El estudio de diseño Isern Serra ha transformado una imagen generada por ordenador del artista digital Six N Five en un espacio comercial de color rosa para el Museo Moco de Barcelona .
Situado en el barrio del Born de Barcelona, el Museo Moco exhibe exclusivamente obras de artistas modernos como Damien Hirst , Kaws , Yayoi Kusama y Jeff Koons .
La tienda conceptual homónima de la institución tiene una oferta igualmente contemporánea y vende una combinación de productos de diseño, moda y estilo de vida.
Su interior rosa surrealista comenzó como una imagen generada por computadora por Six N Five , un artista digital conocido por imaginar paisajes oníricos de otro mundo en tonos pastel.
Luego, el estudio de diseño con sede en Barcelona Isern Serra dio vida a la imagen, utilizando microcemento rosa para lograr las mismas superficies uniformes y ultralisas que se ven en el dibujo.
“La Moco Concept Store representó un desafío interesante, ya que tuve que combinar el propósito de la tienda con la arquitectura real, permaneciendo fiel a nuestro mundo de ensueño original que había construido en CGI”, explicó Six N Five, cuyo nombre real es Ezequiel Pini.
“Pero estos conceptos supieron ir un paso más allá, tanto en decisiones como en ejecución, gracias a Isern Serra que aportó su extraordinario talento y experiencia”.
El interior rosado de la tienda se puede ver a través de dos grandes aberturas en su fachada: una de ellas es rectangular, mientras que la otra es ligeramente curva y contiene la puerta de entrada.
Una serie de columnas gruesas atraviesan el centro del espacio. Las paredes circundantes han sido perforadas con nichos de exhibición arqueados, cuadrados y circulares, algunos de los cuales están espectacularmente retroiluminados.
También se han hecho filas de estantes y un marco para una pantalla de televisión que sobresalen de la pared.
El plano de planta en gran parte abierto de la tienda solo se ve interrumpido por unos pocos pedestales cilíndricos de color rosa que se utilizan para exhibir productos y un mostrador de caja rosa hecho a medida con un sistema informático integrado.
Se instalaron focos personalizados en el techo, junto con un tragaluz falso.
Un número cada vez mayor de creativos están haciendo realidad sus diseños virtuales.
El año pasado, el artista digital Andrés Reisinger colaboró con la marca de muebles Moooi para producir una versión física de su famosa silla Hortensia en Instagram , que inicialmente era una representación.
La pieza está cubierta con 20.000 pétalos de tela rosa, emulando la apariencia casi esponjosa de una flor de hortensia.
En Suecia, el diseñador Christoffer Jansson hizo pasar un apartamento virtual por un proyecto de renovación de su hogar en Instagram .
La fotografía es de Salva López .
Créditos del proyecto:
Autores: Six N Five e Isern Serra Constructor: Tegola Rosso SL
El arquitecto India Mahdavi ha actualizado seis habitaciones de la Villa Medici del siglo XVI en Roma para presentar una variedad de muebles coloridos y contemporáneos.
La intervención forma parte de un proyecto de tres años llamado Re-enchanting Villa Medici , que se lanzó en 2022 para amplificar la presencia del diseño y la artesanía contemporáneos dentro del palacio renacentista.
Mientras que en la primera fase del proyecto la marca de moda Fendi renovó los salones de Villa Medici , se le pidió a Mahdavi que renovara las habitaciones en el piano nobile o “nivel noble” del edificio, donde se encuentran la recepción principal y los dormitorios.
Trabajó en un total de seis espacios, incluida la Cámara de los Elementos, la Cámara de las Musas y la Cámara de los Amantes de Júpiter, que una vez sirvió como apartamento del Cardenal Ferdinando de Medici.
Las otras tres habitaciones, denominadas Debussy, Galileo y Lili Boulanger, se utilizaban antiguamente como habitaciones para huéspedes.
En la Cámara de las Musas, rematada con un espectacular artesonado, Mahdavi insertó ediciones verde mar de su taburete Bishop junto a una enorme alfombra tejida a mano del taller francés Manufacture d’Aubusson Robert Four .
Su diseño geométrico presenta formas verdes, violetas, rojas y rosadas, que recuerdan los parterres de flores que aparecen en los extensos jardines de la villa.
Sólo se hicieron modificaciones sutiles en la Cámara de los Elementos y la Cámara de los Amantes de Júpiter, donde Mahdavi reubicó una cama existente para apoyarla contra un amplio tapiz de pared.
Algunas de las sillas aquí también fueron tapizadas con terciopelo en tono frambuesa.
Un grupo de sofás y sillones de color amarillo brillante procedentes de la agencia de conservación francesa Mobilier National se incorporó a la sala Lili Boulanger, que lleva el nombre de la primera compositora que se instaló en la villa.
Los muebles se asientan sobre una alfombra rosa rubor del fabricante francés La Manufacture Coglin y van acompañados de mesas octogonales diseñadas por Mahdavi.
Se añadió una cama con dosel de estilo renacentista a la habitación que lleva el nombre del astrónomo Galileo Galilei, quien supuestamente visitó Villa Medici dos veces en su vida.
La base de madera escalonada y la cabecera de la cama tenían incrustaciones de marquetería gráfica en tonos bayas del ebanista Craman Lagarde . El patrón, que también aparece en las cortinas que rodean la cama, se inspira en el diseño del suelo de la villa.
Se puede ver una cama similar en la habitación que lleva el nombre del compositor francés Claude Debussy. Pero esta vez, la marquetería realizada por el fabricante de muebles francés Pascal Michalon está ejecutada en colores más “acidos” que, según Mahdavi, le recordaban a la pieza para piano Clair de lune de Debussy.
Mahdavi ha prestado su distintiva estética rica en colores a varios lugares importantes. Ejemplos recientes incluyen el lujoso restaurante londinense Sketch, al que añadió muebles dorados y de color amarillo sol .
El estudio de interiores australiano YSG ha actualizado una casa de vacaciones en el suburbio de Palm Beach de Sydney , colocándola en capas con una mezcla maximalista de colores, patrones y texturas.
La casa de 400 metros cuadrados pertenece a una familia joven que quería un lugar donde escaparse durante las vacaciones y al mismo tiempo ofrecer espacio para trabajar a distancia.
Los muebles originales de la casa se incluyeron en la venta, pero los clientes no estaban muy entusiasmados con la paleta de colores náuticos, las conchas marinas y los modelos de yates.
“Las características erosionadas y los clichés costeros, entre otras cosas, disuadieron sus visitas”, dijo Yasmine Ghoniem, fundadora y directora de YSG .
YSG se inspiró en los rústicos clubes de playa de Ibiza y Cancún para la renovación, con un toque de refinamiento de la Riviera francesa para crear “un ambiente palpablemente divertido para el entretenimiento”.
La casa fue renovada por completo, con tablas del piso desgastadas lijadas para revelar detalles de madera más cálidos, mientras que las ventanas y puertas fueron reemplazadas por versiones más delgadas.
En la terraza acristalada, se quitaron los paneles machihembrados para una apariencia más contemporánea, mientras que se quitó una pared con espejos porque causaba que la habitación se sobrecalentara.
Un nuevo suelo de mármol teñido de rosa se extiende hasta la altura del zócalo, amplificando la sensación de espacio y ayudando a mantener la habitación fresca. En la cocina, YSG añadió una isla de piedra “que recuerda los tonos sombríos de un tequila recién servido al amanecer”.
La pareja también pidió una segunda suite principal, para que cada uno pudiera tener su propio retiro mientras trabajaba de forma remota.
“Diseñamos escritorios integrados de mármol y madera, permitiendo a ambos trabajar simultáneamente de forma privada desde sus habitaciones mientras disfrutan de las vistas desde el nivel superior”, dijo Ghoniem.
Para las áreas exteriores más importantes, que rodean la casa en cada nivel, YSG proporcionó una renovación de materiales al eliminar el viejo y pesado pavimento y la madera gris desgastada que distraía la atención de las vistas.
El área de la piscina ahora presenta un patrón de tablero de ajedrez de adoquines de mármol caídos, mientras que los azulejos de la piscina de color azul oscuro fueron reemplazados por un acabado más claro y los postes cromados de la cerca fueron recubiertos con pintura en polvo en un tono blanco suave para evitar reflejos deslumbrantes.
YSG añadió una pintura divertida en la sala de estar que actuó como punto de partida para todo el esquema interior de la casa, incluida la paleta de colores de ocres, amarillos y rojos.
Sus motivos, como palmeras y frutas, se repiten por toda la casa a través de estampados y cojines, además de estar pintados a mano en paredes y puertas.
Incluso el borde superior a cuadros de la pintura continúa como una línea de referencia pintada a mano a lo largo de la sala de estar para animar las paredes que de otro modo serían sencillas.
Ghoniem también repitió el mismo dispositivo en el costado del escalón elevado que conduce al comedor, “reconociendo artísticamente un peligro de tropiezo”.
En la terraza acristalada, los remolinos pintados a mano suavizan las vigas, mientras que en uno de los dormitorios principales, las líneas rojas verticales de una pintura desnuda continuaban juguetonamente en la pared sobre la obra de arte.
La rica paleta de materiales presenta muchos tipos de mármol, incluidos Giallo, Toledo y Tiberio, junto con travertino pulido y paredes lavadas a la francesa, mientras que los textiles incluyen lino y seda de kimono.
YSG ha completado una serie de proyectos en Sydney, incluida otra casa en un suburbio costero con acabados táctiles y un ático para un par de personas con nidos vacíos .
El estudio de diseño Nina+Co ha utilizado materiales basados en los ingredientes utilizados en productos naturales para el cuidado de la piel para la primera tienda de Big Beauty en Hackney, Londres .
Para su primer espacio comercial, la fundadora de Big Beauty, Lisa Targett Bolding, quería crear un espacio que fuera una extensión del espíritu de la marca. Trabajó en estrecha colaboración con Nina+Co , que optó por incorporar materiales de desecho y biomateriales como el micelio en el diseño.
Según la fundadora de Nina+Co, Nina Woodcroft, cada elección de material tenía como objetivo minimizar los residuos o reactivar los productos de desecho.
“Lisa estaba decidida a traspasar los límites del uso de materiales y la circularidad y está dispuesta a correr riesgos, lo cual es necesario cuando se experimenta con materiales y procesos nuevos”, dijo a Dezeen.
“Hay muchos materiales y soluciones excelentes que necesitamos desesperadamente para generalizarlos, pero hacerlos comercialmente viables puede ser un proceso lento y largo”, continuó.
“El objetivo de Nina+Co es cerrar esta brecha, mostrar cuán bellos y útiles pueden ser estos materiales y procesos, y trabajar para cambiar las actitudes hacia los residuos y considerar el final de su uso”.
Los bordes de piedra en bruto, el patinado del metal y los tonos terrosos se combinaron con formas redondeadas, suaves y de gran tamaño para crear un efecto calmante en todo el espacio donde, además del área comercial, hay una sala de tratamiento privada para masajes y tratamientos faciales.
El espacio principal fue diseñado para ser flexible y albergar eventos, con asientos dispuestos alrededor de una gran mesa de piedra de travertino , que se obtuvo en un 50 por ciento de materiales rescatados y en un 50 por ciento de recortes.
El travertino utilizado para la mesa central se mantuvo en las grandes losas en las que se encontró, con una forma mínima en algunos bordes, en un intento por reducir el desperdicio y conservar la integridad para futuras aplicaciones.
Además de la piedra natural recuperada, Nina+Co utilizó bloques de corcho expandido a los que se les dio forma de unidades de almacenamiento y acero recuperado , que se transformó en estanterías.
Muchos de los materiales elegidos se basaron en los minerales e ingredientes utilizados en el cuidado natural de la piel, como arcilla, algas y extractos de hongos.
Se cultivó micelio para formar pedestales y patas utilizando la especie reishi. El hongo reishi y la arcilla también se utilizaron para pigmentar cortinas de un biotextil de algas, que tienen pequeñas burbujas de aire atrapadas que parecen espuma de mar o burbujas de baño.
El biotextil de algas, junto con la tela de cáñamo , se colgó como telón de fondo para el escaparate que da sombra al interior.
Cuando se le preguntó sobre los desafíos de trabajar con micelio, Woodcroft dijo que “cada proyecto tiene sus contratiempos. El micelio necesita condiciones precisas para crecer y es difícil evitar la contaminación sin instalaciones de laboratorio serias”.
“Inoculamos desechos orgánicos con esporas de hongos, luego el hongo digiere el sustrato y se une con pequeños hilos de hifas en una forma homogénea dentro de un molde; cuando se seca suavemente, el micelio se vuelve inerte y nos quedan muebles orgánicos y fuertes que, en última instancia, son compostables”, explicó.
“Hay mucho más por explorar con micelio y tengo la intención de hacerlo”.
También como parte de la renovación, el estudio eliminó el piso de madera existente y la base, que se vendieron localmente y las ganancias se destinaron a organizaciones benéficas.
Luego, el concreto gris debajo se tiñó de un marrón más cálido usando sulfato de hierro, un fertilizante de césped común. Para la cocina y el baño se utilizaron baldosas de corcho con un acabado de cera dura natural. Las paredes y el techo se recubrieron con una pintura a la cal a base de arcilla, minerales y pigmentos naturales.
Según Woodcroft, cada área de la tienda cuenta una historia de exploración y experimentación de materiales.
El espacio ofrece, como dice la marca, “un sentido de procedencia, conexión y reverencia” por los componentes naturales de los productos para el cuidado de la piel en los estantes.
La fundadora de Big Beauty, Lisa Targett Bolding, dijo a Dezeen: “Nina se preocupa profundamente por la sostenibilidad y esa pasión se muestra en cada centímetro de la tienda. No hemos tenido una sola persona que haya entrado sin comentar sobre la energía del espacio, solo para profundizar su obsesión una vez que escuchan la historia detrás de cada pieza, cada fabricante y cada material”.
“Nuestro objetivo es reducir el desperdicio en la industria de la belleza y, para lograrlo, cambiar el comportamiento del consumidor, es necesario inspirar a la gente, no regañarla. Eso es lo que ha conseguido este espacio (y Nina). Estamos haciendo que la sostenibilidad sea sexy y todos se sientan muy bien consigo mismos y comprando con la conciencia tranquila una vez que se sumergen en este espacio”, continuó.
Nina+Co tiene experiencia previa trabajando con materiales antiguos y pioneros como micelio de hongos, algas y bioplásticos . El estudio de diseño trabajó en el acondicionamiento de Silo, un restaurante zero Waste en el suburbio londinense de Hackney Wick, y más recientemente en la tienda de gafas MONC también en la capital británica .
Un trampolín de tres niveles se encuentra junto a una palmera metálica dentro de esta tienda temporal que el diseñador Willo Perron ha creado para la marca de lencería SKIMS de Kim Kardashian en Londres.
El primer espacio comercial físico de la marca en el Reino Unido, en los grandes almacenes Selfridges de Londres, sigue la misma fórmula que su tienda debut en París . Aquí, las superficies estaban revestidas con paneles de plástico brillante con suaves curvas termoformadas para sugerir la forma del cuerpo humano.
Pero para esta ventana emergente temporal de verano, Perron abandonó la paleta de colores carnosos típica de la marca en favor de un tono azul pálido que recuerda a una piscina con mucho cloro.
Los paneles de plástico resultantes son tan brillantes que parecen casi mojados, ya que forman todo, desde marcos de espejos y bancos hasta paneles de pared y el mostrador monolítico de caja registradora de la tienda, que tiene grabado el logotipo de SKIMS .
En el corazón de la tienda se encuentra una enorme réplica de un trampolín de tres niveles, con una base escalonada y trampolines formados con trozos del mismo plástico azul celeste.
Los tubos de cromo brillante actúan como pasamanos y se repiten en toda la tienda en forma de particiones cuadriculadas y rieles para ropa, curvándose alrededor de las columnas de los grandes almacenes catalogados como Grado II.
Para completar el ambiente junto a la piscina, se encuentra una escultura de palmera de metal a juego, integrada en el largo banco que recorre el frente de la tienda.
Para exhibir pilas de toallas SKIMS de color nude enrolladas, Perron también agregó dos plataformas independientes más pequeñas con los mismos escalones y pasamanos cromados que la plataforma de buceo, pero sin los trampolines.
La tienda, que ocupará el espacio emergente de la planta baja de Selfridges, The Corner Shop, hasta el 8 de julio de 2023, ofrecerá la colección principal de trajes de baño y bikinis de la marca, junto con ediciones limitadas y combinaciones de colores de temporada.
Los clientes también podrán comprar helado a juego con su traje de baño, almacenado en congeladores de color azul celeste, cortesía de la empresa londinense de helados Chin Chin Labs .
“Estoy encantado de traer SKIMS Swim a Londres por primera vez y hacerme cargo de The Corner Shop en Selfridges con nuestra experiencia emergente más conceptual hasta la fecha”, dijo la cofundadora y directora creativa de SKIMS, Kim Kardashian.
“Tenemos seguidores en todo el mundo”, añadió. “A medida que entramos en la siguiente fase del comercio minorista de SKIMS, espero conectarme con estos clientes a través de experiencias de compra innovadoras a escala global”.
Regresando por segundo año, la oferta de trajes de baño de SKIMS está orientada a brindar varios niveles de cobertura para diferentes tipos de cuerpo y requisitos de modestia.
Esta es una extensión del impulso de la marca para crear ropa interior y modeladoras inclusivas que funcionen para personas de diferentes tamaños y habilidades, luego del lanzamiento de su Colección Adaptativa el año pasado .
Durante los próximos tres años, la marca planea abrir una lista de tiendas independientes en todo el Reino Unido y la UE.
Esculturas en forma de silla y una linterna de papel en forma de donut se encontraban entre los objetos exhibidos dentro de un apartamento de Copenhague durante los 3 Días de Diseño .
Yoonede –derivada de la palabra “unidad”– fue una exposición colectiva que presentó el trabajo de 20 artistas, diseñadores y marcas.
La idea detrás de la exposición era promover la colaboración, mostrando el trabajo de todos juntos. Algunos diseñadores también formaron equipo con otros participantes en sus exposiciones.
Se exhibieron objetos en las habitaciones y el patio de un apartamento en Gammel Mønt, una calle en el corazón de la capital danesa.
Line Øhlenschlæger , uno de los tres fundadores de Yoonede, dijo a Dezeen: “La única estipulación que hicimos a los artistas, diseñadores y marcas involucradas fue que debían estar dispuestos a combinarse con otros que pueden estar o no en el mismo nivel”.
“Normalmente, cuando haces una exposición colectiva, tienes un diseñador en una esquina y un diseñador en otra esquina, pero la idea aquí era unir a todos”, dijo.
Øhlenschlæger, que trabaja como director de arte, organizó la exposición en colaboración con la diseñadora de productos Sofie Østerby y la arquitecta de interiores Maaria Repo .
El trío, que son antiguos colegas, llevaba mucho tiempo queriendo trabajar juntos en una exposición y decidieron invitar a unirse a otros creativos a los que admiraban.
Solo esperaban que unos pocos dijeran que sí, por lo que se sorprendieron al ver que la lista llegaba a 20 participantes.
La contribución de Øhlenschlæger a la exposición es una serie de mesas circulares, sostenidas por volúmenes de tres puntas hechos de acero o aluminio.
Østerby creó una mesa de centro escultórica utilizando wengué, una madera dura africana, mientras que Repo exhibió un cuenco con un distintivo acabado de esmalte veteado.
MBADV , una colaboración continua entre las diseñadoras Maria Brunn y Anne Dorthe Vesyter, estuvo detrás de las esculturas en forma de silla, una de roble y la otra de piedra.
La linterna de papel, de la diseñadora de iluminación Laura Fiig , estaba suspendida sobre un banco realizado por Studio Oro con resina epoxi y travertino.
Los diseñadores Anne Brandhøj y Signe Fensholt combinaron habilidades en madera y cerámica para crear una serie de esculturas con forma de tótem, mientras que Atelier Madirazza presentó un gran espejo con marco de mármol.
El ebanista Antrei Hartikainen aportó una estantería esbelta y curvada, así como jarrones de vidrio soplado.
Otras piezas clave incluyeron una lámpara de araña minimalista de Kasper Kjeldgaard y un tejido de Bettina Nelson.
Las marcas expuestas incluyeron Kusiner , que presentó alfombras de lana, y la marca de audio danesa Iril , que mostró sus altavoces minimalistas.
La exposición continuó afuera, donde macetas de terracota de la marca tradicional Bergs Potter se encontraban junto a esculturas de la artista Josefine Winding .
Los fundadores planean ejecutar Yoonede como una plataforma de exhibición, para que pueda continuar más allá de este debut de 3 Días de Diseño.
“La exposición se basa en el deseo de reunir a los creativos, aprender de las diferencias de los demás y compartir la pasión por el diseño, el arte y los objetos”, dijo Østerby.
“Estamos mostrando un individualismo inspirador y al mismo tiempo permitimos que se destaque una cohesión fuerte y curada”, añadió Repo.
La fotografía es cortesía de Yoonede.
Yoonede estuvo en exhibición del 7 al 9 de junio de 2023 como parte de 3 Days of Design . Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener información, además de una lista de otros eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
El dúo de diseñadores Formafantasma ha presentado una exposición en el Museo Nacional de Noruega en Oslo sobre la historia y el futuro de la producción de lana , que presenta una túnica de 1.700 años y una alfombra hecha de fibras de desecho.
Andrea Trimarchi y Simone Farresin de Formafantasma crearon la exposición Oltre Terra , comisariada por Hannah Eide, para desentrañar la relación pasada y presente de la humanidad con las ovejas y, por extensión, la producción de lana.
La exposición presenta objetos de archivo y contemporáneos, incluidas réplicas a tamaño natural de siete razas diferentes de ovejas y herramientas para esquilar, dispuestos en un estilo diorama dentro de una sola galería en el museo nacional de Noruega.
Entre los primeros animales domesticados por los humanos, las ovejas fueron sacrificadas por primera vez por cazadores-recolectores hace unos 11.000 años.
Esto marcó el comienzo de una relación compleja, según Formafantasma.
“El Museo Nacional de Noruega [que encargó a Oltre Terra] estaba interesado en que hiciéramos un trabajo relacionado con la comunidad local de Oslo , porque la lana era un material extremadamente importante en la cultura noruega antes del desarrollo de la industria relacionada con el petróleo y agricultura”, dijeron Trimarchi y Farresin a Dezeen.
Oltre Terra tenía como objetivo combinar artefactos que normalmente se ven en museos de historia natural con otros que se exhiben más comúnmente en galerías de arte y diseño, con el fin de resaltar la interdependencia entre la evolución biológica y los procesos de producción.
Entre las piezas expuestas se encuentra una alfombra color crema de CC-Tapis hecha de cuatro fibras de lana diferentes extraídas de 12 razas de ovejas italianas.
Esta lana era un sobrante de la producción y normalmente se desechaba por su tosquedad, pero la alfombra pretende ilustrar cómo estas fibras más ásperas todavía se pueden utilizar para fabricar productos que no están en contacto directo con la piel.
También se exhibe una túnica de lana de 1.700 años de antigüedad, que se encontró conservada bajo una zona de hielo de una montaña a 200 millas al noroeste de Oslo en 2011, y velas de lana que se usaban en los barcos de la época vikinga.
En el centro de la instalación se encuentra un vídeo que Formafantasma creó con la artista Joanna Piotrowska . Llamada Tactile Afferents, la película se centra en el sentido del tacto y explora las formas en que los humanos han interactuado con las ovejas a lo largo del tiempo.
La exposición también presenta réplicas de ejemplos notables de la especie, como Shrek, la oveja merina de Nueva Zelanda que, como muchas otras, fue descubierta en la naturaleza con un pelaje demasiado grande en 2004 después de escapar de su rebaño doméstico seis años antes.
Este es un ejemplo de cuando las ovejas necesitan a los humanos, según Formafantasma.
“Muchas personas están en contra de la cría de animales, lo cual, cuando se trata de una cría intensiva, también nos parece extremadamente problemático”, afirman los diseñadores.
“Pero las ovejas en este momento no son como sus ancestros salvajes, los muflones: no pierden pelo de forma natural. Necesitan que los humanos los esquilen”.
El diseño de la exposición hace un guiño al concepto de diorama: modelos en miniatura o a gran escala que se encuentran en los museos, encerrados en vidrio y que normalmente muestran figuras tridimensionales.
Para Oltre Terra, el diorama se “explotó” en secciones y se dejó abierto, en lugar de cubierto con vidrio, para permitir a los visitantes sentirse más conectados con las piezas y cuestionar el límite entre el arte y la ciencia.
“Para nosotros, se trata de unificar narrativas y mostrar cómo se trata de ecologías complejas que deben mostrarse juntas”, dijeron Trimarchi y Farresin sobre la instalación.
“El objetivo de la exposición es explorar esta relación tan íntima pero intrincada entre humanos y animales, en la que los límites entre lo domador y lo domesticado se desvanecen”, continuaron los diseñadores.
Trimarchi y Farresin explicaron que uno de los objetivos generales de la exposición era promover la dependencia mutua y el respeto entre humanos y ovejas, especialmente en lo que respecta a las prácticas agrícolas.
“La relación entre humanos y ovejas es mucho más complicada y compleja”, agregaron.
“Al igual que con las relaciones humanas, hay relaciones abusivas y sólo hay relaciones y relaciones constructivas. Lo que estamos haciendo ahora [con el ganado] es, en algunos casos, extremadamente abusivo, pero eso no significa que las ovejas, los animales y los humanos no puedan vivir en un proceso de simbiosis”.
El espectáculo toma su nombre de la etimología de la palabra “trashumancia”, que está formada por la combinación de las palabras latinas trans (a través, ‘oltre’ en italiano) y humus (tierra, ‘terra’) y hace referencia a la práctica de migración del ganado de una zona de pastoreo a otra.
Fundada por Trimarchi y Farresin en 2009, Formafantasma ha presentado anteriormente otras muestras que investigan materiales, incluida una exposición sobre madera con la marca de muebles Artek que se celebró en el Museo del Diseño de Helsinki el año pasado. El estudio también rediseñó su sitio web para reducir las emisiones de dióxido de carbono.
La fotografía es de Ina Wesenberg .
Créditos del proyecto:
Equipo de Formafantasma: Sara Barilli, Alessandro Celli y Gregorio Gonella Comisaria: Hannah Eide
Oltre Terra se exhibirá en el Museo Nacional de Noruega del 26 de mayo al 1 de octubre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.
