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Nuestro último lookbook arroja luz sobre los hogares donde se ha utilizado mármol y piedras naturales similares como material principal en los baños .

El mármol puede ser una gran solución para los baños, ya que es lo suficientemente resistente como para soportar un ambiente húmedo mejor que los materiales alternativos como la madera o el hormigón.

Muchos propietarios optan por utilizar el mismo material en todas las superficies, creando una estética uniforme que se extiende desde las zonas del lavabo y la ducha hasta las paredes.

Continúe leyendo para ver 10 ejemplos diferentes, que presentan una gama de mármoles que incluyen Carrera y Verde Aver, así como piedras naturales similares como travertino y cuarcita .

Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Otras ediciones recientes muestran cocinas escandinavas , duchas al aire libre e interiores eclécticos .

Habitat 100, Suecia, por Note Design Studio

Note Design Studio utilizó dos tipos de mármol en la renovación de este apartamento de Estocolmo de los años 20 , haciéndose eco de los tonos del suelo de mármol italiano del pasillo.

Para el baño principal, los diseñadores optaron por un mármol sueco claro llamado Ekeberg. Algunas losas fueron pulidas, mientras que otras fueron fresadas en diferentes direcciones para crear un sutil patrón a cuadros.

En otras partes de la casa, el mármol Brännlyckan en tonos verdes ofrece un sorprendente contrapunto.

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Loft del este de Columbia, EE. UU., por Sheft Farrace

Con la tarea de rediseñar un apartamento en el edificio Eastern Columbia de Los Ángeles , un bloque con una icónica fachada art-deco color turquesa , el estudio de arquitectura Sheft Farrace decidió trabajar con la misma paleta en el baño principal.

Los arquitectos hicieron esto con una pared llamativa de mármol Verde Aver, una piedra italiana con un tono verde similar.

El mármol forma un mostrador que se extiende a lo ancho de la habitación, integrando dos lavabos, y también forma un salpicadero que se extiende hasta el techo.

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Apartamento Botaniczna, Polonia, por Agnieszka Owsiany Studio

Un travertino de tonos cálidos adorna el baño de este apartamento en Poznań, que fue renovado por el estudio Agnieszka Owsiany para una pareja profesional.

Si bien el travertino es una piedra caliza, por lo que técnicamente no es un mármol, tiene un acabado con un patrón similar.

La piedra envuelve las paredes y la bañera, y también forma un lavabo cuboide. La misma piedra también aparece en la cocina de la casa , donde se utilizó para crear una encimera con isla.

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El pueblo, Alemania, de Gisbert Pöppler

La madera y el mármol se combinan en esta renovación de apartamento del diseñador berlinés Gisbert Pöppler, en el distrito Mitte de la ciudad, pero la yuxtaposición es particularmente llamativa en el baño.

La habitación cuenta con una bañera situada dentro de un nicho revestido con mármol sudamericano muy variado.

Los tonos cálidos de la piedra se reflejan en el suelo de madera, así como en un mueble de lavabo que combina roble oscuro con piedra de lava esmaltada en blanco.

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Piso #6, Brasil, por Studio MK27

Studio MK27 eligió materiales con mucha textura para esta renovación de un piso de cuatro habitaciones en São Paulo , hogar de una pareja y sus tres hijos adolescentes.

Para los baños, los diseñadores eligieron el gris Armani, un mármol mediterráneo que combina tonos oscuros con detalles en blanco.

La piedra ha sido cuidadosamente dispuesta para que las vetas blancas pasen por nichos dispuestos en las paredes, que proporcionan espacio para guardar jabón y champú.

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D2 Townhouse, Reino Unido, por Jake Moulson

La piedra multicolor encajaba bien con los interiores eclécticos de esta casa renovada en Dublín , diseñada por el arquitecto Jake Moulson.

El ejemplo más llamativo lo encontramos en un baño debajo de una escalera , donde una cuarcita brasileña llamada Azul Imperial combina tonos violeta, azul y dorado.

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Apartamento ER, Brasil, por Pascali Semerdjian Arquitetos

Esta casa familiar en São Paulo, diseñada por Pascali Semerdjian Arquitetos , presenta diferentes tipos de piedra brasileña.

En el baño, el mármol blanco de Paraná forma las paredes y el piso, y también proporciona superficies dentro de un lavabo de bronce en forma de cubeta que fue hecho a medida para reflejar las curvas de un espejo de arriba.

En otras partes de la casa, paneles de ónix de color jade sirven como superficies y también ocultan una lámpara empotrada en la pared.

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Vigésimo, EE.UU., por Woods + Dangaran

Un mármol conocido como Bronze Vena, o “veta de bronce”, es el punto focal del baño en suite del dormitorio principal de esta casa en Santa Mónica de Woods +Dangaran , con sede en Los Ángeles .

Placas de gran formato de esta piedra recubren paredes, suelo y techo de la zona de baño, aseo y ducha.

Las losas se combinaron hábilmente en el centro de la habitación para lograr un efecto simétrico. Las losas se reflejan efectivamente entre sí, creando zigzags dentro de los patrones de vetas.

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West 76th Street, EE. UU., por Messana O’Rorke

Este apartamento en el Upper West Side de Manhattan es el hogar de los fundadores de la marca de cuidado de la piel Malin + Goetz , por lo que, naturalmente, se prestó especial atención a los baños.

El estudio Messana O’Rorke, con sede en Nueva York, combinó accesorios de latón con mármol de Carrera, la piedra italiana muy popular, con la ambición de crear una sensación de “spa”.

Un baño cuenta con un hueco de mármol con lavabo y espejo integrados, mientras que el otro cuenta con una ducha iluminada por un bolsillo oculto en el techo.

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Villa Waalre, Países Bajos, por Russell Jones

Para combinar con la estética minimalista de esta casa en el bosque en Waalre, cerca de Eindhoven , los baños están acabados en Statuario, un mármol blanco extraído de Italia.

El efecto funciona especialmente bien en el dormitorio principal , donde una pared divisoria independiente divide parte del espacio destinado al baño. Este volumen incorpora un lavabo de mármol, así como cajones con frente de madera.

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Este es el último de nuestra serie de lookbooks, que proporciona inspiración visual del archivo de Dezeen. Otras ediciones recientes muestran cocinas escandinavas , duchas al aire libre e interiores eclécticos .

El primer sari que se usó en la Met Gala y lentejuelas hechas de películas de rayos X desechadas provenientes de hospitales aparecen en la exposición Offbeat Sari, que muestra alrededor de 60 saris contemporáneos en el Museo del Diseño de Londres .

The Offbeat Sari es la primera exposición del Reino Unido que explora el sari contemporáneo, según el Design Museum . La exposición se inaugura hoy en un espacio cavernoso dentro de la galería subterránea del museo, iluminado por finas luces colgantes de neón .

Originario de la India y del sur de Asia, tradicionalmente se considera que un sari es una cortina sin costuras que se envuelve alrededor del cuerpo desde el hombro hasta la cintura.

En los últimos años, los diseñadores han estado reinventando la prenda de 5.000 años de antigüedad para satisfacer el creciente interés de los jóvenes por el sari, lo que ha llevado a su resurgimiento, según la directora curatorial del Museo del Diseño, Priya Khanchandani .

“Las mujeres de las ciudades que antes asociaban el sari con la vestimenta lo están transformando en ropa fresca, radical y cotidiana que les permite expresar quiénes son, mientras los diseñadores experimentan con su materialidad recurriendo a una creatividad ilimitada”, dijo la curadora.

Dividida en varios temas, como la identidad y la resistencia, la exposición presenta alrededor de 60 saris contemporáneos creados por una variedad de diseñadores consagrados y emergentes.

Entre las prendas se encuentra el primer sari que se usará en la Met Gala de Nueva York en respuesta al tema del baile anual de 2022, Gilded Glamour.

Adornado con piedras semipreciosas, el sari de tul diseñado por Sabyasachi que lució Natasha Poonawalla presenta una cola llamativa y se combinó con un corpiño Schiaparelli dorado con elementos salientes en forma de órbita.

Otro sari azul marino de Abraham Thakore se caracteriza por delicadas lentejuelas hechas con películas de rayos X desechadas y recuperadas de hospitales, un diseño que apunta a abordar el tema de la sostenibilidad dentro de la industria de la moda.

También se exhibe un sari de seda georgette de color púrpura bordado con acrílicos brillantes, lentejuelas y cristales. Fundador del movimiento #DeGenderFashion , el autor y comediante Alok usó anteriormente la prenda para resaltar su creencia de que cualquier persona puede usar saris, independientemente de su identidad de género.

Textiles contrastantes como mezclilla desgastada y acero inoxidable tejido componen otros saris en la exposición, destacando la evolución versátil de la prenda.

Dentro de la sección “movimiento” del programa hay una serie de saris usados ​​por jóvenes mientras practican deportes. Entre ellos se incluye una prenda adornada con motivos de flores de cerezo que se usó durante un partido de cricket, así como un sari de gasa de poliéster, que se encuentra entre los conjuntos usados ​​por un grupo de mujeres que han comenzado a andar en patineta con saris, una tendencia creciente, según el museo.

También hay un área dedicada a la artesanía involucrada en la confección de sari que explora cómo se ha transformado su historia a lo largo del siglo XXI.

“El sari está experimentando lo que posiblemente sea la reinvención más rápida de su historia. Esto convierte al movimiento sari en una de las historias de moda globales más importantes de la actualidad, aunque se sabe poco de su verdadera naturaleza más allá del sur de Asia”, explicó Khanchandani.

“Para mí y para muchos otros, el sari tiene un significado personal y cultural”, reflexionó el curador.

“Pero también es un lienzo rico y dinámico para la innovación, que resume la vitalidad y el eclecticismo de la cultura india”.

La primera exposición centrada en el diseño del artista chino Ai Weiwei es otra muestra que se exhibe actualmente en el Museo del Diseño hasta finales de julio. En otras noticias de moda recientes, el diseñador Rick Owens lanzó una colección de cascos portátiles que también funcionan como lámparas de pie fluorescentes.

La fotografía es de Andy Stagg .

El Offbeat Sari se exhibirá en el Museo del Diseño de Londres del 19 de mayo al 17 de septiembre de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

Créditos del proyecto:

Curadora: Priya Khanchandani
Curadora asociada: Rashmi Varma
Diseño 3D: Studio Mutt
Diseño 2D: Stuthi Ramesh

Se inauguró en el Centro Pompidou de París una exposición dedicada a la obra del arquitecto británico Norman Foster , que muestra dibujos y modelos originales realizados por el arquitecto durante las últimas seis décadas.

La exposición, que según la Fundación Norman Foster es la retrospectiva más grande jamás realizada del trabajo de Foster, presenta alrededor de 130 proyectos del arquitecto, incluida la sede de la Corporación Bancaria de Hong Kong y Shanghai , el Aeropuerto Internacional de Hong Kong y Apple Park .

También se exhiben diseños que informaron el trabajo de Foster, incluidas obras del artista chino Ai Weiwei , el pintor francés Fernand Léger, el escultor rumano Constantin Brancusi y el pintor italiano Umberto Boccioni, e incluso automóviles, que apasionan al arquitecto .

La exposición, llamada simplemente Norman Foster, fue diseñada por Foster con su estudio de arquitectura Foster + Partners y la organización sin fines de lucro Norman Foster Foundation.

Comisariada por el subdirector del Centro Pompidou, Frédéric Migayrou, la exposición tiene como objetivo mostrar ejemplos de la innovación y la tecnología de Foster, su enfoque de la sostenibilidad y sus ideas para el futuro del entorno construido.

“Esta exposición aborda los temas de la sostenibilidad y la anticipación del futuro”, dijo Foster.

“A lo largo de las décadas, hemos buscado desafiar las convenciones, reinventar los tipos de edificios y demostrar una arquitectura de luz y ligereza, inspirada en la naturaleza, que puede representar alegría además de ser ecológica”.

La exposición de 2.200 metros cuadrados comienza con una sala dedicada a los bocetos y dibujos de Foster, una práctica que utiliza para comunicar ideas y registrar la inspiración del diseño.

“Para mí, el diseño comienza con un boceto y continúa como herramienta de comunicación a lo largo del largo proceso que sigue en el estudio, las fábricas y finalmente en el sitio de construcción”, dijo Foster.

“En 1975 adquirí el hábito de llevar un cuaderno A4 para dibujar y escribir; una selección de ellos se exhibe en los gabinetes centrales, rodeados por paredes dedicadas a dibujos personales”.

La exposición continúa en un gran espacio con tabiques que la separan en siete temas: Naturaleza y Urbanidad, Piel y Huesos, Ciudad Vertical, Historia y Tradición, Planificación y Lugar, Redes y Movilidades, y Perspectivas de Futuro.

La sección Naturaleza y Urbanidad explora el enfoque de Foster para preservar la naturaleza mediante la construcción de “grupos urbanos densos, con la privacidad garantizada por el diseño”, dijo el estudio.

Haciendo referencia al comentario de un crítico de que la apariencia externa de los proyectos de Foster podría clasificarse como una fachada de “piel” suave o que expresa su estructura esquelética, la parte de Piel y Huesos de la exposición muestra proyectos que ilustran la relación entre estructura, servicios y revestimiento.

En la sección Ciudad Vertical, el estudio muestra cómo creó torres que “respiran” diseñando espacios abiertos y apilados.

“Fuimos los primeros en cuestionar la torre tradicional, con su núcleo central de planta mecánica, circulación y estructura, y en su lugar crear espacios abiertos, apilados, flexibles para el cambio y con vistas transparentes”, dijo Foster.

“Aquí, los servicios auxiliares se agruparon junto con los espacios de trabajo o de vivienda, lo que llevó a una mayor evolución con la primera serie de torres “respirables”.

“En la búsqueda de reducir el consumo de energía y crear un estilo de vida más saludable y deseable, demostramos que un sistema de ventilación natural, que mueve grandes volúmenes de aire fresco filtrado, podría ser parte de un clima interno controlado”, continuó el arquitecto.

La sección de Historia y Tradición tiene como objetivo brindar información sobre ejemplos de arquitectura histórica y vernácula que influyeron en Foster, mientras que la sección de Planificación y Lugares explora la planificación maestra y la creación de lugares en espacios urbanos.

Hacia la salida del espacio de exposición abierto, la sección Redes y Movilidad muestra ejemplos de transporte e infraestructura y conduce a la sala final, Perspectivas Futuras, que exhibe conceptos para métodos futuros de viaje y comunicación.

Se exhiben detalles de sistemas de conducción autónoma y diseños para hábitats en Marte y la Luna que fueron desarrollados con la NASA y la Agencia Espacial Europea .

Foster habló recientemente con Dezeen sobre sus puntos de vista sobre la sostenibilidad en la arquitectura , en la que dijo que “hay muchos mitos peligrosos”.

La fotografía es de Nigel Young de Foster + Partners.

La exposición de Norman Foster se exhibirá en el Centro Pompidou de París, Francia, del 10 de mayo al 7 de agosto de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

La Fundación Zaha Hadid ha inaugurado una exposición sobre el restaurante Moonsoon de Zaha Hadid en Sapporo, Japón. Aquí, el responsable de exposiciones y curador Johan Deurell selecciona cinco aspectos destacados de la muestra.

Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan es un estudio de caso del primer proyecto construido por el arquitecto Hadid fuera del Reino Unido: el Moonsoon Bar and Restaurant en Sapporo, Japón, que se construyó en 1989.

La exposición ofrece un viaje desde la concepción del lugar, transmitida a través de una serie de modelos de archivo, documentos de presentación y bocetos, hasta su forma construida, presentada a través de imágenes y muebles reacondicionados uno a uno del interior del bar.

“Nuestra última exposición muestra los procesos creativos detrás de uno de los primeros y menos conocidos proyectos de Zaha Hadid”, dijo el director de la Fundación Zaha Hadid, Paul Greenhalgh. “Moonsoon se creó en el momento de la increíble explosión de la economía japonesa y el auge del diseño que la acompañó”.

“Japón brindó oportunidades para que los arquitectos emergentes trabajaran en proyectos experimentales. Para la fundación, es una oportunidad para profundizar en los archivos y resaltar obras rara vez vistas antes”.

El diseño de Monsoon hacía referencia a algunos de los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX que surgieron en Rusia, como las obras del artista abstracto ruso Kazimir Malevich.

Las formas angulares, retorcidas y geométricas se tradujeron en capas y volúmenes arquitectónicos funcionales. Las referencias de diseño adicionales incluyen las obras del escultor Alexander Calder, anuncios de licores franceses de la década de 1950 e imágenes de cáscara de naranja y pasta.

Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan tiene lugar en la sede de la Fundación Zaha Hadid en Clerkenwell, Londres, que funcionó como sede de Hadid desde 1985 hasta su muerte en 2016.

Siga leyendo para conocer los cinco aspectos más destacados de Deurell :

Estuche de presentación, acrílico y aluminio de Zaha Hadid Architects, 1989-90

“La idea de nuestra exposición surgió con el descubrimiento de un maletín de Perspex en el archivo. Este maletín fue creado por Daniel Chadwick como contenedor para el concepto de diseño de Moonsoon.

“Llevaba elementos de modelo, así como 14 pinturas, seis dibujos en perspectiva y 13 collages que se muestran en esta exposición. El caso se llevaría a los clientes como una forma de estrategia de presentación, donde se maquetarían los trabajos en papel y se montaría el modelo”.

Maqueta de presentación, acrílico de Zaha Hadid Architects, 1989-90

“Este modelo, realizado por Daniel Chadwick, fue creado para ilustrar un concepto, más que como una réplica de la forma final del restaurante. Aquí, una forma de “piel de naranja” se arremolina a través de los dos pisos, y los fragmentos de colores representan los muebles y elementos interiores. En el momento de su realización, los diseños de interiores y mobiliario aún no estaban ultimados.

“ Zaha Hadid Architects adoptó la transparencia del acrílico para hacer que la relación entre los elementos interiores y espaciales del modelo sea más fácil de ver. En el futuro, los modelos digitales proporcionarían los efectos de capas transparentes que Hadid buscaba lograr mediante el uso temprano del acrílico”.

Conceptos de interiores, pintura acrílica sobre papel cartucho negro de Zaha Hadid Architects, 1989-90

“Esta pintura pertenece a un conjunto de 14 pinturas originalmente guardadas en el maletín de Perspex. El concepto de Moonsoon se inspiró parcialmente en el fuego (para el bar del primer piso) y el hielo (para el restaurante de la planta baja), lo que se ilustra a través de los rojos y azules de esta pintura. Una forma arremolinada de “piel de naranja” representa el horno central que penetra a través de los dos pisos, mientras que los “fragmentos de hielo” astillados simbolizan las mesas.

“Zaha Hadid Architects utilizó pinturas para explorar conceptos que no podían mostrarse mediante dibujos en perspectiva convencionales. Varios miembros del equipo contribuyeron a las pinturas. Las obras se derivaban de bocetos, que habían sido transferidos a papel de calco y luego a papel de cartucho, y posteriormente coloreados, a menudo por la propia Hadid. Sus formas deformadas y sus capas anticiparon las posibilidades que luego ofreció el software CAD”.

Moonsoon de Zaha, de Marwan Kaabour, 2023

“No todo en el programa surgió de ese maletín. También había cajas y cajas de material de archivo. Durante la fase de investigación, mis colegas de Zaha Hadid Architects me dijeron: ‘ve a buscar el pequeño garabato’. Resultó ser una hoja de letras árabes que deletreaban Zaha y Moonsoon, y la forma de remolino recurrente, que se ve en el modelo y las pinturas.

“Con la ayuda de Marwan Kaabour , quien diseñó la identidad gráfica de la exposición, descubrí que el remolino es una versión estilizada de la letra H en Zaha. Marwan ha realizado un trabajo increíble para Phaidon y VA anteriormente y dirige la cuenta de Instagram Takweer sobre narrativas queer en la región SWANA. Le pedí que hiciera un vídeo basado en el material de archivo que habíamos encontrado.

“Este fragmento está tomado de ese video. Traza el desarrollo de la estructura de “piel de naranja” de Moonsoon, desde la construcción breve hasta su forma final. Comenzando con bocetos de las palabras مونسون [Lunzón] y زها [Zaha] basados ​​en letras árabes, pasando por referencias a la piel de naranja, la pasta y las obras de Alexander Calder, concluye con su eventual traducción a los dibujos técnicos que informan la construcción, como así como imágenes de la construcción y construido.”

Sofá y mesa tipo bandeja de Zaha Hadid Architects, 1989-90 (rehecha en 2014)

“Finalmente, la exposición incluye un sofá en forma de boomerang procedente del bar. Los muebles de Moonsoon emplearon curvas que se cruzan y planos diagonales para crear un paisaje interior. Diseñados por Michael Wolfson, los sofás de diferentes tamaños tienen respaldos y mesas tipo bandeja intercambiables, que vienen en diferentes colores y acabados.

“Los camareros podían colocar las mesas en sus puestos cuando entregaban las bebidas a los invitados. No estoy seguro de qué tan bien funcionó en la práctica este método de espera, pero es interesante pensar en estos muebles como parte de una tradición histórica de diseño de paisajes de asientos flexibles. Sabemos que Zaha era fanática de la obra de Verner Panton, por ejemplo”.

Zaha’s Moonsoon: An Interior in Japan se exhibirá en la Fundación Zaha Hadid en Londres del 20 de abril al 22 de julio de 2023. Consulte la Guía de eventos de Dezeen para obtener una lista actualizada de eventos de arquitectura y diseño que tienen lugar en todo el mundo.

And And And Studio ha renovado las oficinas de una de las firmas de abogados de entretenimiento más importantes de Los Ángeles , optando por una apariencia que se parece más al lobby de un hotel.

La firma, que representa a varios actores de Hollywood, encargó a los fundadores de And And And Studio, Annie Ritz y Daniel Rabin, el diseño de interiores para sus oficinas en Century City, un distrito comercial al sur de Beverly Hills.

El estudio de diseño convenció a los clientes de quedarse en su edificio actual en lugar de mudarse, una decisión que requirió un rediseño completo del espacio de 22.000 pies cuadrados (2.044 metros cuadrados) y la destrucción de los interiores para dejar espacio a una marca. -nuevo diseño.

Los clientes necesitaban más de 30 oficinas privadas dentro del plano de planta, por lo que hubo que hacer concesiones en el tamaño de las habitaciones para dejar suficiente espacio para salones y otras instalaciones comunes.

“El objetivo de Ritz y Rabin era hacer que el espacio pareciera aireado, abierto y más parecido al vestíbulo de un hotel que a una oficina”, dijo el estudio.

“[Los abogados] cambiaron oficinas privadas un poco más pequeñas para proporcionar a toda la oficina espacios comunes acogedores y funcionales”.

Los visitantes que llegan al área de recepción con paneles de madera se encuentran con un mostrador envuelto en brillantes azulejos Rombini color sangre de Mutina , que también rodean columnas curvas en los espacios de reunión.

En la recepción también se colocaron sillones colgantes Bassam Fellows y una mesa de mármol Angelo M de Alinea Design Objects , marcando la pauta para el resto de los interiores.

Los muebles que se encuentran en todas partes hacen referencia a una variedad de estilos de diseño, incluidos el art déco y los años 70, como se ve en las sillas Brasilia de Menu , los sofás de Arflex y un sofá Phillipe Malouin para SCP.

La tapicería de terciopelo marrón y amarillo en los espacios del salón también hace un guiño a la década de 1970, mientras que en la cocina, el mármol verde forma la encimera, el protector contra salpicaduras y los estantes abiertos.

“El diseño inspirado en la década de 1970 trasciende a través de cálidos tonos de madera y telas en tonos dorados y verdes atrevidos”, dijo And And And Studio.

Diseñado y ejecutado durante la pandemia de Covid-19, el equipo se enfrentó a varios obstáculos durante el proyecto, lo que resultó en múltiples cambios de último momento.

“[Nuestro] enfoque para el rediseño de esta oficina abarca los objetivos y el espíritu de esta firma de abogados, brindando un diseño único al espacio que es distinto”, dijo And And And Studio.

“Este objetivo se enfrentó a varios desafíos debido a la pandemia, lo que generó retrasos y cambios, especificaciones y reespecificaciones de productos, todo mientras se equilibraba un cronograma ajustado”.

El estudio de Ritz y Rabin tiene oficinas tanto en Los Ángeles como en Toronto.

Otros diseños de oficinas de abogados incluyen uno creado por Studio Arthur Casas para una firma en São Paulo con un espacio de color chocolate iluminado por cientos de libros, mientras que Vladimir Radutny Architects utilizó particiones blancas mínimas para dividir una oficina de abogados en Chicago .

La fotografía es de Chris Mottalini.

El estudio de diseño de interiores The Mint List ha aportado luz, espacio y calidez a esta casa eduardiana en Londres con múltiples ampliaciones, una sala de juegos oculta y muchos materiales táctiles.

La casa renovada al final de la terraza en Kensal Rise pertenece a una pareja de la industria cinematográfica que quería una casa familiar acogedora con elementos de mediados de siglo , en particular haciendo referencia al trabajo de los diseñadores Charles y Ray Eames .

“Los clientes se inclinaban por el estilo de mediados de siglo, pero no querían que eso abrumara el plan”, dijo a Dezeen la fundadora de The Mint List, Camilla Kelly.

“La Casa Eames fue una buena referencia de mediados de siglo en términos de abarcar texturas cálidas y reutilizadas, una sensación de escala y abundancia de luz”.

El objetivo era abrir esta casa anteriormente oscura y “corriente” y crear una mejor sensación de fluidez.

Además de agregar dos dormitorios y un pequeño estudio en el loft recién convertido, The Mint List creó una extensión trasera para albergar el espacio de cocina-comedor y absorbió el antiguo garaje de la propiedad en la casa, proporcionando un vestíbulo, despensa y sala de juegos.

La sala de juegos está ingeniosamente oculta detrás de un banco de almacenamiento nuevo en el pasillo, que también se ha ampliado abriéndolo al antiguo porche.

“Se le dio gran importancia a la luz en el diseño”, dijo Kelly. “Siempre que fue posible, creamos ventanas altas que se beneficiaban del aspecto orientado al sur”.

La casa está llena de características y acabados diseñados a medida a petición del cliente.

El piso utiliza tramos de roble inusualmente delgados, colocados en ángulo recto entre sí en enormes rejillas, mientras que los umbrales se distinguieron con delgadas aletas de latón que añaden un sutil interés visual.

Basándose en el lenguaje de diseño de los muebles de mediados de siglo , la cocina se construyó completamente a medida para el espacio con un diseño de líneas limpias pero asimétrico.

“Centralizamos el ensamblaje y utilizamos ventanas altas a ambos lados de los gabinetes para enfatizar la naturaleza cúbica del diseño”, dijo Kelly. “Los cubos asimétricos que forman los gabinetes se construyeron en nogal, con puertas pintadas de color crema para el almacenamiento cubierto”.

La combinación de materiales incluye chapa de nogal, vidrio de caña, frentes de puertas de color oliva y detalles de latón antiguo, así como encimeras de hormigón y madera de iroko recuperada.

“Soy reacio a mantener todo en un solo color”, dijo el diseñador. “Es una oportunidad perdida para aportar textura, color y carácter a un espacio”.

La isla de la cocina fue diseñada para tener en cuenta el amor de los propietarios por el entretenimiento, con una sección de la encimera elevada a la altura de la barra para alejar a los invitados del área de cocina.

“La isla es aún más asimétrica, con diferentes niveles, cajones, estantes y aberturas que sirvieron para mostrar cómo la geometría de un diseño a veces puede estar fuera de lugar y aun así parecer claramente intencionada, siempre y cuando se asiente correctamente dentro de la escala del espacio”, dijo Kelly.

La barra curva proporciona un vínculo visual con los escalones redondeados que conducen al área de la cocina, así como con otros elementos curvos en toda la casa.

“Me gusta incluir algunas curvas en mis proyectos a través de aberturas de habitaciones, carpintería y encimeras”, dijo Kelly. “Ayudan a suavizar los espacios y mejorar el flujo de un área a otra”.

Junto a la cocina hay una biblioteca híbrida y acogedora, que está parcialmente cerrada con estanterías de roble acabadas en vidrio y rafia, que funcionan como separadores de ambientes y hacen un guiño a la Casa Eames en California .

“No queríamos que esto fuera un espacio muerto”, dijo Kelly. “Es un lugar tranquilo donde puedes leer un libro o escuchar música. Y cuando la pareja está entretenida, este es un espacio suave donde vienes a ponerte al día con alguien”.

Cuatro dormitorios se distribuyen en los niveles superiores de la casa, incluido un dormitorio infantil compartido con literas en el primer piso y dos dormitorios adicionales en el loft reformado.

Desde que fundó The Mint List en 2011, Kelly ha completado varios proyectos de interiores en Londres.

Entre ellos se encuentra la sede de la empresa de gestión musical Everybody’s in Highbury, que equipó con muebles móviles al estilo de mediados de siglo.

La fotografía es de Dave Watts .