines y respaldos de los sofás y sillas.

El color fue un guiño a algunos de los colores originales del espacio, pero también podría ayudar a disimular los derrames de vino tinto en la cafetería.

“La madera de roble ya se utilizaba en toda la iglesia, por lo que parecía natural utilizar roble como material”, explicó Engel.

“También estaba la pintura roja burdeos que se usó originalmente para algunas carpinterías, por ejemplo, las escaleras de la torre y el techo de lo que ahora es el café”, añadió.

“Por eso parece natural trabajar con una interpretación del rojo burdeos para el color de los cojines. Combiné el rojo burdeos con un fantástico textil de Kvadrat diseñado por Raf Simons y funcionó para aportar vitalidad, pero también como color práctico en una cafetería donde se sirve vino tinto”.

Además de los muebles hechos a medida, el espacio también se decoró con obras de arte cuidadosamente seleccionadas que tienen vínculos con la ciudad de Copenhague.

“Mercury (calcetines) es una fotografía del famoso dúo de artistas danés-noruego Elmgreen Dragset de una serie de esculturas clásicas del mundialmente famoso escultor danés Bertel Thorvaldsen”, explicó Engel.

“El Museo Thorvaldsen se encuentra a sólo unos minutos de Nikolaj Kunsthal, por lo que la obra se relaciona tanto con el arte del siglo XIX como con el arte contemporáneo del siglo XXI, que es lo que se encuentra en Nikolaj Kunsthal”.

Otros proyectos de interiores recientes en Copenhague incluyen la sede de Space10, que cuenta con una biblioteca de diseño tipo quiosco , y el diseño de cafetería y tienda para Designmuseum Denmark de OEO Studio .

La fotografía es de Paolo Galgani .

El estudio de diseño espacial surcoreano WGNB ha completado una tienda insignia para la marca de golf PXG en Seúl , que presenta una paleta de materiales acromáticos y una pared cubierta de grafito que deja manchas en la ropa de los visitantes.

La tienda está ubicada en el distrito Gangnam de Seúl y fue diseñada por WGNB para hacer referencia al grafito utilizado para producir los palos de golf de PXG .

“En lugar de simplemente aplicar el material a cada plano, estudiamos las características del grafito en sí”, dijo el estudio a Dezeen.

“Es más ligero de lo que parece y es un alótropo del carbono , como el diamante. El grafito transmite calma y humildad. Y, lo más importante, se emborrona”.

WGNB interpretó estas características en las formas minimalistas y los materiales elegidos para las superficies internas y los muebles expositores de la tienda.

En las entradas, los visitantes son recibidos por un bloque de grafito diseñado escultóricamente y una pared cubierta con garabatos de grafito que se transferirán a las manos y la ropa al contacto.

Una serie de volúmenes ortogonales están suspendidos del techo en toda la tienda para definir varias áreas dentro del espacio abierto e incorporar rieles suspendidos para colgar ropa.

Fabricados con listones de acero con recubrimiento en polvo, los volúmenes ayudan a crear una sensación de ligereza y flotabilidad dentro del interior que se ve reforzada aún más por la unidad de exhibición en voladizo en el centro de la tienda.

En el destacado muro multimedia de la tienda se muestra una animación abstracta que se relaciona con el lenguaje visual de la tienda en lugar de imágenes comerciales.

El resumen del proyecto pedía un interior negro acorde con la identidad visual de PXG. En lugar de crear un interior monocromático en blanco y negro, WGNB desarrolló un diseño acromático utilizando tonos de negro y gris.

“Mientras que los materiales monocromáticos se limitan a tonos y matices similares, un esquema acromático descarta el color por completo, dejando solo la materialidad”, dijo el estudio.

“Utilizamos varios materiales acromáticos con texturas y materialidad únicas, creyendo que enfatizarían la idea de arrojar luz sobre la esencia del material”.

La paleta de materiales limitada incluye un acabado de microcemento que se aplicó a paredes y pisos. Estas superficies texturizadas se complementan con pisos de madera, que también se utilizan en algunas de las paredes.

La escalera que conduce al entrepiso está acabada en mármol y acero laminado en frío, mientras que en el piso de arriba, una alfombra gris y muebles tapizados aportan suavidad al espacio.

PXG se acercó a WGNB para diseñar su tienda insignia después de ver algunos de los proyectos anteriores del estudio, incluida la tienda completamente negra que creó para la marca de moda Juun.J en Seúl.

El estudio de diseño espacial se estableció en 2015 y fue nombrado estudio de diseño de interiores emergente del año en los Premios Dezeen 2021 , y los jueces elogiaron su “enfoque interesante y diferente del diseño minorista”.

La fotografía es de Yongjoon Choi .

Un equipo de arquitectos y diseñadores ha combinado el comercio minorista con una instalación de patinetas para la tienda insignia de la marca de ropa Supreme en Los Ángeles, ubicada en el edificio que alguna vez fue el hogar de la icónica tienda de discos Tower Records.

El diseño general de la tienda de 8,500 pies cuadrados (790 metros cuadrados) se llevó a cabo gracias a la colaboración de los estudios de interiores de Londres Brinkworth y The Wilson Brothers , y el arquitecto neoyorquino Neil Logan , con el estudio local RADAR como arquitecto ejecutivo.

Supreme , una marca de ropa urbana de Manhattan dirigida a patinadores, colaboró ​​con Steve Badgett de SIMPARCH , una colaboración de Nuevo México, para crear un skate bowl totalmente flotante.

SIMPARCH construyó previamente cuatro patines para Supreme, incluido un pequeño patín con forma de maní en la tienda anterior de Los Ángeles en 2004.

“Teníamos un área mucho más grande para trabajar en esta ubicación, por lo que el proceso de diseño con el círculo de patinadores de piscina experimentados de Supreme tomó más tiempo para concretar la forma final”, dijo Badgett a Dezeen.

El patín de madera esculpido en forma de trébol tiene tres profundidades y una superficie pálida bordeada por un borde más oscuro.

“Los cuatro tazones anteriores que construimos para Supreme fueron desafíos considerables, pero éste era un animal completamente diferente con su mayor tamaño y complejidad estructural”, dijo Badgett.

“Nuestro ingeniero, Paul Endres, descubrió cómo eliminar las columnas en cualquier lugar cerca del cuenco para que colgaran de la estructura de la plataforma. Pudo hacerlo sin comprometer la estética esbelta, fluida y que queríamos, y permite que la forma orgánica del cuenco se adapte a sus necesidades. ser visto sin obstáculos”, continuó.

Ubicada en el sitio de la antigua tienda de la costa oeste de Tower Record, la tienda blanca de una sola planta luce un logotipo rojo en bloques en el panel publicitario renovado.

“Fue un gran honor cuidar con cariño la estructura histórica de Tower Records y al mismo tiempo levantar literalmente el techo para dar cabida al enorme patín levitante”, dijo el fundador de Brinkworth, Adam Brinkworth.

“El sitio ha pasado de ser la tienda de discos más grande del mundo a ser el Supreme más grande del mundo”.

Las ventanas del escaparate entre columnas triangulares envuelven la esquina de la calle, convirtiendo el piso de ventas en una vitrina.

En el interior, las vigas de acero levantan el techo original y abren el espacio con tragaluces para un interior iluminado. La luz rebota en el fondo elevado de madera del patín, que se cierne al otro lado de la tienda.

Se instaló una pared de metal alrededor del cuenco para producir un reflejo borroso de los patinadores. La pared también presenta una obra de arte irregular de un agujero negro de Nate Lowman .

En el piso principal, percheros para ropa y exhibidores de productos se envuelven alrededor de dos paredes. Se colocaron bancos de arenisca sobre el piso de concreto pulido para hacer referencia a un lugar para patinar en Los Ángeles llamado Santa Monica Sand Gaps.

La paleta de materiales reservados en blanco y gris remite a las instalaciones artísticas en cuanto a color y textura. Un auto de F1 de tamaño completo de Mark Gonzales estaba estacionado en el centro de la habitación, y un colorido mural de la parca de Josh Smith está desplegado en una pared.

El concepto de patinar en la tienda se ha convertido en una firma de Supreme, que trabaja con otros arquitectos para instalar la característica en lugares de todo el país, como la plataforma sobre pilotes de la tienda de Brooklyn diseñada por Neil Logan Architect y el cuenco reverberante elevado de SIMPARCH. en la renovada tienda de San Francisco.

Antes de la nueva apertura, la ubicación de Fairfax Avenue en Los Ángeles cerró a principios de este mes después de 19 años en el negocio.

La fotografía es de Blaine Davis .

Créditos del proyecto:

Arquitecto ejecutivo: RADAR
Arquitectura: Brinkworth, The Wilson Brothers, Neil Logan
Diseño: Steve Badgett de SIMPARCH
Ingeniería: Paul Endres
Ingeniería exterior y central: Murphy Burr Curry, Inc, Brandow Johnston y Rex
Fabricación: Steve Badget, Chris Vorhees, Clay Mahn
Modelado por ordenador: Peter Eng
Diseño de iluminación: Wolcott / Scott Johnson

Designmuseum Denmark ha analizado cómo el diseño puede dar forma al futuro a través de su exposición The Future is Present , que presenta proyectos que incluyen una lámpara de araña tubular hecha de intestinos de vaca.

Presentada en el recientemente renovado Designmuseum de Copenhague , la exposición muestra una variedad de obras “especulativas y sugerentes” que examinan cuatro temas titulados Humano, Sociedad, Planeta+ e Imaginar el futuro.

“El diseño es en gran medida una profesión con visión de futuro”, afirmó la curadora de la exposición Pernille Stockmarr . “Se trata de transformar lo existente en algo mejor, y lo que hacemos en el presente crea el futuro”.

“Al vivir en una época con grandes desafíos globales, esta exposición quiere invitar a la gente a ver y reflexionar sobre los diferentes potenciales del diseño en esta transformación y animarlos a pensar en qué tipo de futuro queremos”, dijo a Dezeen.

Entre las piezas expuestas se encuentra Inside Out, una lámpara estilo candelabro hecha con 100 metros de intestinos de vaca anudados extraídos de ocho vacas. La diseñadora Kathrine Barbro Bendixen tenía como objetivo explorar cómo se pueden utilizar los subproductos para repensar los patrones de consumo de materiales.

La marca de moda con sede en las Islas Feroe Guðrun Guðrun creó Vindur, un vestido con volantes y mangas acampanadas exageradas hecho de seda tejida e hilo de leche tejido a máquina procedente de residuos de producción láctea.

La marca trabajó con las diseñadoras textiles Amalie Ege y Charlotte Christensen y Lifestyle Design Clusters para crear la prenda, que se confeccionó utilizando una “técnica tradicional utilizada durante el período de entreguerras, cuando los recursos escaseaban y los residuos se transformaban en valor”, según al Museo del Diseño.

Más obras conceptuales incluyen Beyond Life, una colección de urnas de espuma de papel biodegradable de la diseñadora Pia Galschiødt Bentzen con colgantes desmontables que contienen semillas que se pueden cultivar.

“Beyond Life une la muerte, la pérdida y el recuerdo con la conciencia de que los humanos somos parte del interminable círculo de la vida de la naturaleza”, dijo Stockmarr.

También se exhibe Library of Change, un “mapa” de tarjetas colgantes de lámina acrílica que muestran las tendencias y tecnologías actuales, con preguntas para los visitantes como “¿dejarías la ciudad para tener una mejor conexión?”

Stockmarr explicó que la exposición tiene como objetivo comunicar “la amplitud del diseño” al incluir obras que varían en escala, propósito y medio.

“Su capacidad para inspirar, iniciar conversaciones y hacer reflexionar a los visitantes era una prioridad”, afirmó.

“No quería que las obras fueran soluciones demasiado definidas para el futuro, visiones extremas de ciencia ficción, utopías o distopías, sino obras exploratorias. Algunos son proyectos de investigación colaborativos y otros brindan previsión sobre métodos de diseño, artesanías y experimentos creativos”.

Además de los diversos proyectos de la exposición, también se exhiben objetos del propio archivo del Designmuseum que resaltan ideas pasadas para el futuro.

Uno de estos diseños es el vehículo de tres ruedas Ellert, el primer coche eléctrico de Dinamarca desarrollado en los años 80 por el ingeniero Steen Volmer Jensen.

El estudio local Spacon X creó el diseño de la exposición de The Future is Present con el objetivo de reflejar sus temas.

El estudio delineó las distintas zonas de la exposición utilizando divisores modulares de bioplástico que serpentean por el espacio de exposición y trabajó con materiales naturales, incluida la hierba marina, que se utilizó para crear alfombras acústicas para controlar el ruido en el museo.

Los objetos están dispuestos sobre mesas y pedestales personalizados hechos en colaboración con el fabricante de materiales sostenibles Søuld , mientras que Natural Material Studio creó un diván de micelio para el espectáculo.

Stockmarr explicó que la exposición pretende ser un llamado a la acción y capacitar a las personas para que reflexionen sobre sus roles individuales a la hora de determinar el futuro del diseño.

“Al hacer más preguntas que dar respuestas, la exposición quiere inspirar a los visitantes”, reflexionó el comisario.

“La exposición reconoce que no somos sólo los diseñadores, arquitectos, artesanos y expertos, sino todos nosotros quienes participamos en la configuración y el diseño del futuro mediante las preguntas que hacemos y las elecciones y acciones que tomamos hoy”.

Exposiciones recientes similares que exploraron el impacto climático de los materiales incluyen una exposición en la Feria del Mueble de Estocolmo que visualizó las emisiones de carbono de materiales comunes como el hormigón y The Waste Age , una exposición de Londres que abordó cómo el diseño ha contribuido al surgimiento de la cultura del descarte.

The Future is Present se exhibe en Designmuseum Denmark del 19 de junio de 2022 al 1 de junio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.