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El estudio de interiores chino Linehouse utilizó materiales naturales y una paleta de colores apagados para darle a la casa de huéspedes Ying’nFlo en Wan Chai, Hong Kong , la sensación de un hogar acogedor.

La casa de huéspedes ocupa el podio de una torre de 24 pisos en una calle montañosa de Hong Kong. Su planta baja alberga una serie de espacios comunes que Linehouse diseñó para brindar “comodidad hogareña” a los huéspedes.

La Sala de Coleccionistas, que recibe a los huéspedes en la entrada de la casa de huéspedes, tiene una paleta neutra de paredes hechas a mano, paneles de madera y gabinetes de lino que exhiben objetos y obras de arte seleccionados. Una mesa comunitaria de roble sirve como mostrador donde los huéspedes pueden interactuar.

Esta sala también se conecta a una terraza exterior a través de puertas correderas acristaladas. Un banco incorporado y un olivo se ubican en el centro de la terraza e invitan a los huéspedes a relajarse y socializar.

Una mampara de madera enrejada conduce hacia el espacio hasta el vestíbulo del ascensor y la sala Arcade, donde los huéspedes pueden reunirse para relajarse y jugar.

Las paredes con acabados suaves, las contraventanas de madera y una mezcla ecléctica de muebles crean una sensación de intimidad, mientras que las baldosas con diversos motivos geométricos añaden una sensación de alegría.

Junto a Arcade se encuentra la Sala de Música, el centro social de la casa de huéspedes. Aquí, se agregaron baldosas de cerámica, un sistema de estanterías de roble hecho a medida, un sofá personalizado y objetos de arte y estilo de vida seleccionados para evocar la sensación de una sala de estar residencial.

La sala de música se abre a la terraza del jardín, donde la vegetación ondulante se asienta detrás de asientos circulares en tela de rayas amarillas, un colorido contraste con la paleta de colores neutros general de la casa de huéspedes Ying’nFlo.

“Los espacios están diseñados para brindar una sensación cálida, acogedora y familiar”, dijo Linehouse .

“En este contexto de simplicidad cuidada hay un toque de actitud juvenil y contexto local, con elementos vibrantes que le dan al hotel su propio sabor único”.

Las habitaciones de huéspedes de la casa de huéspedes Ying’nFlo están ubicadas en el piso superior y cuentan con techos pintados en un tono verde apagado, que el mismo tono verde usó para enmarcar los rincones de las ventanas y para los azulejos esmaltados a mano en el baño y la cocina.

Una paleta limpia de yeso, madera, roble encalado y lienzo añade textura a las habitaciones. Los rincones para sentarse y los muebles del salón cumplen múltiples funciones como espacios donde los huéspedes pueden trabajar, relajarse o cenar.

Linehouse fue fundada por Alex Mok y Briar Hickling en 2013 y el dúo ganó el premio al diseñador de interiores emergente del año en los premios Dezeen 2019 .

El estudio ha completado recientemente un restaurante mediterráneo con materiales naturales y táctiles , así como una cafetería de temática espacial decorada con meteoritos reales , ambos en Shanghai.

La fotografía es de Jonathan Leijonhufvud.

Créditos del proyecto:

Principio de diseño: Briar Hickling
Equipo de diseño: Ricki-Lee Van Het Wout, Lara Daoud, Justin Cheung

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La cadena de restaurantes asiáticos Light Years ha renovado su restaurante en la ciudad surfera australiana de Byron Bay , con interiores concebidos por el estudio local Studio Plenty en colaboración con artistas y diseñadores locales.

El equipo detrás de Light Years quería que su restaurante insignia reflejara la divertida identidad visual establecida en sus otros tres lugares en la costa este de Australia y al mismo tiempo refinara y elevara su estética.

“Nos pidieron que reimagináramos el restaurante Byron Bay, siguiendo el ejemplo de sus comensales hermanos pero con mayor moderación en la composición”, dijo a Dezeen el fundador de Studio Plenty , Will Rathgeber.

“Buscábamos lograr algo refinado sin dejar de lado la cultura relajada detrás de la marca, con colores y patrones satisfactorios, y formas y materiales divertidos”.

Los rincones suaves y las paredes suavemente curvadas ayudan a crear una sensación de intimidad, según Rathgeber, mientras que la paleta de colores del restaurante, de suaves tonos rosa y terracota, “te abraza como un cálido abrazo”.

La sensación lúdica del restaurante se sustenta en un cuidadoso enfoque en los aspectos prácticos, con aberturas arqueadas y umbrales de materiales que ayudan a definir tres espacios distintos: el comedor principal, una barra curva con asientos en la barra y un área de comedor privada para grupos más grandes.

La paleta de materiales del restaurante incorpora baldosas de terracota hechas a mano con un acabado rústico cepillado y un color oxidado que también se recoge en los pisos del restaurante y en la barra del bar de terrazo Fibonacci.

En el comedor principal, el techo fue tratado con un spray acústico para absorber el sonido y al mismo tiempo contribuir al aspecto terroso y vernáculo del restaurante gracias a su textura irregular.

Dado que el spray acústico no se adhiere a las tuberías, Studio Plenty especificó una envoltura de escape de motocicleta para que las tuberías lograran un plano de techo armonioso.

En el área del bar, los techos están revestidos con paneles acústicos de ratán diseñados por la diseñadora de productos local y estilista de interiores Sarah Ellison , quien también trabajó con Studio Plenty para diseñar los muebles personalizados del restaurante, incluidas las mesas gruesas y las sillas estilo bistró.

El colectivo de artistas Studio of the Sun creó dos coloridos murales para el restaurante, uno de los cuales presenta divertidas ilustraciones impresas con láser en una sección de azulejos blancos brillantes.

“El cliente estaba comprometido con un proyecto centrado localmente, por lo que se acercó a Studio Plenty para diseñar el restaurante y a Sarah Ellison y Studio of the Sun para colaborar”, dijo Rathgeber.

Rathgeber fundó su estudio en Byron Bay en 2020 después de empezar a trabajar para los estudios de arquitectura Woods Bagot y Jackson Clements Burrows en Melbourne.

“Creemos que la felicidad se logra a través del diseño sensato, no del exceso”, explicó sobre el espíritu de su estudio. “Tenemos apetito por el diseño racional y una obsesión por el funcionalismo”.

En otra parte de la bulliciosa escena de bares y restaurantes de Byron Bay, el estudio australiano Pattern ha diseñado los interiores de un restaurante que sirve platos pequeños y cócteles al estilo sudamericano .

Sus superficies grises irregulares y accesorios de concreto fueron diseñados para reflejar la “belleza cruda” de los restaurantes nocturnos en México.

La fotografía es de Jessie Prince .

La marca de moda estadounidense Khaite ha abierto su tienda insignia en SoHo , en la ciudad de Nueva York: un interior revestido de acero y cemento con un árbol de hoja perenne plantado en el piso de la tienda.

La tienda fue diseñada por la fundadora y directora creativa de Khaite , Catherine Holstein, y su marido, el arquitecto neoyorquino Griffin Frazen.

Ocupa un edificio con fachada de columnas corintias en SoHo, rematado con cornisas modillion de hierro fundido de estilo italiano, diseñado por el arquitecto alemán Henry Fernbach en 1871.

Holstein y Frazen querían resumir el legado cultural de la ubicación del SoHo con la conexión del área con la fundación de la marca.

“Cada elemento de KHAITE está moldeado por Nueva York, y nos propusimos hacer de este espacio un tributo al legado cultural del SoHo”, dijo Holstein.

“Cuando me mudé a Nueva York hace veinte años, esta cuadra de Mercer fue mi punto de entrada a la ciudad, y SoHo es donde nació KHAITE. Nuestro primer estudio de diseño estaba justo al final de la calle”.

Toda la planta baja de la tienda, de 371 metros cuadrados, se dedicó a espacio comercial, mientras que el sótano del edificio se reservó para el trabajo administrativo y como zona de reuniones privada.

El enfoque de Holstein y Frazen consistió en revestir la tienda con materiales característicos de la ciudad, como acero, vidrio, hormigón vertido, cemento aplicado con llana y yeso, que aportan un aspecto industrial y monolítico al espacio.

Cuatro paredes divisorias curvas de acero serpentean a lo largo del espacio comercial y se utilizan para ocultar y enmarcar las colecciones de prêt-à-porter de Khaite que se exhiben en rieles curvos.

Las cuatro paredes de acero están visualmente separadas por un canal de luz de uno de los dos tragaluces en la parte trasera de la tienda que quedó expuesto durante su renovación.

Una característica central de la tienda es un árbol de hoja perenne Bucida Buceras, que recibió el nombre de Shady Lady y se plantó en el piso debajo del tragaluz trasero.

A medida que la luz entra y fluye hacia el espacio desde los tragaluces, se revela la calidad rugosa y textural de las paredes de cemento.

“El diseño se concibió en términos de material: elegir los materiales correctos y trabajar con ellos de la manera correcta para satisfacer los requisitos programáticos”, dijo Frazen.

“Nos apoyamos en cualidades elementales como la luz natural, preservando la escala y la apertura mientras creamos espacios íntimos”.

“Aceptamos el cambio de materiales como el acero y el hormigón tal como lo haríamos con el cuero y la cachemira, honrándolos permitiéndoles lucir con elegancia”, dijo Frazen.

“Cada pieza tiene texturas únicas y, en lugar de pulirlas o pintarlas, preservamos la imperfección”.

Se diseñaron tres probadores para contrastar los detalles brutalistas de la tienda y estaban cubiertos de un rojo intenso, equipados con lujosas alfombras rojas e iluminación cálida.

Se colocaron muebles minimalistas en todas partes, como una silla Sing Sing del diseñador japonés Shiro Kuramata que se encuentra al lado de un estante bajo y retorcido que se usa para exhibir los accesorios de la marca.

Antes de abrir al público, la tienda fue utilizada como escenario para el desfile Otoño Invierno 2023 de Khaite que se presentó en febrero.

Cerca de SoHo, la agencia de diseño Aruliden completó el interior de una tienda para la marca de moda Jonathan Simkhai que incorporó formas recortadas de la ropa de Simkhai en tabiques y muebles.

La firma de diseño Crosby Studios se asoció con la compañía de tecnología AR Zero10 para crear una tienda temporal también en SoHo que permite a las personas probarse ropa virtual.

La fotografía es cortesía de Khaite.

El arquitecto georgiano Sandro Takaishvili ha convertido un edificio de apartamentos en Tbilisi en un hotel , con interiores inspirados en su amor por el cine y proyectores de películas en las 16 habitaciones.

El hotel Blueberry Nights, que ocupa tres pisos encima de un restaurante en el barrio de Vera de la capital, presenta una combinación de colores teatral, muebles japoneses y una iluminación tenue.

“El diseño del hotel es la culminación del consumo de películas de toda mi vida”, dijo a Dezeen el cofundador del hotel, Sandro Takaishvili .

“Mi intención es hacer que la gente se sienta como si estuvieran dentro de una película, donde todo parezca un poco familiar pero al mismo tiempo de otro mundo”, dijo el arquitecto, que anteriormente trabajó como escenógrafo, cineasta y fotógrafo.

El hotel lleva el nombre de My Blueberry Nights , una película del director de Hong Kong Wong Kar-Wai, e incorpora referencias visuales al trabajo de otros directores de renombre, incluido Stanley Kubrick .

El vestíbulo principal fue diseñado para verse y sentirse como un acogedor vestíbulo de cine, con alfombras de color azul oscuro, muebles de madera de nogal y asientos tapizados en terciopelo. Los huéspedes pueden realizar el registro de entrada en un gran mostrador de recepción con fachada de plexiglás inspirada en películas retrofuturistas.

“Desde el momento en que los invitados cruzan las puertas, comienza un viaje cinematográfico de mal humor con alfombras azul oscuro, luces empotradas y una suave banda sonora de diálogos de películas negras que se reproducen en el vestíbulo”, dijo Takaishvili.

Como parte de la renovación, Takaishvili transformó el ático del edificio en dos habitaciones adicionales, para un total de 16 habitaciones.

Los dormitorios fueron diseñados para evocar el estilo visual de David Lynch , con camas bajas hechas a medida y armarios chapados en nogal. Se utilizaron divisores de habitaciones perforados por grandes aberturas circulares para marcar diferentes zonas dentro de las habitaciones.

Los cálidos muebles de madera se compensan con toques de rojo, en forma de teléfonos antiguos, obras de arte y contraventanas hechas de tableros de fibra de densidad media (MDF), así como los azulejos blancos utilizados en los pequeños baños privados.

Otra decoración de dormitorio incluye lámparas con pantallas de papel estilo Noguchi , que Takaishvili importó de Japón, y sillas de teca y caña del arquitecto Pierre Jeanneret , que procedieron de Londres.

“Las luces de papel emiten un suave efecto luminiscente que crea un ambiente acogedor”, explicó el arquitecto.

“Algunas de las formas geométricas simples que utilicé definitivamente tienen una influencia de mediados de siglo, pero no estaba tratando de estar a la moda. Sólo quería lograr un efecto cinematográfico sin recurrir a trucos cinematográficos obvios”.

Se dejó una pared en blanco en cada habitación para que los huéspedes puedan ver películas a través de un proyector inteligente, mientras que se puede reproducir música a través de una selección de discos de vinilo.

Otros proyectos de interiores en Tbilisi incluyen una librería-cafetería del diseñador georgiano Lado Lomitashvili y el Hotel Stamba , que ocupa la antigua sede de una imprenta soviética.

La fotografía es cortesía de Blueberry Nights .

El grupo hotelero The Edition del empresario estadounidense Ian Schrager ha abierto el primer hotel de cinco estrellas en Tampa, Florida , que incluye un salón “jungla” y una sala de fiestas con 350 bolas de discoteca.

La Tampa Edition , que comenzó a aceptar reservas en octubre de 2022, está ubicada en un nuevo edificio de 26 pisos que incluye 172 habitaciones y 38 residencias privadas.

Forma parte del desarrollo de Water Street, un enorme proyecto de expansión urbana de uso mixto justo al sur del centro de la ciudad ya un par de cuadras del paseo marítimo.

“[Tampa] ha establecido que su momento es ahora, y creo que está a punto de explotar en escena”, dijo Schrager, el cerebro de la hospitalidad que cofundó el legendario club nocturno neoyorquino Studio 54 y también está detrás de la cadena de hoteles Público .

“Tiene una buena calidad de vida y una excelente escena gastronómica”, continuó.

“Es una ciudad bajo el sol, pero no es un lugar sólo para vacaciones, es una ciudad que respira vida y eso es lo que creo que tiene de especial”.

El equipo de Schrager en ISC Design Studio diseñó la nueva propiedad Edition, junto con Morris Adjmi Architects , Nichols Architects, Bonetti Kozerski Architects y Roman and Williams .

El edificio blanco y de vidrio presenta curvas de influencia art déco, que envuelven el hotel en los pisos inferiores más grandes y las residencias en la parte superior de la torre.

El vestíbulo del hotel cuenta con techos de 20 pies y acristalamiento de altura completo a lo largo de la fachada frontal.

Un gran orbe lila de acero inoxidable recibe a los huéspedes cuando ingresan al espacio revestido de travertino, que está lleno de plantas tropicales.

“Puse el jardín en el vestíbulo”, le dijo Schrager a Dezeen. “Quería tener una jungla y seguía diciendo ‘más, más’ plantas. Por la noche están iluminadas desde abajo y se ven las sombras de las hojas en el techo. Es casi todo verde”.

Entre la vegetación se encuentran áreas de descanso y una mesa de billar de travertino personalizada con una superficie de color amarillo brillante.

El mismo color se repite en la alfombra y el tapizado de los asientos de la zona del bar, que se organiza alrededor de una barra de nogal festoneado en la que se sirven cócteles y platos pequeños de influencia mediterránea.

“Usar colores realmente brillantes (amarillos, azules y verdes) o colocar plantas en el vestíbulo no fue aditivo”, dijo Schrager. “Esas cosas te sorprenderán”.

El restaurante, Lilac, cuenta con asientos de color verde brillante que combinan con los azulejos que recubren la cocina semiabierta, que ofrece un menú mediterráneo del chef John Fraser.

En el otro extremo del salón, una escalera de mármol blanco proporciona un punto focal mientras serpentea hacia varios espacios de entretenimiento más.

Estos incluyen el Punch Room, un espacio acogedor con paneles de nogal, sofás chartreuse y banquetes y cortinas de terciopelo azul real.

El Arts Club, destinado a eventos nocturnos, consta de una serie de salas: una es completamente negra, mientras que en otras 350 bolas de discoteca cubren todo el techo.

El spa también se encuentra en el segundo piso, mientras que en el noveno se encuentra otro bar y restaurante, que se abre a una terraza en la azotea donde los huéspedes también pueden disfrutar de una piscina al aire libre, tumbonas y cabañas.

Las habitaciones y suites tienen una estética discreta, con especial atención a la iluminación y los materiales, incluidos baños de mármol, paneles de nogal y muebles de roble blanco.

“El diseño es sencillo y puro”, afirma Schrager. “No hay nada superfluo ni gratuito, ni un gesto desperdiciado”.

“Leonardo da Vinci dijo que ‘la simplicidad es la máxima sofisticación’. Se supone que debe ser relajante y pacífico”, añadió.

La edición ahora cuenta con 15 ubicaciones en todo el mundo, con West Hollywood , Tokio y Madrid , que fue nominada para los Premios Dezeen 2022.

“Estoy vendiendo una experiencia emocional visceral y es difícil lograrlo”, dijo Schrager sobre la Edición como marca. “Porque no se puede sacar de un libro de marcas o de un libro de reglas. Tiene que estar equilibrado entre el refinamiento y lo crudo y vanguardista, para que todo pueda unirse de alguna manera mística”.

La Tampa Edition es un atractivo importante para el proyecto de desarrollo de Water Street de $3.5 mil millones, que abarca nueve millones de pies cuadrados y formará un nuevo vecindario en un rincón de la ciudad anteriormente abandonada.

Tampa, al igual que otros centros urbanos de Florida, ha experimentado un aumento en el interés de los turistas y nuevos residentes en los últimos años y, por lo tanto, ha crecido la necesidad de más viviendas, hoteles y restaurantes.

La fotografía es de Nikolas Koenig .

Los diseñadores Inma Bermúdez, Moritz Krefter, Jorge Penadés y Alvaro Catalán de Ocón han creado tres divertidos muebles de madera que se exponen en el Madrid Design Festival .

Ideado por el American Hardwood Export Council (AHEC), Natural Connections se expuso en el hall de entrada del edificio cultural Matadero Madrid .

Cada uno de los tres muebles fue diseñado para fomentar la interacción con la madera: uno actúa como banco, el otro como columpio y el tercero como instalación de iluminación colgante.

Los diseños fueron creados en respuesta a un encargo de AHEC , que buscaba piezas realizadas por diseñadores españoles con maderas duras de arce, cerezo y roble rojo procedentes de bosques americanos en un esfuerzo por fomentar el uso del material.

“Retamos a los estudios de diseño a presentar estas cámaras en un espacio público, en un contexto público, para que los visitantes puedan experimentar una conexión”, dijo a Dezeen el director europeo de AHEC, David Venables.

“Los equipos de diseño trabajaron con arce, cerezo y roble rojo para crear instalaciones divertidas, originales y altamente innovadoras que esperamos brinden compromiso, emoción y una conexión para los visitantes con estos maravillosos materiales naturales”, dijo Venables.

El diseñador Catalán de Ocón creó una lámpara colgante de seis metros de largo llamada Nube, hecha de 4.000 piezas individuales de madera esféricas y cilíndricas interconectadas.

Nube está iluminada por varias luces LED que se colocaron en el medio de la estructura hueca. Un cable de latón va desde el bajo hasta la estructura de malla y se ramifica en corrientes eléctricas positivas y negativas.

Los polos positivos atraviesan la madera de cerezo, mientras que los polos negativos atraviesan las piezas de arce, que forman un circuito completo cuando tocan e iluminan las bombillas.

Su diseño se basó en la fascinación de Catalán de Ocón por el proceso de fabricación de pequeños objetos utilitarios de madera, como clavijas, cerillas y persianas.

“Me inspiré en la cerilla, el lápiz o el alfiler de madera para colgar la ropa, ese tipo de técnicas de fabricación en las que se obtiene un objeto que se repite una y otra vez”, dijo Catalán de Ocón a Dezeen.

Por su parte, La Manada Perdida, de Inma Bermúdez y Moritz Krefter, estuvo influenciada por la antigua función del Matadero como matadero y mercado de ganado.

El dúo de diseñadores españoles produjo una serie de bancos de roble rojo, arce y cerezo para Natural Connections que hacen referencia a animales equinos y bovinos, como caballos y vacas. A las piezas se les dio un acabado mínimo para imitar la textura del árbol del que procedían.

“Aparecen como bancos o asientos, pero su diseño va más allá de los muebles e incorpora aspectos de imaginación y juego para ayudar a las personas a encontrar y redescubrir la naturaleza”, dijo AHEC.

El diseñador madrileño Penadés respondió al tema de las conexiones naturales produciendo una pieza de asiento escalonada llamada Wrap que está conectada por rótulas.

El diseñador, conocido por sus proyectos de interiores con la marca española de calzado Camper , pegó y laminó piezas de chapa de cerezo de 0,7 milímetros de espesor en tubos para crear componentes tubulares huecos, que cuando se unen forman un asiento estilo grada.

Natural Connections es una de varias exposiciones en Madrid Design Festival , un evento de un mes de duración en el que un programa de diseño se apodera de la ciudad española. Una vez finalizada la exposición, los muebles permanecerán en el centro cultural durante un año.

También en la edición de este año se encuentra Slow Spain , una exposición de estudiantes universitarios que pretende explorar las maderas duras americanas y el consumo consciente de muebles.

El año pasado, el diseñador de iluminación Antoni Arola y el fabricante de iluminación español Simon utilizaron una máquina de humo, láseres y un pequeño árbol para crear las Arquitecturas de Luz del Fiat Lux 3 .

Natural Connections se presenta en Matadero Madrid en el marco del Madrid Design Festival 2023 , que se celebra del 14 de febrero al 12 de marzo. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener información sobre las muchas otras exposiciones, instalaciones y charlas que se llevarán a cabo durante todo el mes.

La fotografía es cortesía de AHEC .

Créditos del proyecto:

Diseñadores: Inma Bermúdez y Moritz Krefter, Alvaro Catalán de Ocón, Jorge Penadés
Socios: American Hardwood Export Council, Matadero Madrid, Madrid Design Festival, Tamalsa

El diseñador sueco Christoffer Jansson creó un apartamento virtual y fingió vivir en él durante meses como parte de un experimento social que exhibió en la Feria del Mueble de Estocolmo de este año .

A través de una serie de 12 imágenes renderizadas compartidas en Instagram , el proyecto Uncanny Spaces vio a Jansson contar una historia sobre la compra y renovación de una casa, que diseñó basándose en un piso real en Heleneborgsgatan de Estocolmo.

La réplica digital se modeló según las dimensiones reales del apartamento de 89 metros cuadrados (determinadas durante una visita de puertas abiertas) y se llenó con copias virtuales de algunas de las pertenencias del diseñador para completar la ilusión.

Incluso llegó a fotografiar detalles como el papel tapiz agrietado y los enchufes eléctricos colocados de manera extraña que se encuentran en el departamento real, para poder replicarlos usando software de modelado y renderizado 3D.

“Mi intención era explorar el hogar como una herramienta para comunicar estatus e identidad en las redes sociales y discutir el impacto de las imágenes renderizadas dentro de la arquitectura de interiores”, dijo Jansson .

“También quería desafiar mis habilidades de renderizado y ver si podía convencer al espectador de que el apartamento existía físicamente”.

El truco resultó tan convincente que una importante revista de interiores sueca pidió fotografiar el apartamento inexistente. Y sus compañeros de estudios de la Universidad de Konstfack preguntaron a Jansson cómo de repente podía permitirse un apartamento de varios millones de libras en el centro de Estocolmo.

En el transcurso de dos meses, publicó los resultados en una cuenta de Instagram dedicada diseñada para imitar los perfiles separados que los propietarios a veces crean para sus proyectos de renovación.

Las primeras representaciones muestran el apartamento como un cascarón vacío, que poco a poco se va llenando de cajas y bolsas de IKEA, así como recreaciones similares de las pertenencias personales de Jansson, como su mesa Marshmallow, cada uno de sus libros o la chaqueta que llevaba . en ese día en particular.

Jansson también pobló la casa virtual con objetos de diseño famosos en Internet, como el espejo ondulado Ultrafragola de Ettore Sottsass o la mesa de comedor Lovö de Axel Einar Hjorth para comentar el auge de la “estética Instagram”.

“El flujo constante de imágenes en las redes sociales está afectando nuestra capacidad de atención y, para la arquitectura de interiores, es cada vez más importante encontrar formas de captar rápidamente la atención del espectador”, dijo a Dezeen.

“Una clara consecuencia del rápido flujo de imágenes es la llamada ‘estética de Instagram’, que se caracteriza por formas geométricas o curvas, combinaciones de colores distintivas, suelos de baldosas que forman patrones gráficos y claros contrastes entre brillo y mate”, continuó. .

“No se priorizan los aspectos físicos de la habitación, sino que lo que más se valora es la capacidad del interior para funcionar bien en la imagen, lo que afecta negativamente a la experiencia física de un espacio”.

A lo largo del proyecto, Jansson trabajó para provocar e integrar a los seguidores de la cuenta en el proceso de diseño, por ejemplo, realizando una encuesta sobre de qué color pintar el pasillo o simulando pintar un mueble antiguo de valor incalculable de color rosa brillante.

Hacia el final del experimento, el diseñador comenzó a acelerar la línea de tiempo de la renovación ficticia, además de hacer que los renders fueran cada vez más inquietantemente perfectos para ver si sus seguidores notarían que el apartamento era falso, aunque ninguno lo hizo.

Al explorar estas reacciones, el diseñador esperaba llamar la atención sobre la forma en que utilizamos imágenes de nuestros hogares para presentar versiones idealizadas de nosotros mismos, lo que a su vez establece estándares poco realistas para nuestros espacios de vida reales.

“Hoy tenemos acceso a observar la vida cotidiana de los demás y mostrar la nuestra al público a través de las redes sociales”, dijo.

“La exposición constante genera ideales inalcanzables y poco a poco va desplazando la barrera entre lo privado y lo público, lo que hace que sea más importante que nunca presentar todos y cada uno de los rincones de nuestro hogar de forma favorable”.

En la Feria del Mueble de Estocolmo de 2023 , Uncanny Spaces se exhibió como parte de la exposición anual Ung Svenks Form de trabajos de jóvenes diseñadores suecos.

Para representar el proyecto en la vida real, Jansson creó un relieve de madera que representa una imagen aplanada de su casa virtual en 3D, realizada con la ayuda del software de modelado digital Rhino y una fresadora CNC.

El proyecto no aborda el surgimiento del metaverso , para el cual los diseñadores crean cada vez más muebles , ropa , edificios y ciudades enteras virtuales. Pero Jansson espera que la llegada de un mundo virtual paralelo probablemente exacerbe los problemas explorados en su proyecto.

Uncanny Spaces estuvo expuesto como parte de la exposición Ung Svenks Form en la Feria del Mueble de Estocolmo 2023 del 7 al 11 de febrero. Explore nuestra guía digital del festival o visite la Guía de eventos de Dezeen para conocer más eventos de arquitectura y diseño que se llevarán a cabo en todo el mundo.