La tienda más brillante de Boston presenta molduras de color verde pastel
Se recrean molduras arquitectónicas decorativas en verde pastel para enmarcar las aberturas de la tienda de Boston de la marca de cosméticos Glossier .
Diseñada por el equipo interno de la compañía, la ubicación permanente de Glossier Boston en la bulliciosa Newbury Street de la ciudad sigue a una ventana emergente en Seaport en 2019.
Para el espacio, los diseñadores se inspiraron en la arquitectura histórica local y en el estatus de Boston como centro de estudiantes universitarios, con la Universidad de Harvard y el MIT ubicados justo sobre el río Charles en Cambridge.
“Con nuestra décima ubicación en Glossier, queríamos traer algo especial a la ciudad que honre su personalidad metropolitana y escolar”, dijo el equipo. “Nuestras influencias para el diseño de Glossier Boston incluyen la moda universitaria y las características decorativas de la arquitectura local de Boston”.
También citaron el “estuco rosa ruborizado, la piedra verde y la vida vegetal verde” del cercano Museo Isabella Stewart Gardner, que sigue el modelo de un palacio veneciano, como fuente de inspiración para el interior de la tienda.
El tono rosa milenario característico de Glossier cubre las paredes, mientras que las aberturas revestidas están enmarcadas con versiones estilizadas de molduras arquitectónicas que se encuentran en los edificios vecinos.
Los espejos están colocados uno frente al otro para crear infinitos reflejos de los clientes que prueban productos de maquillaje y cuidado de la piel.
La mercancía se exhibe en bandejas onduladas, expositores cilíndricos y mesas rectangulares que se encuentran en muchas de las tiendas de Glossier.
Los pisos de madera pálida contribuyen a la paleta de colores suaves, mientras que la iluminación brillante está diseñada para ser favorecedora.
En el exterior, las altas ventanas y las puertas de latón están rodeadas de paneles de mármol y detalles de bronce.
Estos detalles contrastan con los tonos pálidos del interior.
“También hay un gran paso atrás desde la acera, lleno de árboles frondosos que invitan a los visitantes a conectarse y pasar el rato”, dijo el equipo.
Cuando Glossier se lanzó en 2014, se hizo conocido por sus tiendas temporales que abrieron en todo Estados Unidos.
El lugar temporal que la empresa instaló en Seattle , que estaba lleno de montículos cubiertos de plantas, fue nombrado interior del año para pequeñas tiendas minoristas en los Premios Dezeen 2020.
Desde entonces, la marca ha abierto ubicaciones permanentes en ciudades como Seattle , Los Ángeles y Londres .
Todos ellos comparten una estética y una combinación de colores similares, con diferencias sutiles que hacen referencia a la ubicación y el contexto específicos.
El artista argentino Tomás Saraceno ha cambiado el sistema eléctrico y de climatización de la galería Serpentine de Londres , en un esfuerzo por hacer una exposición para todas las especies cercanas.
Titulada Web(s) of Life , la exposición presenta algunas de las obras más recientes y conocidas del artista centradas en el medio ambiente, al tiempo que abarca intervenciones en el edificio mismo.
Estas intervenciones tienen como objetivo hacer que el edificio Serpentine South que alberga la exposición sea más poroso y receptivo a su entorno en los Jardines de Kensington, desafiando las perspectivas antropocéntricas que sólo consideran los intereses de los humanos y no los de otros seres.
Esculturas hechas para el disfrute de una variedad de animales diferentes se colocan en los terrenos, la fachada y el techo del edificio, así como en el interior del edificio, mientras que dentro de las galerías con poca luz se encuentran complejas redes tejidas por múltiples tipos de arañas que trabajan “en colaboración” con Saraceno. .
“Se ve que muchas arquitecturas actuales de alguna manera no incluyen tanto lo que está sucediendo en el planeta”, dijo Saraceno, quien se formó como arquitecto. “Estoy muy feliz de pensar que por primera vez en el Serpentine hay muchos pabellones de telaraña”.
“Se trata un poco de tratar de pensar cómo la arquitectura animal podría entrar en el discurso y cómo necesitamos tener una forma mucho más equilibrada y equilibrada de construir ciudades hoy en la Tierra”, dijo a Dezeen.
Para que el interior de la galería sea más cómodo para las arañas y otros insectos, se apagó el equipo que controla la temperatura y la humedad del edificio y se abrieron algunas puertas para permitir el libre movimiento tanto del aire como de la vida animal.
Dado que la exposición se desarrollará durante todo el verano británico, esto podría significar cierta incomodidad para los visitantes humanos, pero dentro de ciertos límites. Según la curadora en jefe de Serpentine, Lizzie Carey-Thomas, la galería permitirá al personal de su piso decidir cuándo las condiciones son demasiado calurosas para trabajar de manera segura o para que los visitantes pasen un rato agradable.
En ese momento, la galería cerrará en lugar de encender el aire acondicionado, animando a los visitantes a disfrutar de las instalaciones al aire libre en el parque y bajo los árboles.
Otra intervención de Saraceno se presenta en forma de un nuevo panel solar en el techo del Serpentine, que alimentará todas las películas y luces de la exposición.
Los efectos destructivos de la minería del litio en el medio ambiente y las comunidades indígenas son un tema clave de la exposición. Por eso Saraceno y el Serpentine están evitando el uso de una batería de litio y en su lugar adoptan la intermitencia de la energía solar adaptando el uso de energía de la exposición al nivel de luz solar exterior.
En días nublados o parcialmente nublados, las películas se proyectarán con menos frecuencia y las luces se atenuarán. En días particularmente sin sol, las películas pueden cambiar a solo audio, mientras que algunas luces se apagan por completo.
“La ironía es que en los días de calor extremo y mucho sol, tendremos plena potencia pero no podremos abrir la exposición”, dijo Carey-Thomas.
Como el edificio Serpentine South está catalogado como patrimonio, tanto Carey-Thomas como Saraceno dicen que el proceso para realizar modificaciones fue complejo y prolongado, ya que la aprobación de los paneles solares tomó dos años y otros planes para quitar ventanas y puertas se abandonaron rápidamente.
Las obras de la exposición incluyen las esculturas Cloud Cities de Saraceno , que cuentan con compartimentos diseñados específicamente para diferentes animales como pájaros, insectos, perros, erizos y zorros.
El artista también proyecta una película que documenta una de las entregas de su proyecto Aerocene , que consiste en fabricar un avión totalmente libre de fósiles y propulsado exclusivamente por aire calentado por el sol, sin necesidad de baterías, helio, hidrógeno o litio.
En la película, el equipo de Aerocene completa el primer vuelo pilotado con energía solar del mundo, volando una escultura en globo sobre las salinas altamente reflectantes de Salinas Grandes.
También hay una obra creada específicamente para niños, llamada Cloud Imagination, a la que se accede a través de una puerta con forma de perro que es demasiado pequeña para que la mayoría de los adultos entren.
Saraceno y Serpentine describen la exposición Web(s) of Life como creada “en colaboración” con una gran cantidad de contribuyentes diferentes, tanto humanos como no humanos.
Estas incluyen las comunidades de Salinas Grandes y Laguna de Guayatayoc en Argentina, los adivinos de arañas en Camerún, las comunidades alrededor del proyecto Arachnophilia de Aerocene y Saraceno, y las formas de vida encontradas en los Parques Reales que rodean el Serpentine, que continuarán evolucionando las obras durante los próximos tres meses.
El artista y la galería también quieren extender el espíritu de la exposición a la venta potencial de las obras de arte mediante el desarrollo de un esquema llamado propiedad común parcial o, espera Saraceno, “administración común parcial”, lo que significa que cualquier comprador sería “copropietario” de las obras. trabajar junto con una especie o comunidad designada.
Otra obra de arte reciente que ha explorado ideas de intermitencia en la energía y el diseño es Solar Protocol , que analiza el potencial de una Internet alimentada por energía solar.
La fotografía es del Estudio Tomás Saraceno.
Tomás Saraceno In Collaboration: Web(s) of Life se llevará a cabo en Serpentine South en Londres, Reino Unido, del 1 de junio al 10 de septiembre de 2023 y culminará con un festival de un día de duración el sábado 9 de septiembre que incluirá un vuelo Aerocene dependiendo del clima. Para obtener más información sobre eventos, exposiciones y charlas, visite la Guía de eventos de Dezeen .
El estudio de arquitectura local Lorenzo Botero Arquitectos y el diseñador de interiores Martín Mendoza utilizaron una paleta de materiales naturales para transformar una casa de tres pisos en un restaurante en Bogotá .
Ubicado en la Zona del Nogal de la ciudad, un popular destino de compras, Ideal Restaurant se inspira en la materialidad de los desiertos del sur de Estados Unidos y el norte de México .
El edificio era una residencia de tres plantas que había sufrido una serie de renovaciones previas, lo que dificultaba la integración de una cocina completa y espacios de comedor.
“Fue un desafío”, dijo Botero , “pero en arquitectura se trata de hacer concesiones que se resuelven con el diseño una vez que el programa está claro”.
Los estudios utilizaron madera, cobre , terracota, lino y piedra para crear una atmósfera cálida en todo el restaurante, que incluye una zona cubierta para sentarse al aire libre.
El comedor del segundo piso es el “tour de force” del proyecto e incluye una mezcla ecléctica de mesas curvas de madera y terracota de las empresas colombianas de muebles Carmworks y 902 Showroom y sillas y bancos de madera de Vrokka .
“El proyecto era muy arquitectónico y no quería superponer cosas innecesarias”, dijo Mendoza .
“Sabía que el diseño interior tenía que favorecer la arquitectura y el concepto; de ahí la paleta de colores y materiales naturales⎯madera, fibras vegetales, terracota, cuero, yute y linos⎯y para contrastar están los detalles en bronce y cobre”.
El espacio del segundo piso estaba dividido por un botellero inclinado que se extendía desde el techo, así como por un amplio banco de piedra escondido en una esquina. El banco se extiende a lo largo de la pared trasera para convertirse en el hogar de una chimenea metálica.
Una pared curva sobre la chimenea oculta el conducto de humos y añade una dimensión adicional al comedor, que da a la calle a través de una pared de ventanas con marcos de madera.
Lorenzo Botero Arquitectos envolvió gran parte del espacio en un delgado ladrillo hecho de piedra arenisca, colocado verticalmente para “alargar” las paredes del espacio.
Las paredes, los pisos y los alféizares de las ventanas se envolvieron con el material, así como la base de un gran lavabo compartido en el baño.
Se incrustaron bandas horizontales de metal a lo largo de las filas de ladrillos para reflejar el tono rojo tierra.
Luminarias y lámparas metálicas de la marca mendocina mmco y otras realizadas en colaboración con La Bestial también reflejan la paleta natural del restaurante.
Incluyen apliques de pared circulares metálicos y colgantes cilíndricos fijados al techo del restaurante, así como apliques de pared rematados con pantallas de mimbre .
La zona de estar al aire libre tiene las mismas sillas cubiertas de lino y mesas de madera que el comedor del segundo piso.
Grandes macetas de barro recubren las paredes y contienen plantas herbáceas como lavanda y romero.
El restaurante está actualmente abierto y sirve comida americana moderna.
Otros restaurantes colombianos que aparecen en Dezeen incluyen una panadería y cafetería de Studio Cadena con ventanas triangulares dentadas y un hotel con vestíbulo y cafetería cubierto de plantas en Medellín .
Aprovechando los colores suaves y las suaves curvas, el estudio de diseño de interiores Vives St-Laurent ha completado la tienda infantil Billie Le Kid en Mont-Tremblant, una estación de esquí canadiense conocida por su colorida arquitectura.
Después de la primera tienda de Billie Le Kid en Montreal, la marca contrató a Vives St-Laurent para crear un nuevo puesto de avanzada que capturara el espíritu de la marca y al mismo tiempo reflejara su ubicación.
Su escaparate fue diseñado para parecerse a un teatro, mostrando la saludable edición de ropa, juguetes y libros para niños de la marca.
Los toldos hechos a medida recuerdan la idea de una tienda general, mientras que el frente fue repintado en una vibrante paleta de azul sobre azul para reflejar la colorida carta de Mont-Tremblant.
Haciendo referencia a la fachada, las aberturas arqueadas en toda la boutique aportan un toque caprichoso a las transiciones entre las diferentes secciones.
Se utilizaron esquinas redondeadas para suavizar los bordes de las vitrinas, añadiendo carácter y creando una atmósfera divertida y acogedora.
Se utilizó mármol Bianco Carrara encima del mostrador de caja para transmitir una sensación de lujo atemporal, mientras que las cortinas del vestidor de terciopelo color musgo hacen referencia al concepto del teatro y aportan suavidad y tacto al espacio.
El suelo de hormigón pulido fue una elección práctica, ya que el material de fácil mantenimiento permite a los esquiadores visitar la tienda con sus botas de esquí.
Se agregaron paneles pintados machihembrados para darle a la boutique un toque de nostalgia.
“Combinamos materiales clásicos y contemporáneos para crear un ambiente armonioso pero único”, dijo a Dezeen la diseñadora de interiores de Vives St-Laurent, Léa Courtadon.
Courtadon dijo que eligió la paleta de colores relajantes de la tienda, beige piedra y verde salvia, para crear “un ambiente caprichoso que recuerda el mundo lúdico de la infancia mientras mantiene la sofisticación y garantiza que los productos se destaquen”.
Se eligieron muebles canadienses antiguos y resistentes para inspirarse en la idea de tienda general y hogar familiar. Las largas mesas de madera del refectorio se reutilizaron como exhibidores de juguetes y ropa, agregando interés visual y al mismo tiempo rindiendo homenaje a la herencia canadiense de la marca.
Una hilera de luces colgantes antiguas de vidrio con volantes crea un elemento destacado sobre el mostrador.
“Los globos ondulados de las lámparas se asemejan a tutús de bailarina, añadiendo un toque delicado al diseño general”, dijo Courtadon.
Por el contrario, se eligió el sistema de iluminación principal con acabado blanco mate para combinar perfectamente con el techo alto de la tienda. El sistema de barandillas permite un posicionamiento preciso para resaltar diferentes elementos dentro de las vitrinas.
Vives St-Laurent utilizó cestas de almacenamiento para contribuir a la estética nostálgica y casera, además de ofrecer una forma práctica de almacenar y exhibir juguetes de peluche.
“Crean una impresión de abundancia y permiten que los niños interactúen con los juguetes, promoviendo una sensación de independencia y autonomía”, dijo Courtadon. “Todo contribuye a crear una atmósfera divertida y atractiva que es ideal para una tienda infantil”.
Desde su fundación en 2018, Vives St-Laurent ha completado una variedad de proyectos en todo Canadá. Entre ellos se encuentra una casa táctil en Montreal con una combinación de colores grises intensos.
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